Flucht vor dem Gericht

Erinnern Sie sich an eine Zeit, als wir Kunstkritiker hatten?

(Wenn Sie ein neuer Sammler sind, tun Sie dies wahrscheinlich nicht.)

 

Im Jahr 2003 schrieb James Elkins ein kleines Buch mit dem Titel, das nicht viel größer als eine Broschüre ist Was geschah mit Kunstkritik??

 

"In der weltweiten Krise ... sich im Hintergrund der kurzlebigen Kulturkrise aufzulösen ... [Kunstkritik stirbt] ... massiv produziert und massiv ignoriert."

 

Der Kern des Buches ist, dass die Kunstwelt mehr Schriften produziert als jemals zuvor, von Ausstellungsaufsätzen über Pressemitteilungen bis hin zu Inhalten von Zeitungs-, Print- und Medienplattformen. Die Menge hat die Wirkung jedoch nicht nur nicht erhöht, sondern tatsächlich abgebaut. Einer der Gründe für den Verlust der Relevanz ist das, was Elkins als "Flucht vor dem Urteil und Anziehungskraft der Beschreibung" bezeichnet. Anders ausgedrückt, es ist die Aufhebung der Verantwortung des Kunstkritikers als Experte mit den Fähigkeiten und der Fähigkeit, sich ein verlässliches Urteil über die Vorzüge eines Kunstwerks zu bilden.

Solche Urteile führten im 19. Jahrhundert zu Pressekriegen in Paris, die zu Fauvismus und Impressionismus führten. Trotz aller kunsttheoretischen Kontroversen, die er ausgelöst hat, kann niemand die Bedeutung von Clement Greenberg für die Verfechter der Künstler des Abstrakten Expressionismus von Rothko bis Pollock, Frankenthaler und de Kooning leugnen.

Wenn Sie jedoch heute fast alle Kunstpublikationen oder kunstbezogenen Medieninhalte aufgreifen oder darauf klicken, werden Sie Elkins '„Flucht vor dem Urteil“ in Aktion sehen. Soziale Medien und die Online-Umgebung haben die „Flucht vor dem Urteil“ mit vorverdauten, „instagrammierbaren“ Inhalten noch einfacher gemacht, die es der Technologie ermöglichen, den Markt und den Markt die Kunst voranzutreiben. Umgekehrt findet sich das Kunstschreiben, das sich an ein professionelles / gelehrtes Publikum richtet, nicht nur in einem undurchdringlichen Lexikon und obskuren Referenzen wieder, sondern richtet sich vor allem fast immer an Themen, die der Autor bewundert und interessiert. Ohne Vergleich ist der Leser nicht in der Lage, dies wirklich zu tun durch solches Schreiben erzogen werden.

Wir leben in einer Zeit, in der das Schreiben, anstatt ein Werkzeug und ein Leitfaden zu sein, zu oft zu einem Ersatz für die Bedeutung geworden ist und infolgedessen sowohl den Text als auch die Kunst entmachtet hat. In einem ergreifenden Aufsatz mit dem Titel "Erinnern Sie sich, wann Kunst schön sein sollte?" Joseph Bravo gibt einige Antworten auf die Frage nach dem Niedergang der Kunstkritik und dem Vorrang des Textes vor der Bedeutung:

Der ästhetische Diskurs ist ziemlich schwierig, aber politisch korrekte Klischees sind viel einfacher und vorhersehbarer allgegenwärtiger. Ästhetik erfordert eine Beherrschung des Verständnisses des handwerklichen Handwerks und der metaphysischen Anrufung sowie des politischen Kontextes; Während PC-Klischees nur die Beeinflussung einer dieser Prioritäten erfordern und nicht einmal echtes Fachwissen.

Er bietet Künstlern auch eine Beziehungsdynamik, die uralt ist und auf die derzeit verzichtet wird, ein Verhältnis empathischer Verantwortung:

Echte ästhetische Kommunikation beruht auf Empathie zwischen Künstler und Betrachter. Wenn Kunst eine gewisse kulturelle Relevanz behalten soll, muss das Publikum tatsächlich erweitert werden. Mit dieser Verbreiterung des Publikums muss auch eine Verbreiterung der Botschaften und der Identität der Boten einhergehen, selbst wenn die Gefahr einer beunruhigenden Kakophonie besteht. Im Idealfall würde sich jeder Künstler bemühen, diese empathische Kommunikation zu erweitern, um ein möglichst breites Spektrum der Menschheit zu erbauen. Wenn Künstler mit ihrem Publikum sprechen sollen und nicht nur darüber, dann sollten sie versuchen, zumindest einen gemeinsamen Punkt zu finden, auf den sie diesen Samen der Empathie setzen können.

In Bezug auf das Verständnis des künstlerischen Prozesses ist das Feld für Menschen aus praktisch allen anderen Wissensbereichen offen geworden, um sich qualifiziert zu fühlen, Kunst zu kommentieren, in der Kunst zu arbeiten und mit Künstlern zusammenzuarbeiten. Während wir niemals erwarten würden, dass ein Kardiologe eine Meinung zur Zahnbehandlung abgibt, scheuen wir uns, wenn es um Kunst geht, zu erklären, dass Professionalität und Fachwissen auf diesem Gebiet etwas sind, das man verteidigen und anstreben kann. Ein politischer Theoretiker, Anthropologe und Literaturkritiker fühlen sich alle perfekt qualifiziert, um Kunst zu kommentieren und Einfluss zu nehmen, wenn uns gesagt wird, dass alles und jedes darüber gesagt werden kann.

Dies zeigt sich deutlich im jährlichen "Who-is-Who" -Fest, dem ArtReview 100, in dem diejenigen aufgeführt sind, die den größten Einfluss auf die Kunst ausüben und als "Theoretiker für Wissenschaft, Technologie und Feminismus" bezeichnet werden. Nur 23 Mitglieder der hohen Liste sind Künstler, und selbst als solche müssen ihre Referenzen durch andere Aktivitäten gestützt werden, zum Beispiel Luc Tuymans (Kuratieren) und Wolfgang Tillmans (Aktivismus). Kritiker oder Schriftsteller sind nirgends zu finden. Nicht einmal die herausragende Roberta Smith, die wichtigste Kritikerin der New York Times, die seit über 40 Jahren die Bastion des Berufs ist, oder die Allgegenwart der sozialen Medien, Jerry Saltz. Sowohl Smith als auch Saltz, die über enzyklopädisches Wissen und Know-how auf dem Gebiet der zeitgenössischen Kunst und Kunstgeschichte verfügen, werden nicht als ausreichend bedeutend angesehen, um es auf die Liste zu setzen.

Ironischerweise hat die Flucht von der Kunst zur sozialen Relevanz, während sie sich für verschiedene fortschrittliche Ideologien und Ursachen einsetzt, dazu beigetragen, die Assetisierung der Kunst zu erleichtern. Mit Künstlern und echten Kunstkritikern in der Minderheit des Einflusses könnten die Akteure, die derzeit die Kunstwelt antreiben, die Förderung der Ziele der Kunst nicht priorisieren, sondern versuchen, sie entweder ideologisch oder kommerziell zu instrumentalisieren. Schließlich ist es einfacher, neue und unterinformierte Käufer zu vermarkten und zu verkaufen, die sich nicht mehr auf ihre Augen verlassen und auf der Grundlage dessen kaufen, was sie lesen oder zum Kauf empfohlen werden.

Neben der Bedeutung von Text haben wir neben Markt und Vertrieb als Haupttreiber einen überschwänglichen Ansturm auf Werbung gesehen, der sich als Inhalt tarnt und diesen feiert. Zahlreiche Plattformen generieren täglich Bild- und Werbeinhalte zu Kunst und werden häufig gelesen, wobei nur wenige die Tatsache in Frage stellen, dass es sich im Wesentlichen um Verkaufsplattformen mit einem Geschäftsmodell handelt. Sie sind auf den Verkauf von Kunstwerken angewiesen, vor allem aber auf hohe Abonnements, die von Galerien bezahlt werden. Infolgedessen haben sie ein begründetes Interesse daran, überwiegend unterhaltsame Inhalte zu schreiben, die neben Werbeinhalten erscheinen. Eine kürzlich durchgeführte Analyse der 'Top 10/20 Stände' auf Kunstmessen durch Kunstplattformen ergab wenig Überschneidungen zwischen den Auswahlen, aber eine große Verbindung zwischen Werbetreibenden und Partnern auf der Plattform. In einem Klima der Berühmtheit und des Marktes beginnen die Menschen, in der Financial Times und im Wall Street Journal ernsthaft über Kunst zu schreiben, anstatt Informationen von Kunsthistorikern oder Kritikern zu erhalten.

 

Social Media und die Online-Umgebung haben die „Flucht vor dem Urteil“ mit vorverdauten, instagrammierbaren Inhalten noch einfacher gemacht, die es Technologie ermöglichen, den Markt und den Markt die Kunst voranzutreiben.

 

Die Abkehr vom kunstorientierten Diskurs ist auch eng mit den Finanzierungsquellen für die Künste verbunden, da die Geldgeber ebenfalls Teil der Kaufklasse sind, wenn auch auf etwas andere Weise. Die Hauptfinanzierung liegt hauptsächlich in den Händen von Bürokraten, die nicht in der Lage sind, sich mit dem ästhetischen Diskurs auseinanderzusetzen, aber weiterhin in der Lage sind, die „Vorzüge“ der Kunst als sozialpolitisches Instrument zu betrachten. Die finanzabhängige kuratorische Bruderschaft hat zusammengearbeitet, um Kunst zu kooptieren und zu verbreiten, die in solche Rahmenbedingungen passt, und die so genannte „institutionelle Kunst“ zu fördern. Angesichts der Tatsache, dass die kuratorische Gemeinschaft nicht groß ist und viel Öffentlichkeitsarbeit leistet, zirkulieren ihre Mitglieder weit über Kunstpreisjurys hinweg, helfen bei der Auswahl von Künstlern und vertreten Galerien auf Kunstmessen.

Infolgedessen ist das, was ausgestellt und beworben wird, möglicherweise nicht unbedingt das beste, repräsentativste oder historisch bedeutsamste. Dies gilt insbesondere für zeitgenössische Kunst aus Afrika, wo lokale Märkte und Galerien entstehen und die staatlichen Mittel für die Kunst weiterhin unzureichend sind. Umgekehrt war die Aufmerksamkeit und Förderung des internationalen Marktes darauf gerichtet, die Taschen der Reichen aus dem "globalen Norden" zu erreichen. Es ist dann nicht verwunderlich, dass Künstler, die international sichtbar werden, am besten zur westlichen Ästhetik und Vorstellung davon passen, was Afrika ist und sein sollte. Es ist verständlich, dass angesichts der historischen Unterrepräsentation von Kunst aus dem Kontinent der Drang besteht, aktuelle Errungenschaften zu feiern und zu fördern. Es besteht jedoch die Gefahr, auf der falschen Seite der Kunstgeschichte zu landen, insbesondere wenn wir glauben, dass die Afrikaner ihre eigenen nachhaltigen Kunstszenen, großen Sammlungen, Kunstinstitutionen entwickeln können und werden und auf Selbstbestimmung in der Kunst abzielen.

Während es in Mode ist und sogar Spaß macht, der Presse und dem „Who is Who“ zu folgen, das an internationalen Kunstmessen teilnimmt, können und werden es sich viele Galerien in Afrika und die Künstler, mit denen sie zusammenarbeiten, lange Zeit nicht leisten können, daran teilzunehmen in der Art Basel oder sogar 1:54 Contemporary African Art Fair. Die Kosten für die Teilnahme, Visa-Regelungen und Dramen des Finanzsystems sowie Auswahlkriterien und Marktpräferenzen stellen sicher, dass die Mehrheit der Galerien, die an internationalen afrikanischen Kunstmessen und ähnlichen Veranstaltungen teilnehmen, nicht vom Kontinent stammt.

Wenn man die Entwicklung der zeitgenössischen Kunst in Afrika sinnvoll unterstützen will, muss man Kunstproduktion und Kunstinstitutionen auf dem Kontinent erforschen, verfolgen und unterstützen. Lokale Galerien und Kunstinstitutionen investieren nicht nur in die Entwicklung und Förderung von Künstlern, sondern auch in ihr Leben. Sie arbeiten auf eine Weise, die für Afrika genauso relevant ist wie für den internationalen Markt, denn dies ist die einzige langfristige Nachhaltigkeit, auf die man sich verlassen kann, wenn sich internationale Trends ändern. Internationale Galerien, die afrikanische Künstler vertreten, sind dafür nicht am besten positioniert. Ihr Wohlbefinden hängt von der Fähigkeit ab, auf die Bedenken in ihrem eigenen Umfeld und auf ihren Märkten zu reagieren. Das Verständnis dieses Unterschieds ist entscheidend.

Für die Entwicklung einer persönlichen Sammlung ist es wichtig zu erkennen, dass es in der Kunst, wie in jedem Bereich der Geschichte und des Wissens, keinen Ersatz für persönliche Bildung gibt, wenn man sich der ängstlichen Manipulation bewusst ist, die der aktuelle Stand des Marktes ist. Es könnte ein lustiges Spiel sein, mit dem Klatsch und den Machenschaften der Kunstwelt Schritt zu halten, um Preisbewegungen zu messen. Dies sind die Faktoren, die sich definitiv auf die kurz- und mittelfristigen Preise von Kunstwerken auswirken. Sie können jedoch sicher sein, dass Sie nicht immer mit allen mithalten können - was auch für diejenigen von uns gilt, die professionell in diesem Bereich investiert sind. Darüber hinaus tragen diese Aufmerksamkeitsspritzer nur geringfügig zum langfristigen historischen Wert bei, der sich eher über Jahrhunderte als über Jahre entwickelt. Was Sie mithalten können und was Sie ein gewisses Maß an Kontrolle und Sicherheit erlangen können, ist Ihre Fähigkeit, den Wert der Arbeit sowie die Entwicklung Ihres Geschmacks zu verstehen und zu schätzen. Sicher, es kann schwierig sein, echte Informationen vom Hype zu trennen, aber es ist keine Raketenwissenschaft. Es geht viel mehr darum, ein Verständnis für das Kunstmachen zu entwickeln, als darum, was als Ex-post-Rationalisierung darüber geschrieben wird. Es geht darum, zu lernen, wie man mit den Augen umgeht, und sich von diesen Ohren leiten zu lassen, dh die Fragen, die Sie über den Künstler stellen, seine Fähigkeiten und die Bedeutung seines Beitrags zum Feld.

Im Gespräch mit artnet.com kommentierte Laurence Dreyfus, eine internationale Kunstberaterin, die Sammler, mit denen sie zusammenarbeitet, und erklärte: „Sie kaufen nicht mit den Ohren, sondern stützen ihre Entscheidungen auf die Kultur.“… „[Sie] kennen die Kunstgeschichte Sehr gut… was sie sammeln, basiert auf Wissen und Neugier. “ Es ist eine gute Faustregel.

 

BÜCHER REFERENZIERT:

Elkin, James. 2003. Was ist mit Kunstkritik passiert? Prickly Paradigm Press: Cambridge, England.

Žerovc, Beti. 2016. Wenn Haltung zur Norm wird: Der zeitgenössische Kurator und die institutionelle Kunst. Archivbücher: Berlin.

 

Valerie Kabov ist Kunsthistorikerin mit Schwerpunkt Kulturpolitik und Wirtschaft. Sie ist Mitbegründerin und Direktorin für Bildung und internationale Projekte in der First Floor Gallery Harare.