GESCHICHTE Slingsby Interview gespannt

Interview: Im Gespräch mit Robert Slingsby in seinem Studio

ARTsouthAFRICA recently had the exclusive opportunity to speak to reknowned South African artist Robert Slingsby in his Cape Town studio. What follows is our conversation with him about his last solo exhibition, ‘Crossing the Line,’ the symbolism in his work, and how travelling in Africa has shaped his practice over the years. This interview is published in full in the February Digital Issue of ARTsouthAFRICA.

GESCHICHTE Slingsby Interview gespannt

OBEN: Robert Slingsby, Gespannt. Pastell mit Holzkohle und Kreide auf Baumwolltuch. Bild mit freundlicher Genehmigung der Barnard Gallery, Kapstadt.

Können Sie mir etwas über 'Crossing the line' erzählen - die von Ihnen produzierten Werke und wie der Titel der Ausstellung ins Spiel kommt?

2013 machte ich zwei Reisen, um die abgelegenen Stämme des Omo in Äthiopien zu besuchen. 'Crossing the line' entstand aus einer tatsächlichen geraden Linie, die abgrenzte, wo der Wald abrupt endete und gepflügtes Land begann. Was einst Stammesland war, das dem indigenen Kara-Stamm an den Ufern des Omo-Flusses Nahrung und Lebensunterhalt bot, war heute eine Baumwollfarm. Ich habe auch von dem bald fertiggestellten Gibe III-Damm erfahren, der die natürliche Ebbe und Flut des Wassers stören wird. Folglich wird auch im ethischen Sinne eine Grenze überschritten, die den Menschen dieses Landes buchstäblich ihren Lebensunterhalt nimmt. Es gibt auch eine kulturelle, gesellschaftliche Grenze, die von indigenen Stammesweisen zu einer urbanen, entwickelten Lebensweise reicht. Für die Stämme des unteren Omo-Tals besteht eine große ökologische Bedrohung, die mit einem unvermeidlichen kulturellen Übergang einhergeht.

Für mich war diese Linie so bedeutend; es zu überqueren bedeutete, über das Ethische hinauszugehen. Mit einer Bevölkerung von fast 100 Millionen Menschen und einer Hungersnot ist Äthiopien gezwungen, sich auf die wirtschaftliche Entwicklung zu konzentrieren, und benötigt dafür natürliche Ressourcen und Land. Die Stämme des unteren Omo-Tals stellen eine marginalisierte Minderheit dar, die den Entwicklungsprozess nicht beeinflussen oder hemmen kann, unabhängig davon, welchen bedeutenden Wert sie für ihre kulturellen Traditionen haben. Die Ironie ist, dass viele Stammesangehörige die Entwicklung begrüßen, indem sie Zugang zu lebensverändernden Vorteilen wie Wasser und Strom erhalten. Der Preis, der für diese Entwicklung gezahlt wird, stellt eine irreversible Linie dar, die überschritten wird.

Darum geht es bei "Crossing the line". die irreversiblen Folgen der Marginalisierten. Darum geht es in meiner ganzen Kunst.

Wenn ich Leute treffe, die aus afrikanischen Ländern in den Norden kommen, würde ich mich immer fragen, warum sie nach Südafrika kommen, wenn sie zu Hause eine so gute Ausbildung haben.

Wenn man von Addis Abeba nach Süden fährt, herrscht ein Gefühl der Fülle mit scheinbar endloser Kultivierung. Das Land, das ich im unteren Omo-Tal im Süden besucht habe, wo die sudanesischen und kenianischen Grenzen buchstäblich in Sicht sind, ist jedoch außergewöhnlich abgelegen und unkultiviert. Hier hüten Stämme ihr Vieh und ihre Ziegen. Einige, wie die Mursi, führen einen nomadischen Lebensstil (innerhalb der Grenzen des Mago-Parks). Andere, wie die Kara, leben in alten Dörfern neben dem von Krokodilen befallenen Omo River. Es sind diese Gemeinden, die die größte Belastung durch Umweltbedrohungen wie Malaria, Dürre und Hungersnot tragen.

Once you leave Addis Ababa, depending on the season, the journey down south is a ‘carnage’ reality check. The dry season sees Ethiopian women and donkeys laden in water, playing roadside Russian roulette, as they transport water from the river to their villages. The rainy season sees flowing rivers, meaning fewer donkeys, fewer women, fewer 4×4’s, rendering the roads less treacherous.

Beyond the towns there is no electricity and no running water. Life for the visitor is a bit like that of a tortoise. The shell is either a 4×4 or a tent. The field trips require a team; a translator, driver, soldier, tracker and even a cook. Everyone is in one vehicle, as well as all the food and water. Discovering Africa means discovering its people; how enterprising they are, how wise they are, and discovering their creativity, their art. There is so much to gain, so much to learn. Each visit seems to shed another layer in a complex weave of human interaction.

In Bezug auf die Stammesangehörigen, die ich getroffen habe, sind nur wenige jemals über das Tal hinaus gereist, geschweige denn über Äthiopien. Für die meisten ist es der Wunsch nach Bildung und medizinischer Intervention, der zum Reisen führt. Es ist jedoch eine winzige Minderheit, die die unglaubliche Reise bis in den Süden unternimmt.

Diese Erfahrungen haben Ihre Praxis offensichtlich tiefgreifend geprägt. Wie hilft Ihre Wahl der Medien bei der Vermittlung Ihres Konzepts oder Ihrer Botschaft?

Ich habe eine lebenslange Liebe zu Ocker gehabt; In den Überresten von Keramikscherben und Straußeneierschalen, die in der Mitte von Höhlen und Stränden perlen, wo immer der alte Mensch gelebt hat, manifestieren sich immer rote Ockerstücke.

Während meines ganzen Lebens habe ich unzählige antike Stätten besucht, in denen außergewöhnliche Felskunst beheimatet ist. Wenn ich entweder mit unglaublich fein gezeichneten Bildern von Fabelwesen an einer Höhlenwand oder mit nicht figurativen Gravuren auf horizontalen Felsplatten konfrontiert werde, bin ich sicher, dass es ein ausgeklügeltes Konzept gibt, das für die Kunst von grundlegender Bedeutung ist. Durch jahrzehntelange Exkursionen zur weltweiten Aufnahme von Rockkunst habe ich mich bemüht, ein tieferes Verständnis des Konzepts zu erlangen.

Seit über dreißig Jahren fotografiere ich im Richtersveld ausgiebig Petroglyphen oder Felsstiche. Durch meine frühen Forschungen in den 80er Jahren entdeckte ich, dass diese Kunst von Wissenschaftlern oder in der Literatur wenig Beachtung gefunden hatte. Ich fühlte mich gezwungen, meine eigenen Forschungen durch Exkursionen und durch die Kommunikation mit Menschen fortzusetzen, von denen ich glaubte, dass sie mich über dieses Thema aufklären könnten. Auf meiner Suche nach der Bedeutung von Rock Art sagte Credo Mutwa einmal zu mir: "Wenn du die Stimme des Frosches hörst, wirst du schließlich sein schuppiges Gesicht treffen." Und das ist meine Reise; Ich versuche, durch den Ocker, den „Stift“ des alten Künstlers, das mich auf diese ganz besondere Reise geschickt hat, ein tieferes Verständnis zu finden.

Ich interessiere mich für diese „besondere Reise“ und Ihren Weg aus Südafrika in andere afrikanische Länder. Wie hat Ihre Zeit in Südafrika während der Apartheid Ihren Wunsch beeinflusst, nach Norden zu reisen und die Arbeit von anderen Kulturen beeinflussen zu lassen?

Meine erste Reise über Südafrika hinaus drehte sich um Bildung. Die Bildungsunruhen von 1976 spiegelten die Ungerechtigkeit unseres Bildungssystems als Instrument der Unterdrückung wider. Zu diesem Zeitpunkt war ich der Meinung, dass es schuldig wäre, mit einer südafrikanischen Universität verbunden zu sein, da ich sie als Teil der Apartheid-Institution wahrnahm. Dies führte mich 1976 nach Holland, wo ich fünf Jahre lang an der Vrije Akademie studierte. Ich produzierte Widerstandskunst und erweiterte meinen Bezugsrahmen über Südafrika hinaus. Ich habe mich immer der Aufzeichnung der Kultur und Traditionen der Marginalisierten verschrieben. Reisen in andere afrikanische Länder sind jedoch ausschließlich aus Liebe zu Afrika entstanden.

GESCHICHTE Slingsby Interview Thobeka

OBEN: Im Gespräch mit Robert Slingsby in seinem Studio. Foto von Brad Twaddle.

Das ist sehr aufschlussreich. Warum haben Sie sich entschieden, die Stämme Kara, Mursi und Hamer unter anderem in Afrika zu vertreten? 

Eigentlich interessierte ich mich zuerst für die Dinka- und Serma-Stämme. Die Dinka sind im Südsudan, die Serma sind weiter nördlich von meinem Arbeitsplatz. Ich habe angefangen, Kara, Mursi und Hamer zu zeichnen, einfach weil sie zu den schönsten Menschen gehören, die man sich vorstellen kann. Ihre Eigenschaften sind absolut unglaublich und ich fand heraus, dass ich bestimmte Teile - Knochenstruktur, Muskulatur und Haut - isolieren konnte. Sie haben eine imposante, statuenhafte Qualität, die mich sehr anspricht. Ich entdeckte die Kara, eine bestimmte Gruppe in Südäthiopien, als ich Informationen für meine vorherige Ausstellung "Geld und Gott in seiner Tasche" recherchierte. Ich interessierte mich für ihre Körperkunst, die in verschiedenen irdischen Pigmenten gemalt war, deren Designs den Markierungen der Felskunst ähnelten. Darüber hinaus ihr Status als marginalisierte Gemeinschaft; Von ihrer Geographie zum Wandel getrieben, spiegelte sich ein Prozess wider, den ich in meiner Kunst in Bezug auf die Nama des Richtersvelds dokumentiert hatte. Das. Kara waren diejenigen, die mich schon immer am meisten interessiert haben. Als ich dort war, stellte ich fest, dass die Körperbemalung nicht auf sie beschränkt war, sondern ein regionales Phänomen ist. Diese Gemeinschaften schätzen ihren künstlerischen Ausdruck mehr als Musik, mehr als Tanz. Diese Stämme (in Südäthiopien) sind traditionell Künstler - es sind Stämme, zu denen ich gerne gehörte. Dies ist eine menschliche Geschichte; Sie sind schön, reich, großzügig, freundlich, nachdenklich und geduldig. Doch ähnlich wie bei der Nama des Richtersvelds kann ihre Kultur ohne ein Wimmern aussterben.

Ich kann es kaum erwarten, nach Äthiopien zurückzukehren. Es ändert sich so schnell und es gibt noch so viel aufzunehmen.

Ich denke, dass gleichzeitig mit diesem schnellen Wachstum und Wandel ein fragiles Gleichgewicht zwischen Alt und Neu besteht, ein Gleichgewicht, das durch ein solches Wachstum verschoben werden könnte. Es gibt eine feine Linie zwischen Anpassung und Schritt halten mit der modernen Welt, aber gefährdet das nicht die indigene Kultur? 

Sie haben Recht mit dem Gleichgewicht, aber die Leute sind sehr anpassungsfähig - das ist eigentlich ein Teil des Problems. Wir können unsere Kultur über Nacht aufgeben. In Timbuktu werden Bibliotheken und monolithische Steinstrukturen aufgrund ihrer animistischen Wurzeln und Darstellungen zerstört. Dieser Animismus, in dem alles eine Würde hat, lebt mit einem Geist und einer Seele. Die Mursi, die Kara und die Khoi orientieren sich an einigen der größten Prinzipien der Wissenschaft, die uns erst jetzt bewusst werden. Wir leben in einer aufregenden Welt, aber wir müssen auch ein Gefühl der Beständigkeit haben, ein tief verwurzeltes Gefühl für das Universum und unseren Platz darin. 

That sounds like it could be related to your exhibition title, ‘Crossing the Line’ – on that (very practical) note, is your work and the exhibition going to be showcased in the future?      

Ich nutzte die Gelegenheit, um in der Barnard Gallery (in Kapstadt) zu zeigen. Ich wollte keine kleinen, trivialen Werke produzieren und zeigen - jedes Werk war monumental und erforderte das Beste von mir. Um den Probanden Respekt zu erweisen, habe ich mein Bestes gegeben. Ich habe das Gefühl, den Menschen der Kara- und Mursi-Stämme gerecht zu werden.

Ihre Arbeit wurde letztes Jahr Teil der Saatchi-Sammlung. Könnten Sie über Ihre Erfahrungen mit Ihrer Arbeit in ihrer Sammlung sprechen?

Die Auswahl für die Saatchi-Ausstellung ist eine enorme Leistung.

Denken Sie, dass sie mehr am technischen Aspekt Ihrer Arbeit als am konzeptionellen interessiert waren?

Wahrscheinlich nicht, aber für diejenigen, die meine Kunst vielleicht nicht kennen, ist jedes Teil gezeichnet oder gepunktet, es gibt kein Verschmieren.

Die Erinnerung an die Saatchi-Sammlung erinnert also an jene Jahre, in denen in Europa ausgestellt wurde? 

Ich war schon immer sehr eng mit Europa verbunden. Ich arbeite seit über zwanzig Jahren mit einem Händler in London zusammen, was auch zu Shows in der Ferne geführt hat. Ich hatte meine erste Show 1978 in Holland, als ich Student an der Vrije Akademie war. Mit 24 Jahren hatte ich 25 Einzelausstellungen in Europa. In Holland stellte ich als junger aufstrebender Künstler ausgiebig aus - ich brauchte das Geld, um mein Studium zu finanzieren. Ich war fünf Jahre dort, habe studiert, ausgestellt und ein breites Netzwerk aufgebaut.

Können Sie die Symbolik in den Werken erklären?

To understand the symbolism, I have to gain the respect and confidence of the tribe. My hope is that one day they will take me to the sulphurous yellow mud where they go to paint their bodies. To the best of my knowledge no outsider has ever been allowed to witness or be a part of that ritual. There is a mutual trust and respect that is nurtured, and fundamental to what I have learned from them. Meeting the community and watching them choose to evolve into a modern paradigm is an invaluable part of the process – highlighting the sense of urgency to document these traditions. That’s why I will keep going back; keep working with the tribes, contributing where and how I can.  For example, the last visit resulted in organising and funding the journey of a child, Nadine, her mother, her uncle, a chaperone, a translator and driver on an arduous journey to reach an Operation Smile clinic 300 km’s away as the crow flies; a week (in each direction) away logistically – to have her cleft palette repaired.

Es ist ein komplexes Problem, wenn man mit der Konsequenz seiner Anwesenheit konfrontiert wird. Es stellt die Auswirkungen der Entwicklung in jedem Aspekt des Lebens in Frage und damit die Verantwortung, die ich mit meiner Präsenz als Außenseiter trage. Ich fühle mich in Bezug auf medizinische Interventionen wohl.

Die Führungen sind zentral. Die Reise ist nicht einfach. Die Sinne werden durch die Hitze und den Hunger geschärft. Die Farbe, die Blumen, die Perlen, die Frisuren, die Kopfbedeckungen sind alle symbolisch. Ich möchte all dies dokumentieren und möchte unbedingt einen Beitrag leisten, der über die Archive hinausgeht.

Ich mag das schwebende Gefühl in Ihrer Arbeit, wo die Arbeit zwar als reine Schönheitssache angesehen werden kann, dem aber durch das ernste Thema entgegengewirkt wird. In einem Gemälde, Nadore-Shifting die SchalthebelDas Vorhandensein einer Waffe verzerrt die dekorativen Elemente und die gut geschaffene Szene. Könnten Sie mehr darüber sprechen, wie Sie Ihre Themen dargestellt haben und welche Bedeutung oder Botschaft Sie vermitteln möchten?

Visiting and photographing is always a cultural overload, so I have tried to eliminate the clutter and detail of the background and focus on the human element. I am trying to go beyond a purely visual interpretation and I am trying to empathise with the soul that sits behind the eyes. I am not trying to make them beautiful. They are beautiful. I haven’t tried to embellish the subjects. They are embellished. In fact I make a point of eliminating the unnecessary. I make only enough marks to capture the depth of emotion I wish to get from the work. As I grow older, I want to challenge myself to produce the very best mark I can make, an enormous and soul-searching mark. It has taken me over forty years to arrive where I am now, and I am open to criticism – I am here to do something. I am doing something, and that’s the best I can do.