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Sammeln und der Markt für afrikanische Kunst

Sammeln und der Markt für afrikanische Kunst,
Tracy Murinik und Federico Freschi.
Gekennzeichnet in der Kunst Südafrika Digitale Ausgabe Dezember.
 
Was ist die heutige Wertigkeit zeitgenössischer Kunst aus Afrika für Sammler auf der ganzen Welt? Wer will es? Warum wollen sie es? Wer ist an der Entwicklung des Marktes dafür beteiligt? Wo und wie entwickelt sich dieser Markt? Und muss eine „Bewusstseinsentwicklung“ stattfinden - für den Sammler und den Markt - damit eine Sammlung als wirklich erfolgreich angesehen werden kann?

Dies waren einige der Fragen, die von einer Reihe von Diskussionsteilnehmern bei einer Reihe von drei Podiumsdiskussionen über das Sammeln zeitgenössischer Kunst aus Afrika gestellt und beantwortet wurden, die von Prof. Federico Freschi während des Vortragsprogramms auf der FNB Joburg Art Fair im September einberufen wurden. Die Diskussionsteilnehmer bestanden aus einer geografisch und kulturell unterschiedlichen Gruppe privater und öffentlicher Sammler, Museumsdirektoren, Kunstberater und Kuratoren, die sich durch ihr gemeinsames Interesse und ihre Leidenschaft für verschiedene Erscheinungsformen zeitgenössischer Kunst aus Afrika einig waren. In seiner Einführung in die Panels schlug Prof. Freschi vor, dass Kunst und Design vielleicht einige der mächtigsten transformativen Akteure der Demokratie sind, die wir haben, und forderte uns auf, die Welt mit den Augen anderer zu sehen, und bekräftigte so eine gemeinsame Menschlichkeit, die auf a basiert Respekt für unterschiedliche Sichtweisen. Er argumentierte, dass insbesondere Kunst eine wichtige Rolle bei der Neudefinition von Wahrnehmungen und der Beseitigung von Stereotypen spielt, insbesondere im Fall von Afrika als Kontinent, und in Bezug auf das, was sich eine breitere Öffentlichkeit als Grenzen der afrikanischen kreativen Produktion vorstellen kann. Als Ausgangspunkt für die Prüfung durch die drei jeweiligen Gremien, warum, von wem und auf welche Weise afrikanische Kunst sowohl lokal als auch global gesammelt und vermarktet wird, wurde diese Frage des transformativen Potenzials von Kunst im Hinblick auf die Entstehung dieses Potenzials weiter untersucht anerkannt, verwendet und entwickelt von verschiedenen Akteuren innerhalb der Kunstszene und ihrer verbundenen Unternehmen.
 
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Kunstgespräche, FNB Joburg Art Fair 2013. Foto von KB Mpofu. Mit freundlicher Genehmigung des Goethe-Instituts.
 
Kulturhüter
 
Jeanetta Blignaut, Gründungsdirektorin der Spier Arts Academy, formulierte die strategische Investition von Spier in den letzten fünfzehn Jahren als die Entwicklung einer Art Blaupause zur Aktivierung, Unterstützung und Aufrechterhaltung eines Marktes, in dem junge Künstler in Südafrika lebensfähig unterrichtet, unterstützt und unterstützt werden können ermutigt, Kunstwerke als Karriere zu produzieren. Die Schaffung einer Art Ökosystem, in dem Menschen, die sich für eine Karriere in der Kunst entscheiden, durch verschiedene von Spier durchgeführte lernen können
Programme unterstützt die Akademie Kandidaten von der Vorbereitung bis zur Professionalität; Künstler können sowohl Vollzeit üben als auch durch Spiers Moderation einen Markt für ihre Arbeit finden. Blignaut beschrieb Spiers Rolle in dieser Hinsicht als "Verwalter" der lokalen zeitgenössischen Kunst; einer nächsten Generation von Künstlern, die es sich leisten können, "Zeit in einem Studio zu verbringen, um das zu tun, was sie am besten können", was sie als "Pionier unserer Kultur" bezeichnete. Zu den kritischen Erfordernissen, die mit dieser Verwahrung erreicht werden sollen, gehört es, das Leben der Menschen erheblich zu verändern, indem „Chancen für ihren Erfolg geschaffen werden“ - innerhalb dessen ihr Bedürfnis nach finanzieller Stabilität anerkannt und respektiert wird; sich in gefährdeten Gemeinschaften engagieren, um Energie für gesellschaftspolitische Veränderungen einzusetzen; und dieses lokale Erbe zu archivieren. Ähnliche Bedenken hinsichtlich der Notwendigkeit, Künstler zu entwickeln, wurden von mehreren anderen Diskussionsteilnehmern als Impulse für die Art und Weise, wie und warum sie die Sammlung von Werken sammeln oder fördern, bestätigt. Die Idee, eine Art Kulturarchiv zu schaffen, findet Resonanz bei Kenneth Montague, einem Zahnarzt und Kunstsammler auf Torontobasis, und dem Gründer und Direktor der gemeinnützigen Wedge Curatorial Projects (www.wedgecuratorialprojects.org). Montague zeigt seit 1997 fotobasierte Arbeiten mit einem starken Fokus auf Arbeiten zur Erforschung der schwarzen Identität und der afrikanischen Diaspora, als er begann, Arbeiten zur Erforschung der schwarzen Subjektivität und kulturellen Repräsentation zu sammeln und zu zeigen. Er erkundete sein eigenes jamaikanisch-kanadisches Erbe und beschrieb seinen Wechsel zum Kuratieren als den Wunsch, Geschichten durch die Arbeit von Künstlern zu erzählen, die er als "Chronisten des täglichen Lebens" bezeichnete, und als Sammler seine Neigung, Werke zu erwerben, die mit anderen sprechen . Er sprach über das Sammeln des Seins für ihn, über seinen Wunsch, die Erfahrung und die darin eingebetteten Erzählungen mit anderen zu teilen, ebenso wie für seine eigene private Erfahrung und sein Vergnügen. Aus seiner Sicht gibt es in diesem Prozess immer eine öffentlich-private Dualität, angetrieben von der Achtsamkeit des Sammelns mit einem Gefühl der Inklusivität und des Teilens - etwas, das er anderen Sammlern ermutigte, in ihren jeweiligen Prozessen zu berücksichtigen.
Emile Stipp, ein südafrikanischer Aktuar und Kunstsammler, sprach ebenfalls von zeitgenössischer Kunst, die Aufschluss darüber gab, was es bedeutet, in dieser Zeit menschlich zu sein - die Politik von Zeit und Ort, die immer im Kunstwerk präsent ist, und ein starker Anreiz und Grund Arbeiten zu sammeln, die ihn kraftvoll über diese Realitäten und Währungen ansprechen. Oba Nsugbe, ein nigerianischer Rechtsanwalt und Sammler mit Sitz in Großbritannien, behauptete ebenfalls, Kunst gebe "eine Antwort zu einem bestimmten Zeitpunkt".
 
Den Markt lenken: Berater und Initiatoren
 
Aber wer leitet und bildet neuere Sammler aus, die afrikanische Kunst auf sinnvolle und effektive Weise sammeln möchten? Bomi Odufunade, Schriftsteller und Kunstberater bei Dash & Rallo Art Advisory, der sich auf Kunst aus Afrika und seiner Diaspora spezialisiert hat, gab an, dass die Nachfrage nach afrikanischer Kunst im Inland auf dem Kontinent eher begrenzt sei. Sie hat es sich zur Aufgabe gemacht, diese Nachfrage auf einen breiteren globalen Markt auszudehnen. Eine Möglichkeit, dieses Ziel zu erreichen, besteht darin, die Sammler / Kunden, die sich an sie wenden, um Kunstwerke für sie zu beschaffen, zu schulen und sie zu ermutigen, sorgfältig zu überlegen, was sie kaufen und wo sie es kaufen. Sie sammelt auch Arbeiten auf dem gesamten Kontinent sowie in der Diaspora, so dass sie ihren Kunden nicht nur eine lokalisierte inländische Produktion zeigen kann, sondern eine breite Vielfalt, die ein Verständnis für die Vielfalt des afrikanischen Ausdrucks jenseits des Traditionellen fördert. Odufunade betrachtet jeden Künstler, der eine Verbindung zu Afrika hat, als afrikanisch und sie wird ihn als solchen beschreiben. Sie glaubt, dass Kunstberater / Berater sowohl Initiatoren als auch Vermittler von Sammlern sind -] Erweiterung und Entwicklung der Parameter dessen, was sie normalerweise erwerben würden und wie sie beginnen, ihre Sammlungen für sich selbst und diejenigen, die die Werke sehen, neu zu definieren. Sie merkte weiter an, dass Kunstmessen zu einem der kritischsten Verteilungsmittel geworden sind
das Bewusstsein und die Nachfrage nach Arbeit aus oder in Bezug auf Afrika. Das Internet habe auch das Spektrum der Beschaffungsarbeiten massiv erweitert, über den Besuch von Galerien und Künstlerateliers hinaus. Die weltweite Zugänglichkeit solcher Arbeiten verbindet die Punkte zwischen Afrika und der Diaspora und bildet weiter aus. Samallie Kiyingi, eine in London ansässige ugandisch-australische Anwältin, Bankierin und Kunstsammlerin, stimmte der Bedeutung von Kunstmessen als Schlüsselmittel für die Bekanntmachung eines Künstlers mit einem internationalen Publikum zu. Sie sprach über die Kunstwirtschaft, insbesondere in Afrika, über die Suche nach neuen Märkten. Ihr Interesse, mehr Menschen auf dem Kontinent dazu zu bringen, afrikanische Kunst zu sammeln, veranlasst sie, Menschen, die sie kennt oder die ihr folgen, dazu zu bewegen, sich mit Kunst zu beschäftigen, um die eigene Welt und Identität zu verstehen.
 
"Die Idee von Afrika ist im Moment heiß und brutzelt!"
 
Dieses Gefühl wurde von Kiyingi während ihrer Podiumsdiskussion proklamiert. "Afrika ist das nächste große Ding", sagte sie. Aber was ist die Notwendigkeit, afrikanische Kunst als Ware für ihre Authentizität als Afrikanerin zu vermarkten - selbst in der Diaspora? Wie wird diese Arbeit als Bindeglied zur Entschlüsselung der eigenen Identität verkauft? Müssen Künstler, die in einer Vielzahl von Stilen und Themen arbeiten, noch als afrikanisch identifiziert werden? Und inwieweit läuft dies, wenn überhaupt, Gefahr, die Exotisierung Afrikas fortzusetzen? Und was macht einen letztendlich zu dem, wer und was man ist? Während die Politik des Ortes unglaublich komplex ist, ist Kenneth Montagues Meinung, dass Afrikaner sein eher ein Geisteszustand als ein geografischer Bezug ist. Er schlägt vor, dass man nicht in Bezug auf Afrikaner diskriminieren sollte, sondern eine Position der Hybridität nach der Identität einnehmen sollte, die das Selbstgefühl auf mehreren Ebenen umfassen kann.
 
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Warren Siebrits bei den Kunstgesprächen, FNB Joburg Art Fair 2013. Foto von KB Mpofu. Mit freundlicher Genehmigung des Goethe-Instituts.
 
Eine "Evolution des Bewusstseins"
 
Warren Siebrits, ein in Johannesburg ansässiger Sammler, Händler und langjähriger Leser dieses Marktes, gab nachdenkliche und provokative Kommentare dazu ab, was es bedeutet, ein erfolgreicher Sammler (afrikanischer) Kunst zu sein, wenn man die Rolle des Kunstzuschauers / Kommentators / Sammlers betrachtet In Bezug auf Kunstwerke und ihren Markt schlug er vor, dass 50% der Kreativität vom Betrachter / Kommentator bestimmt werden, der dabei hilft, eine „Bewusstseinsentwicklung“ um ein Kunstwerk herum zu schaffen und wie
es wird wahrgenommen - dass der kritische Diskurs tatsächlich ein Erbe der Kunst schafft. Er schlug vor, Sammler als konzeptionelle und nicht nur als praktische Markteinheiten zu verstehen, die in der Lage sind, einem Kunstwerk Bewusstsein, Einsicht und eine Vision von Größe zu verleihen. Siebrits argumentierte weiter, dass es eine Entwicklung des persönlichen Bewusstseins des Sammlers in Bezug auf seinen eigenen Sammelprozess geben muss: Aus Sicht von Siebrits sollte der Preis kein Faktor für die Entscheidung sein, etwas zu sammeln. Stattdessen, schlug er vor, sollte ein Sammler den Prozess der Auswahl von Arbeiten, in die er investieren möchte, bewusst verlangsamen - um zu erkennen, anstatt zu leicht zu sammeln; im Laufe der Zeit Entscheidungen zu treffen, um Kunstwerke zu identifizieren, die „auch in Zukunft großartig bleiben werden“. Er forderte die Sammler auf, in Betracht zu ziehen, Werke zu erwerben, die, auch wenn sie in ihrer Thematik, ihrem Stil und ihrer Übereinstimmung (oder ihrem Fehlen) mit dem Rest der Sammlung willkürlich sind, dennoch spezifisch zu ihnen sprechen. Mit anderen Worten, das Sammeln beinhaltet eher bewusstes und nachdenkliches Erkennen als nur Akkumulieren, und Sammler wären daher gut beraten, eine Strategie für das Sammeln zu entwickeln, die gegen den Status Quo verstößt.
 
Federico Freschi ist Kunsthistoriker und Dekan der Fakultät für Kunst, Design und Architektur der Universität Johannesburg
 
Tracy Murinik ist Direktor für Forschung und Projekte und wissenschaftlicher Mitarbeiter des Forschungszentrums für visuelle Identitäten in Kunst und Design (VIAD) an der Fakultät für Kunst, Design und Architektur der Universität Johannesbur