"Im Kontext: Afrikaner in Amerika:" Im Gespräch mit Julie Mehretu

„Zu jedem Zeitpunkt, an dem ich an einem Stück arbeite, entfalten sich Ereignisse um mich herum und sind Teil meines Lebens, des Studios und meiner Praxis - der arabisch-afrikanische Frühling ist ein Beispiel dafür. Ich hatte ständig Neuigkeiten, während ich malte. Das alles findet seinen Weg in meine Arbeit; die verschiedenen Geschichten, Widersprüche und Komplexitäten anzunehmen; um sie zu zerdrücken, zu binden und vielleicht die Pausen zu finden. “

AA Newsletter 2017 Jan05 JulieMehretu1Julie Mehretu, Mogamma (Ein Gemälde in vier Teilen: Teil 1), 2012. Tinte und Acryl auf Leinwand, 457.2 x 365.8 cm. Privatsammlungen. Bildnachweis: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers; Marian Goodman Gallery und White Cube.

KUNST AFRIKA: Sie haben an zahlreichen Orten gelebt, von Addis Abeba bis Dakar, Berlin und New York. Zu welchem ​​Zeitpunkt in Ihrer künstlerischen Karriere haben Sie erkannt, dass die gebaute Umgebung eine Art Metapher oder Kern für Ihre Denkprozesse ist?

Julie Mehretu: Ich habe schon früh in meiner Arbeit und meinen Untersuchungen begonnen, mich auf Kartierung und Architektur, ihre Geschichte und die Geschichte der Stadt zu stützen. bald nach dem Abitur. Die räumliche Geschichte der Stadt und ihre Architektur lieferten mir sozialspezifische Metaphern für Denk-, Begehrungs- und Machtsysteme. In diesem Zusammenhang waren die Marken an der Konstruktion und Dekonstruktion der räumlichen Mechanik und der Erfahrung der Arbeit beteiligt. Es war ein Weg, Raum und Zeit zusammenzubrechen, auf dem ich zeichnen, malen und mich weiterentwickeln würde. In gewisser Weise war es eine Anstrengung, meine Erfahrung in und von der Welt zu verstehen und zu destillieren, eine Möglichkeit, mich selbst zu lokalisieren. Das letzte bedeutende Werk, das sich stark auf die Architekturzeichnung stützte, war mein Mogamma Serie. Ich habe seitdem ein paar Bilder gemacht, die dieselbe Sprache verwenden (Kairo, 2013; Damaskus, 2015), aber in den letzten Jahren hat diese Sprache ihren Weg aus den Gemälden gefunden.

In einem früheren Interview sagten Sie, dass Ihre Werke „mit rationalem Denken nicht existieren könnten“. Was hast du damit gemeint?

Ich verlasse mich stark auf meine Intuition. Es ist ein großer Teil meines Prozesses, Aufmerksamkeit zu schenken, meinen Kopf aus dem Weg zu räumen, Instinkt und Zufall meine Arbeit leiten zu lassen, aber auch meine Richtung und Interessen abzubauen. Es kommt aus der Destillation von Stunden und Wochen des Denkens über die Arbeit, des Forschens, Schauens, Fühlens und Reagierens. Ich mache keine Kunst im luftleeren Raum, ich arbeite aus meiner Welt heraus - meine Arbeit, meine Wünsche, meine Attraktionen - es ist mein Kompass. Dies ist ein Sinn wie jeder andere, und ich habe jahrelang daran gearbeitet, ihn zu entwickeln und zu verstehen. Man kann nicht ohne Orientierungssinn machen, ohne darüber nachzudenken. Es ist Teil eines Kontinuums, sowohl meines eigenen als auch eines breiteren kunsthistorischen Gesprächs.

AA Newsletter 2017 Jan05 JulieMehretu2Julie Mehretu, Mogamma (Ein Gemälde in vier Teilen: Teil 2), 2012. Tinte und Acryl auf Leinwand, 457.2 x 365.8 cm. Privatsammlungen. Bildnachweis: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers; Marian Goodman Gallery und White Cube.

Sie arbeiten überwiegend in großem Maßstab. Wie sollen Ihre Bilder Raum einnehmen?

Ich begann an großformatigen Gemälden zu arbeiten, weil ich mich für die dynamische Beziehung des Körpers zur Weite des Gemäldes interessierte. Ich war daran interessiert, ein eindringliches Erlebnis zu schaffen, wenn man sich einem Gemälde nähert, und ein ganz anderes Erlebnis und Verständnis, wenn man weit weg ist und das gesamte Stück von einem Standpunkt aus sehen kann. Ich war daran interessiert, die Erfahrung der Navigation durch die Stadt, ihre labyrinthische und kaleidoskopische Dynamik nachzuahmen. Die Erfahrung, seinen Platz zu verlieren, subsumiert zu werden, in die Komplexität und Kontraktionen des Malens und Zeichnens eingetaucht zu sein.

Ich interessiere mich für die Prozesse der Überlagerung und Löschung und ihre Beziehung zur Geschichte als etwas, das nie wirklich verlässt. Die Elemente der Architektur, die in Ihrer Arbeit definiert sind, haben auch ihre eigenen historischen, politischen und sozialen Konnotationen. Was möchten Sie erreichen, indem Sie alle diese Elemente auf derselben Seite platzieren und mit ihnen interagieren?

Die verschiedenen Ebenen meiner Arbeit sind visuelle Informationen, soziale Sprache, Codierung und Kontext - einige definierbar, entzifferbar und andere nicht. Zu jedem Zeitpunkt, an dem ich an einem Stück arbeite, entfalten sich Ereignisse um mich herum und sind Teil meines Lebens, des Studios und meiner Praxis - der arabisch-afrikanische Frühling ist ein Beispiel. Ich hatte ständig Neuigkeiten, während ich malte. Das alles findet seinen Weg in meine Arbeit; die verschiedenen Geschichten, Widersprüche und Komplexitäten anzunehmen; um sie zu zerdrücken, zu binden und vielleicht die Pausen zu finden. Die Bilder können nicht einfach gelesen und verstanden werden, sie sind nicht didaktisch. Sie können nicht einmal auf dieses einzelne Ereignis reduziert werden, selbst wenn die Geographie eines Gemäldes dadurch definiert wird. Die Gesten, die Markierungen, die Löschungen, sie sind ein Widerstand gegen Reduktion, gegen Definition oder Erklärung. Es ist ein Beharren auf Opazität, Abstraktion, der Erfahrung in der Komplexität eines Moments, der gebucht und an die Vergangenheit gebunden ist und der sich in die Zukunft bewegt.

Sie haben Arbeiten rund um die Revolution auf dem Tahir Square in Kairo produziert. In einem Interview mit Modern Art Notes äußerten Sie sich frustriert darüber, wie diese Revolution ihren Tiefpunkt erreichte, korrupt wurde und dass es sich anfühlte, als würden sich diese sozialen Verhaltensweisen irgendwie wiederholen. Betrachten Sie Ihre Arbeit in diesem Sinne als einen alternativen oder imaginären Raum, in dem potenzielle alternative Zukünfte realisiert werden könnten?

Der Impuls geht dahin, die Brüche, Lücken, Risse zu finden, durch sie zu malen, Räume eines möglichen aufstrebenden Anderen zu erkunden oder zu schaffen.

AA Newsletter 2017 Jan05 JulieMehretu3Julie Mehretu, Epigraph, Damaskus, 2016. Fotogravüre, Zuckerlift-Aquatinta, Spuckbiss-Aquatinta, offener Biss Hahnemühle Bütten 350 gr. Rahmen insgesamt: 247.7 x 574 x 7 cm. Bildnachweis: Alex Yudzon. © Julie Mehretu. Bild mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der Marian Goodman Gallery sowie der Niels Borch Jensen Editions.

Während Abstraktion in Ihrer Praxis immer eine wichtige Rolle gespielt hat, zeigt Ihre neueste Ausstellung 'Hoodnyx, Voodoo and Stelae' in der Marian Goodman Gallery einen sehr deutlichen Bruch mit Ihren früheren Arbeiten. Wie nehmen Sie diesen Übergang in der Zukunft wahr?

Die Ausrichtung hat sich geändert, und die geometrischen / architektonischen Bezüge wurden entfernt, wodurch diese neue Arbeit tiefer in die Abstraktion aufgenommen wurde. Ich habe mein Engagement für einen intuitiven Sinn weiterentwickelt und vertieft, der vielleicht den Lauf der Zeit widerspiegelt. nicht das Bedürfnis verspüren, die visuellen Hinweise anzubieten, die ein Betrachter verstehen oder interpretieren kann, nicht das Bedürfnis nach diesem strukturellen Rückgrat. Tatsächlich die Entscheidung treffen, dieses Rückgrat, diese Metaphern, diese Grundlage wegzuwerfen, um in einer Sprache der Malerei und Abstraktion zu erfinden und visuelle Neologismen zu erfinden. Aus der Geschichte der Malerei, ihren Marken, ihrer Sprache schöpfen und diese Zitate dann in einem anderen Raum zusammenfassen - 'JUMP - CUT - ZOOM' - eine Marke Teil Nauman / Teil Oehlen / Teil Guston / Teil Hammons / Teil Mitchell / Teil Bhabha / Teil Ofili / Teil Mehretu. Neologismen existieren und werden aus einer „Kultur der Unzufriedenheit“ erfunden, aus Teilen der Sprache für diejenigen von uns, die der Meinung sind, dass die vorliegende Sprache nicht ausreicht und problematisch ist, ebenso wie für den Abbau und die Vorstellung neuer Zukünfte. Die Notwendigkeit, im Rahmen eines laufenden Gesprächs zu überdenken und neu zu erfinden. Im Moment arbeite ich an zwei sehr großen Aufträgen für SFMOMA, die diese weiterentwickelte Form des Markierens, diese neue Sprache, an einen neuen Ort bringen werden - in diesem Fall auf den größten Oberflächen, die ich je gemacht habe.