Juni 2007

Art South Africa Volume 5: Ausgabe 04

Pierre Fouché; Lawrence Lemoana; Ruth Sacks


EMOTIONALER EXORZISMUS
PIERRE FOUCHÉ engagiert sich zum Teil in Fragen der Sexualität, will aber nicht, dass seine Arbeit für ein bestimmtes Publikum etikettiert wird, schreibt Kim GURNEY.
links rechts Pierre Fouché, Die Entfernung zwischen uns ich, 2003, Acryl und Stift auf gefundenem Papppuzzle, 135 x 195 cm;
Pierre Fouché, Die Entfernung zwischen uns III, 2006, Leinwand mit 13 Zählern, 9-strängiger Baumwollfaden, Stift, Bleistift, Marker, 105 x 107 cm.

Ich habe Pierre Fouché letztes Jahr während eines Open-Studios-Abends in Greatmore in Woodstock, Kapstadt, kennengelernt. Er schuf einen kleinen Wandteppich und webte mühsam Fäden auf einem selbstgebauten Webstuhl. Eine andere neugierige Besucherin zeigte sich mehr fasziniert von der Rückseite des Werks mit seinen Spinnweben aus ineinandergreifenden Fäden als von dem ordentlichen und ordentlichen Oberflächenbild. Ihre scharfsinnige Beobachtung traf den Kern der Arbeit dieser Künstlerin, bei der es im Wesentlichen darum geht, die Fixierung unserer Sicht auf die Welt zu untergraben - insbesondere das falsche Gefühl der Gewissheit, das die heimische Porträtfotografie vermittelt.
Die Erforschung des Künstlers geht jedoch über die Selbstabsorption hinaus. Fouché verdreht persönliche Themen, um einen politischen Punkt zu machen. Er enthüllt den Unterbauch von Beziehungen, die wir lieber aus dem Gedächtnis löschen, um ein zusammenhängendes, weiß getünchtes Ganzes zu erhalten. Und das schafft er eher heimlich: Eines seiner jüngsten Porträts von sich und seinem Freund hängt offenbar in einem Familienrestaurant in London - sehr zur Zufriedenheit des Künstlers.
Diese Arbeit war Teil seines neuesten Solos bei Bell-Roberts, Die Entfernung zwischen uns. Fouché manipulierte die alltäglichen Porträts von sich selbst und seinen Lieben digital in Muster, die als Vorlagen dienten, und übersetzte sie anschließend durch eine vom Wahnsinn gefärbte Liebesarbeit in obsessiv geschaffene Werke, die aus Tausenden von Würfeln, Puzzleteilen oder verwobenen Fäden bestanden. Der Nettoeffekt ist eine skurrile Subversion der Normativität: ein Bild, das sowohl vertraut als auch verstörend zugleich ist. Seine handgefertigte Ästhetik widerspricht auch einem zeitgenössischen Geschmack für Massenprodukte, ausgelagerte Arbeitskräfte und eine allgemeine Convenience-Kultur - vielleicht gleichzeitig mit einem zunehmenden Gegentrend, der genau diesen Vorstellungen abgeneigt ist.
Fouché ist sich bewusst, dass die strengen Produktionssysteme, denen er seine Kunstwerke unterwirft, wie Schnappschüsse ein weiterer Versuch sind, die Realität in bequem verwaltete Pakete zu schneiden. Diese Strategien scheitern unweigerlich irgendwann oder decken eine inhärente Schwäche ihrer künstlich auferlegten Formeln auf. Diese Macken werden als Teil der Lesung des Kunstwerks akzeptiert - als der Greatmore-Betrachter verliebt in die entdeckten unordentlichen Fäden. Fouché fügt hinzu: "Es ist fast so, als ob die Werke die Narben ihrer erzwungenen Schöpfung tragen."
„Ich mag es, mit traditionell geschlechtsgebundenem Material zu arbeiten.
UND MEINEN EIGENEN PLATZ IN DIESEM… EINFACH ZU MESSEN. “
Sein neuestes Stück, das im Rahmen des Randereignisses von KAP 07erweiterte dieses Engagement mit Schnappschüssen auf den Bereich der Leistung. Er verwandelte seinen Atelierraum in eine spontane Bühne, während er die Worte zu einer Reihe angsterfüllter Lieder über Verlangen, Liebe und Verlust mundete - Themen, die in seiner Arbeit wiederkehren. Laut dem Künstler funktionieren Popsongs wie Schnappschüsse, aber viszeraler. Ein Großteil seiner kreativen Leistung scheint eine ähnliche Art von emotionalem Exorzismus zu sein.
Fouché beschäftigt sich teilweise mit Fragen der Sexualität, möchte aber nicht, dass seine Arbeit für ein bestimmtes Publikum gekennzeichnet wird: „Ich versuche wirklich, alle Arten von Kategorisierung in Frage zu stellen… Es gibt nie einen Fall, in dem die Kennzeichnung perfekt passt. Es gibt immer ein Individuum, das nicht passt, und in gewissem Sinne sind wir alle diese Individuen. “
Es ist daher angebracht, dass Fouché Medien bevorzugt, die häufig mit Weiblichkeit in Verbindung gebracht werden. Er ist damit beschäftigt, sich zu häkeln. "Ich mag es, mit traditionell geschlechtsgebundenem Material zu arbeiten", sagt er, "und meinen eigenen Platz darin einzunehmen ... nur um es ein bisschen durcheinander zu bringen." Er fügt hinzu: „Die Populärkultur hatte in den 90er Jahren ein so schönes Versprechen der Zweideutigkeit, dass Männer in viel feminisierteren und geschlechtsumgekehrten Rollen vertreten waren. Aber es scheint, dass wir zu hyper-traditionelleren Geschlechterrollen zurückkehren, in denen Männer erwartet werden Wieder "echte" Männer, vielleicht als Folge einer Krise der Männlichkeit, anstatt nur Gleichheit zu akzeptieren. Es ist traurig und beängstigend zu sehen, wie plötzlich eine solche verinnerlichte Homophobie auftritt. “
Im März hatte der Künstler bereits ein arbeitsreiches Jahr, in dem er eine Wandteppicharbeit bei ABSA aufhängte, an einer Gruppenausstellung des Cape Town Festival teilnahm und an einem privaten Auftrag mit Blick auf eine Jahresendausstellung 2008 arbeitete. Vor kurzem gab er das Tertiär auf Lehre - am College of Cape Town - sich ganz dem Kunsthandwerk zu widmen.
Kim Gurney ist eine in Kapstadt ansässige freie Autorin und Nachrichtenredakteurin von Art South Africa.

Über Pierre Fouche: Fouche wurde 1978 geboren und hat im vergangenen Jahr einen Master in Fine Art (cum laude) an der Stellenbosch University abgeschlossen. Seine Produktion umfasst eine Reihe von unverwechselbaren Medien, darunter Stickmaterialien, Bleistift, Bastelpapier und neu kontextualisierte Fundstücke (vor allem 6000 Harzwürfel). „Seine Arbeit ist selbstreflexiv und ruhig und sehr, sehr arbeitsintensiv“, bemerkt der Kunsthistoriker Lize van Robbroeck. Die Entfernung zwischen uns (2006), seine jüngste Einzelausstellung bei Bell-Roberts Contemporary, folgte 2005 seiner Einzelausstellung Ausgeschlossen und nicht gesagt. Er hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter an der District Six Public Sculpture Festival (1997) Softserve (1999) Sex & Kultuur Queer Arts Festival (2004) und Papier lügt nie (2005).


OBEN UND UNTER
LAWRENCE LEMAOANAS BESTICKTE RUGBY-BÄLLE UND FANTASTISCHE FOTOMONTAGEN BIETEN MEHR ALS NUR EISENKOMMENTARE ZUM SPORT DES WEISSEN MANNES. VON SEAN O'TOOLE.
links rechts Lawrence Lemaoana, Der Eine, 2006, Digitaldruck auf Leinwand, 42 x 29.7 cm; Lawrence Lemaoana, Hierarchie der Farbe, 2006,
Digitaldruck auf Leinwand, 84 x 118.8 cm.

Nach meinem Interview mit Lawrence Lemaoana musste ich ein Wort nachschlagen, bei dem ich mir nicht sicher war. "Rugby ist wirklich ein kultivierter Sport", bemerkte er in einem vagen nördlichen Vorort-Akzent - es stellte sich heraus, dass er die High School in Highlands North besuchte. Das Web war möglicherweise der falsche Ort, um nach einer Antwort zu suchen, aber dann waren die Wörterbücher, die ich konsultiert hatte, nicht gerade hilfreich: Die meisten Einträge für die Enkulturation lauteten „siehe Sozialisation“. Ich gab schließlich auf, als ich auf einer fundamentalistischen christlichen Website landete, auf der Gott und Noam Chomsky zitiert wurden, um zu erklären, wie soziale Normen für kleine Kinder gelten. Wie sich herausstellte, war Lemaoana ganz klar: "Rugby ist wie eine Religion."
Es ist vielleicht ungewöhnlich, dass Lemaoana sich mit Rugby beschäftigt. Ungewöhnlich, weil wir hier einen artikulierten jungen schwarzen Mann haben, der daran interessiert ist, schlaue, ironische Aussagen zu machen - unter Verwendung von Fotomontage und manchmal dekorierten Stoffen -, um Ihren durchschnittlichen weißen bevorzugten Sport zu kommentieren. "In der Kunstwelt stehe ich unter dem Druck, bestimmte Arten von Arbeiten zu produzieren", kontert er offen. "Oft werde ich gebeten, Aquarelle, Hütten und was nicht zu machen." Er drückt ein schlaues Lachen aus. "Dann präsentiere ich das."
Abgesehen von Fragen der Zulässigkeit ist sein Interesse an Rugby nicht ganz ohne autobiografische Resonanzen. „Ich habe eine Weile Rugby in der Provinz gespielt, für Highlands North, Soweto, und dann an meinem höchsten Punkt für die Gauteng Lions U / 18 bei der Craven Week 2000“, erklärt er. "Ich habe Flanke gespielt."
Obwohl Rugby langsam sein elitäres (weißes) Image verliert, ist es immer noch mit zahlreichen Problemen behaftet, da es in die nicht-rassische Gegenwart gerät. Es war unvermeidlich, dass Lemaoana auf wettbewerbsfähigem Niveau in die Realpolitik des Sports hineingezogen wurde. Mit seiner Arbeit Hierarchie der Farbe (2006) erinnert er sich als Referenz an einen Brief mit den Namen der für die Lions ausgewählten Spieler. Einige der Namen waren mit einem Sternchen gekennzeichnet.
"Es hat geklappt, alle Schwarzen zu sein", stellt er klar. „Am Ende erklärte der Brief die erforderliche Quote an schwarzen Spielern. Ich habe mich gefragt. Wenn wir die Spieler der Farbe sind, was sind die anderen? Wie werden sie genannt? In welche Kategorie fallen sie? Zu der Zeit war es kein heikles Thema, ich wollte nur spielen, aber als ich anfing, meine Kunst zu machen, stellte ich diese Themen in Frage. “
Es ist nicht nur der Sport, der Lemaoanas Praxis beeinflusst. Seine üppig gefärbten Fotomontagen und Stoffarbeiten werfen auch einen Blick auf die übertriebene Männlichkeit Südafrikas und zeigen gleichzeitig Interesse an Dekoration und Verzierung. "Der größte Teil meiner Arbeit ist vielschichtig", sagt er über die Fotomontagen. "Sie haben vielleicht vier verschiedene Schichten, die reduziert wurden." Neben dem Fotografieren von Freunden und Landschaftsszenen in Mpumalanga holt er auch Bilder aus dem Internet, botanischen Magazinen und Shangaan-Stoffen. Das Ergebnis in seinen Fotomontagen ist „eine fiktive Landschaft, ein traumhafter Raum, ein konstruierter Raum“.
Wenn ich einen Punkt anspreche, dass seine Arbeit vage kitschig aussehen könnte, lächelt er einfach. Sie weist mich auf seine Arbeit hin Die Diskussion (2005), eine Camp-Umgestaltung von Da Vincis Wandbild The Last Supper. Es brachte ihm 2005 den Gerard Sekoto Award von Absa L'Atelier ein. „Wenn Sie in ein Haus in Soweto gehen, finden Sie das Bild von Da Vinci.“ Er verhandelte über den „Szenenwechsel zwischen Soweto und der Stadt“ - eine expansive Aussage, die viele Möglichkeiten bietet - und beschloss, dieses Bild erneut zu betrachten. Das Ergebnis erinnert an Yinka Shonibare, die durch die Linse eines katholischen Tretchikoff gefiltert wurde. Irgendwie funktioniert es
Angesichts seines gezielten Kommentars zum Rugby und seiner uneleganten Auseinandersetzung mit dem Thema Rasse frage ich ihn, wie es sich anfühlte, einen Kunstpreis zu gewinnen, der sehr bewusst darauf ausgelegt war, ein Quotenungleichgewicht in der südafrikanischen Kunst zu beseitigen. "Hast du dich nicht wie ein Spieler der Farbe gefühlt?" Ich frage, unter Verwendung des Titels seiner Alliance Française-Ausstellung als Bezugspunkt.
"Für mich war es nur eine andere Möglichkeit, spezielle Kategorien zu erstellen", sagt er. „Es hängt so sehr mit Rugby zusammen. Die Standardlinie [im Rugby] lautete: "Sie haben Leute, die dies seit vielen Jahren, Generationen und Generationen tun." Unser Argument war: 'Was ist mit Talent?' “Ich scherze, dass es vielleicht an der Zeit ist, dass schwarze Künstler unter dem Deckmantel, weiß zu sein, an Wettbewerben teilnehmen - eine Verfeinerung, wenn Sie so wollen, von weißen Künstlern, die das Gegenteil tun, Wayne Barker / Andrew Moletsi und , weniger charmant, Beezy Bailey / Joyce Ntobe
"Vielleicht", kichert er. "Sie müssen ständig Ihren Weg verhandeln."

Über Lawrence Lemaoana: Lemaoana wurde 1982 in Johannesburg geboren und lebte in Welkom, bevor er nach Johannesburg zurückkehrte, um seine Schulausbildung abzuschließen. Als Absolvent des Technikon of Witwatersrand, wo er 2003 ein nationales Diplom in Bildender Kunst erhielt, gewann er 2005 den Absa L'Atelier Gerard Sekoto Award. Lemaoana ist derzeit an der Universität von Johannesburg eingeschrieben, wo er derzeit weitere Studien für ein Studium abschließt. Im Juni wird er in der ABSA Gallery in Johannesburg eine Ausstellung mit neuen Arbeiten präsentieren. Eine von Alliance Française organisierte Wanderausstellung findet in Johannesburg (19. Juli - 9. August) und Pretoria (16. August - 6. September) statt.


WAS MACHT RUTH WIEDER?
NACH DEM GEWINN EINES GROSSEN WETTBEWERBS IM LETZTEN JAHR WURDEN RUTH-SÄCKE AUF DIE KANARISCHEN INSELN ABGESAGT, DANN NICHT LANG NACH PARIS. SIE SPRICHT MIT O'TOOLE ÜBER IHREN NÄCHSTEN GROSSEN STOPOVER: DIE VENEDIGE BIENNALE.

Ruth Sacks, Für Sie, 2007, gestanzte Wellpappe, Abmessungen variabel, Nahaufnahme der Installation bei SMAC, Stellenbosch.

Es war ein Wirbelwindjahr und ein bisschen für Ruth Sacks. Nachdem sie 2006 die Absa L'Atelier gewonnen hatte, flog sie Ende letzten Jahres auf die Kanarischen Inseln, um eine Arbeit an der Eröffnungsbiennale der Kanaren zu installieren. Nicht lange danach befand sie sich in Paris an der Cite Internationale des Arts in Paris, wo sie derzeit einen sechsmonatigen Aufenthalt hat. Um das Ganze abzurunden, Dokumentation von Keine Panik (2005), ihre charmant leichte, aber massiv bejahende Skywrite-Installation, ist auf der diesjährigen Biennale in Venedig zu sehen. Die Arbeit, die Teil der afrikanischen Sammlung zeitgenössischer Kunst Sindika Dokolo ist, wurde in der Gruppenausstellung von Fernando Alvim und Simon Njami kuratiert Kontrollliste, ausgestellt im afrikanischen Pavillon. In einem Land, das anfällig für das Mohn-Syndrom ist, haben Sacks Erfolge zu eifersüchtigem Backbiting geführt. Kunst Südafrika Einige dieser Widerhaken wurden neu kontextualisiert und als Fragen formuliert. Die Antwort von Sacks bietet eine klare Ausarbeitung ihrer Praxis.
Neuere Arbeiten wie Keine Panik (2005) und Künstliches Mondlicht (2006) sind sehr kurzlebig und unterscheiden sich von unwesentlichen. Letzteres erinnert mich an Martin Creeds Arbeit Nr.227: Die Lichter gehen an und aus (2000), die ich letztes Jahr auf der Berlin Biennale installiert gesehen habe, Of Mice and Men, kuratiert von Maurizio Cattelan. Ich erwähne dies aus einem Grund. Ihre Praxis scheint bestimmte Affinitäten mit ihren beiden konzeptionellen Strategien zu teilen. Zustimmen nicht zustimmen?
Ich stimme in Bezug auf bestimmte Werke zu, aber nicht in Bezug auf ihre Gesamtstrategien, wie ich sie verstehe. Aber ich mag ihren Sinn für Humor. Die zweideutige Botschaft von Creeds öffentlicher Intervention Alles wird gut (London, 2002) bringt mich immer zum Lächeln. Meiner Ansicht nach Keine Panik greift dies auf. Als ich mit dieser Arbeit anfing, habe ich mir Cattelans Arbeit aus den 1990er Jahren ziemlich genau angesehen (besonders Ein weiteres verdammtes Readymade ab 1996) aber nicht mehr so ​​sehr. Mit Künstliches MondlichtMeine Intervention war ortsspezifisch, im Gegensatz zu Creeds Turner-preisgekrönten Lichtern, die in verschiedenen Kontexten platziert werden können. Als ich sehr starke, rotierende Lichter an das Galeriegebäude von Los Lavaderos auf Teneriffa anbrachte, bezog ich mich auf dessen Geschichte. Es gibt eine lange Tradition, dass an diesem Ort jedes Jahr ein Festival für die Jungfrau von Fatima stattfindet, die sich drei Kindern durch eine übernatürliche Lichtshow offenbart haben soll. In Übereinstimmung mit dem zentralen Thema der Biennale nahm das Stück den größeren Kontext der politischen Situation der Kanaren auf, indem die Galerietüren verschlossen wurden, sobald die Lichter an waren. Die Lichtstrahlen bewegten sich wie Scheinwerfer, erweckten aber auch den Eindruck, als würde für eine Veranstaltung geworben. Als die Leute kamen, um zu sehen, was los war, war der Zugang zum Inneren des Gebäudes gesperrt.
In einem ähnlichen Sinne haben Sie zuvor (in der Korrespondenz) erwähnt, dass Ihr Fokus im Allgemeinen auf „Aspekten meines persönlichen Lebens liegt, insbesondere auf Unsicherheiten, die ich über verschiedene Medien zu kommunizieren versuche“. Doreen Southwood hat eine ähnliche Strategie verfolgt, die einige Ihrer Kritiker aufgegriffen haben. Bist du überhaupt eine Bewundererin ihrer Arbeit?
Mich würde interessieren, auf welche Kritiker Sie sich hier beziehen. Aber ich mag speziell Doreens frühe Werke Der Taucher (2003) und Schwimmende Trophäen (2002). Ich genieße die Tatsache, dass wir manchmal einen ähnlichen Drang teilen, neurotische Tendenzen auszudrücken, während unsere gegenseitige Ästhetik und Produktionsmechanismen sehr unterschiedlich sind. Mir scheint es mutig, dass sie in einem Stück wie so viel über ihr persönliches Leben zeigt Schwimmende Trophäen. In meiner eigenen Arbeit tendiere ich dazu, visuelle Köder zu verwenden, um direkte intime Details zu beschönigen.
Eine Kritik an Keine Panik ist, dass alles schon einmal gemacht wurde: James Turrel, Sam Francis und Marinus Boezem. Persönlich lege ich nicht viel Wert darauf, dass jemand, der etwas getan hat, es jetzt proprietär ist. Artmaking wäre weitaus weniger wohlhabend, wenn eine so enge Sicht der Kreativität zur Orthodoxie würde. Was waren Ihre Absichten, als Sie diese Arbeit machten? Und wie reagieren Sie auf die Haltung, die einige in Bezug auf Ihre Arbeit zum Ausdruck gebracht haben?
Yves Klein würde sich ärgern, dass er in dieser Liste nicht erwähnt wurde. Der Mann war überzeugt, dass er auf einer imaginären Reise den Hintergrund des Himmels unterschrieben hatte und sagte, er hasse Vögel, weil sie Löcher in das bohrten, was er für sein größtes Kunstwerk hielt. Ich denke, es wäre wirklich schwierig, überhaupt zu arbeiten, wenn Künstler nicht mit bereits verwendeten Medien experimentieren dürften. Ganze Traditionen der Ölmalerei, Holzschnitzerei usw. müssten verworfen werden. Welches wäre schade.
Ähnlich Keine Panik, Ihre Arbeit Für Sie (2007) verwendet Text, um eine Idee oder einen Gedanken zu kommunizieren. Im Gegensatz zu den früheren Arbeiten handelt es sich nachweislich um ein im Raum existierendes Objekt, eine Skulptur, wenn man so will. Können Sie über die Beziehung zwischen den beiden Werken sprechen, auch über Ihre Motivation, letztere zu machen?
Das Wort „ENTSCHULDIGUNG“ fehlt absichtlich auf dem Etikett, so dass der Betrachter etwas härter arbeiten und um zwei Meter hohe Stapel von Pappbuchstaben herumgehen muss, um herauszufinden, was sie aus der Form der Formen und dem Umwerfen buchstabieren "R" s. Die Idee war, dass eine Umgebung, in der das Wort „Entschuldigung“ immer wieder wiederholt wird, sich unangenehm und ungeschickt anfühlt. Die Entschuldigung erklärt also die miese Präsentation sowie die mangelnde Lesbarkeit.
Ich benutze gerne Textstücke, weil ich mich in vielerlei Hinsicht auf die Textunterstützung in irgendeiner Form stütze. Mein Prozess mit diesen Werken ist einer, den ich oft angewendet habe, wobei ich mich auf meine persönliche Sammlung von Phrasen beziehe. Diese stammen aus anderen Kunstwerken, Romanen, Anzeigen, Graffiti, Gesprächen und Popsongs. In den Beispielen von Für Sie und Keine PanikIch stieß auf ein Medium, von dem ich dachte, dass es zu einem bestimmten Kontext passt, und durchsuchte dann meine Liste, um geeignete Wörter zu finden, die zutreffend waren.
Ihre SMAC-Ausstellung enthielt in Ihren Worten eine Installation, die „so erfunden wurde, als ob dort 2.5 Jahre Arbeit geleistet worden wären“. Ich lächelte, als ich zwei Bücher von Walter Benjamin sah, die ich beide besitze, von denen ich eines teilweise gelesen habe, das andere einfach eine kräftige Buchstütze (vorerst). Hast du Benjamin gelesen? Und welches der Bücher, die Sie nicht gelesen, aber im Regal ausgestellt haben, würden Sie zuerst lesen? Warum?
Ich habe Benjamin gelesen und ihn in meiner MFA-Dissertation mit gutem Gewissen erwähnt. Ich behaupte nicht, das Ganze überstanden zu haben Arcades-Projektobwohl. Was wäre, wenn ich gerade in Paris wäre? Dies wäre die Nummer eins auf meiner Wunschliste. Ich habe auch versucht, die gebrauchten Bücher in den gefälschten Umschlägen zu durchsuchen, aus denen dieses Stück besteht. Ich hoffe, ich erinnere mich hier richtig, aber ich denke, die gefälschten Cover von Walter Benjamin verbargen das Jahrbuch eines illustrierten Jungen und auch einen wirklich trashigen Roman mit einer drallen Dame in Not auf dem Cover.
Das Stück über SMAC war nur das Bücherregal einer großen Installation, in der ich aus einem gefälschten Studio gemacht habe, das selbstbewusst die Illusion präsentierte, alle Arbeiten darzustellen, die ich in den letzten 2.5 Jahren gemacht hatte. Auch dort gab es viel Fantasieerfüllung. Zum Beispiel habe ich gefälschte Fotos von Menschen, die ich gerne meine Freunde gewesen wäre, auf die Pinnwand gesetzt (wie Richard Prince).
Zwei verwandte Fragen, die Sie hoffentlich spontan beantworten werden. Macht eine zickige Bemerkung über Artheat verletzt? Und was ist der Unterschied zwischen einer schlechten Bewertung und einer schlechten Werbung?
Bitchy Kommentare tun immer weh. Ob sie auf dem Schulspielplatz, auf einer Cocktailparty oder in einem Blog geliefert werden, das ist ihr Punkt. Ich glaube, sie sagen mehr über die Leute, die sie machen, als über das Gesprächsthema. Aus diesem Grund lese ich nicht Artheat viel und wenn ich das tue, vermeide ich die Kommentare. Ich habe diese Politik gehabt, seit sie böse wurde. Wenn jemand nicht bereit ist, seinen Namen in eine Erklärung aufzunehmen oder eine feste anonyme Identität beizubehalten, dann ist der ganze Spaß weg von einem schönen großen Kunstkampf darüber. Wenn andererseits eine Rezension von jemandem gut recherchiert und geschrieben wird, dessen Arbeit ich respektiere, nehme ich sie ernst. Schlecht oder gut.

Über Ruth Sacks: Geboren in Port Elizabeth (1977) Sacks hat einen Honours-Abschluss in Bildender Kunst an der Universität von Kapstadt (1999), wo sie derzeit für einen Master-Abschluss in Bildender Kunst an der Michaelis School of Fine Art liest. Sie hat zwei Einzelausstellungen in der João Ferriera Galerie präsentiert, Wenn das Innere drinnen bleibt (2005) und Arbeitet in Wachs und Kunststoff (2003). Sie hat an zahlreichen Gruppenausstellungen teilgenommen, darunter GIMBERG / NERF / SACKS / YOUNG (2007) bei SMAC, Liste 06: Die junge Kunstmesse in Basel (2006) in Basel und Checkliste (2007), Teil der Biennale von Venedig 2007. Sie wurde ausgewählt, um an einem dreimonatigen Aufenthalt beim iaab International Exchange and Studio Program in Basel teilzunehmen.