März 2010

Daniella Mooney; Alexandra Makhlouf


 
 

ALCHEMIE DES SEHENS

SEAN O'TOOLE HAT VIEL GESPROCHEN, UM IHRER ABSCHLUSSAUSSTELLUNG ZU FOLGEN.

links rechts Daniella Mooney, Dein Himmel, 2009, Mischtechnik, gebrauchtes Motoröl, 244 x 244 x 25 cm; Warnhinweis nach 'Unfall' im Studio installiert; Daniella Mooney, Wenn die Türen von
Die Wahrnehmung wurde gereinigt
, 2009, Mahagoni Sapele, Airbrush-Plexiglas, 35.5 x 35.5 cm.

Der Kontext: eine Abschlussausstellung an der Michaelis School of Fine Art. Die Zeit: am frühen Nachmittag, Dezember 2009. Der Veranstaltungsort: ein Künstleratelier im ersten Stock. Der Text an der Wand erklärt, dass die ausgestellten skulpturalen Objekte Daniella Mooney gehören. Insbesondere eine Arbeit dominiert den Raum. Berechtigt Dein Himmelist nicht leicht zu beschreiben. Hier geht. Ein quadratisches Objekt schwebt über zwei Holzleitern im Weltraum. Die Leitern sind eine Einladung, Ihren Kopf durch den Boden des schwimmenden Objekts zu stecken. Natürlich tust du das. Dann stößt man auf einen stillen, verschmutzten Motorölsee, 40 Liter davon.

Da diese Dinge die Gewohnheit haben, gelang es dem Öl, einen neugierigen Besucher von Mooneys Ausstellung mit dem Titel zu besudeln Ein Regenbogen in gebogener Luft (nach dem zweiten Album des minimalistischen Komponisten Terry Riley aus dem Jahr 1967).

"Ich glaube, sie hatte ein bisschen Probleme und bekam überall Öl", kichert Mooney, der früher aus Nelspruit stammte, jetzt aber in Kapstadt lebt, als wir uns treffen. Mooney trägt eine weiße Bluse und schwarze Jeans, zögert zögernd, aber selbstbewusst. Ihre kleinen Hände helfen ihr lebhaft bei ihren vielen Erklärungen. Sie erzählt, wie der verärgerte Betrachter sie schließlich telefonisch aufgespürt hat. „Ich habe mich ausgiebig entschuldigt. Mir wurde klar, dass ich ein Schild hätte aufstellen sollen. “

Text. It is both an ally and enemy of the visual. For her graduate exhibition, which earned Mooney the top mark in her year (but not the Michaelis Prize), she prepared a short artist’s statement. It provides a useful insight into the thinking underpinning the sparse array of sculptural objects on her exhibition, amongst them a curved sphere made of mahogany wood and carved table lamp with it’s solidified beam of light.

“This body of work has unfolded as an exploration and understanding of light,” offers Mooney’s statement. “Light, being multi-faceted in nature, permeates every aspect of reality, and as easy as it is to know what light is, it is harder to tell what light is. Many of the works try capture some of the intrinsic qualities that light possess; be it the transcendent effect of looking up toward the blue sky, the ephemeral essence of a rainbow, or the intangible rays extending from the sun.”

Unter der Aufsicht von Jane Alexander und Gavin Younge frage ich Mooney, woher der erste Impuls für ihre Arbeit kam. Ihre Ausstellung im dritten Jahr, sagt sie, bezieht sich auf ein Laubdach, das sie in einem kleinen Raum installiert hat: „Ich habe versucht, Licht, das durch die Blätter fällt, dieses Dämmerungsgefühl nachzubilden.“ Die Idee war, die Lichtempfindungen in einer unbekannten Umgebung hervorzurufen, um „den Zuschauer dazu zu bringen, sie anders zu sehen“.

Sie erwähnt den dänischen Künstler Olafur Eliasson sowie James Turrell. Offensichtliche Referenzen, wenn Sie einmal darüber nachdenken, sind nicht offensichtlich, wenn Sie überlegen, wie ihre Ideen vor Ort umgesetzt werden. Da wir Einflüsse aufzeichnen, frage ich nach ihrem Expartner, dem jungen Bildhauer Rowan Smith aus Kapstadt: „Ich bewundere seine Fähigkeiten. Es war großartig, weil wir beide gerne mit Holz arbeiten. Er hat mir wirklich die Augen für das Schnitzen und Zusammenbauen von Holz geöffnet. “

Viele der Werke versuchen, einige davon zu erfassen
DIE EIGENEN QUALITÄTEN, DIE LICHT BESITZEN.

Zuvor war ich Assistentin von Paul Edmunds und arbeitete hart daran, Julia Rose Clark bei unserem Treffen zu helfen. Ich frage nach dem Titel ihrer Abschlussshow. War es wichtig

"Ziemlich. Es hat es ganz gut zusammengebunden. In der Arbeit geht es um Wahrnehmung. Ein Regenbogen in gekrümmter Luft würde bedeuten, dass der Regenbogen gerade ist und die Luft den Regenbogen krümmt. Es geht darum, wie Sie das wahrnehmen, was es für Sie Wirklichkeit werden lässt. Ich vergesse, wer es war, aber jemand beschrieb das Terry Riley-Album als zwei räumlich getrennte Spiegel “- sie kichert kurz -„ was auch gut zu meiner Arbeit passt. “

Interessant, Dein Himmel, das Herzstück von Mooneys Show, wurde ursprünglich als Outdoor-Arbeit konzipiert.

„Ich wollte, dass das Öl den wirklichen Himmel widerspiegelt. Die Arbeit mit den Elementen, insbesondere in Kapstadt, bereitet Kopfschmerzen. Ich musste es verkleinern, was interessant wurde. Die Arbeit mit Fesseln bringt Sie dazu, interessantere und innovativere Lösungen für dieses Phänomen zu finden, das so immateriell ist. “

Given her interest in ephemeral things, I ask Mooney if she keeps a diary or sketchbook to record the evolution of her ideas. She looks at me cross-eyed. I’m obviously being cute, it implies – or simply old-fashioned. Her sketchbook is a computer screen, she says, the archive of her work contained in her diligently catalogued bookmarks. How does she categorise her bookmarks? Scientifically: Copernican Revolution, Buckminster Fuller, Alchemy and so on. Buckminster Fuller!?

"Er hatte diese Theorie, die Licht mit Denken gleichsetzte", bietet Mooney an. „Wenn Sie Lichtsignale und Strahlen senden und aussenden können, sollten Sie in der Lage sein, dasselbe mit Gedanken zu tun. Er glaubte, unsere Augen seien Empfänger und Sender zum Nachdenken. Es ist einfach wunderbar, deine Gedanken in die Atmosphäre zu strahlen. “

Sean O'Toole ist Herausgeber von Art South Africa.


 
 

Akkumulation von Erinnerungen

ALEXANDRA MAKHLOUF, DIE ZWEIMAL DEN MARTIENSSEN-PREIS GEWONNEN HAT, SPRICHT MIT CATHERINE GREEN ÜBER BÜCHER, ZEICHNUNGEN UND KUNST MIT PSYCHOLOGISCHEN THEMEN.

links rechts Alexandra Makhlouf, Gleaner, 2008, performance and drawing installation, dimensions variable. Photo: Natasha Christopher; Alexandra Makhlouf,
Ohne Titel2009, skulpturale Installation, Maße variabel. Foto: Jackie Carney.

Alexandra Makhlouf ist eine engagierte Bibliophile. Als ich sie zum ersten Mal traf, erinnerte sie mich an eine Figur von Dickens, kompliziert geätzt und eigenwillig. Sie saß mit einem Stapel Bücher und einem Cappuccino da und kritzelte wütend in ihr Notizbuch. Angesichts der Buchmarkierungen fragte ich sie nach ihrer Wertschätzung für das geschriebene Wort. Makhlouf, dessen Arbeit in die Gruppenausstellung aufgenommen wurde Die Zeichen, die wir machen (Goodman Gallery Cape Town) antwortete: "Ich kann weder Literatur noch Roman von meiner Arbeit trennen." Makhlouf flüchtet sich in Bücher und Fernsehen, deren fiktive Welten Inspiration und Lebensstile bieten, um stellvertretend zu leben. "Lesen ist meine Freundin", erläutert sie. Sie nennt als fiktive Musen die Autoren Aldous Huxley („für die Schaffung einer vollständig fiktiven Welt“), Umberto Eco („für seinen Sinn für Details“) und Italo Calvino.

Makhlouf has twice won the Martienssen Prize, awarded by Wits School of Arts, in 2008 and 2009. The first time she won the prize she showed a proliferation of drawings made while talking to people and watching television. The aim was to create an inclusive creative communication through the process of drawing and writing. Makhlouf identifies drawing as her preferred artistic practice: “it makes me feel more comfortable when I draw… It’s like a blanket or a transitional object.”

One of the installation works shown was the culmination of a yearlong project exploring concepts of narration, exclusion and the novel. Over many months, Makhlouf began to draw and paint on the walls of her studio, sticking up plastic netting, utensils, cups and hollow fibre, developing characters and moulding a fictional space. In many ways the monochromatic work embodies a three-dimensional absurdist novel in the style of Samuel Beckett. The excessive use of transparent plastic objects encouraged spatial trickery. Some areas were inaccessible, leaving the viewer feeling disorientated. There was no clear narrative to the space as people could navigate it according to their own desires. Makhlouf explains, “I’m interested in the power the narrator has. It can be objective, it can be third or first person, you can lie completely and lead your audience on… I like that sense of power.”

KUNST WAR ETWAS, DAS ICH HATTE
GEGEN UND FÜR.

Makhlouf again won the award with a performance that involved another form of interaction, albeit hollow fibre suits attached at the hands and head. An exploration of how social activity has been increasingly mediated by other media, the suits forced a level of physical interaction. The alienation of the audience from the individuals in the suits, as well as the overwhelming experience of being in the suit, which become too hot and suffocating if worn for too long, created a multi-levelled narrative on the nature of relationships. The suits became “a shell for the experience”, akin to a journal entry or a photograph.

Makhlouf’s tactile and sculptural sensitivity is a response to a severe eye condition that has affected her since childhood. This condition has progressively worsened over the years, resulting in partial blindness: “Art was something I had to fight against and for.” Perhaps spurred on by the need to grapple with difficult emotional situations, Makhlouf has an interest in psychology and artists who explore psychological themes (Andrzej Nowicki, Jonah Sack and Nedko Solakov). The most sophisticated articulation of her psychological state occurred in her final year project at Wits. An entire room was painted white, a reference to Milan Kundera’s book, Der Vorhang: Ein Essay in sieben Teilen. In Kundera’s book the novel is described as a utopia, “a place where there is no forgetting”. Makhlouf used arbitrary objects that related to her personal history – a collection of eye drops (a daily companion for her since she can’t produce tears) and white plastic forks (received from her mother everyday) – that she stuck onto the walls. The exhibition space gave them value and created a repository for the accumulation of memories. Makhlouf ’s grandmother, who has Alzheimer’s, was an inspiration for this work, her mental state causing her to weave string through a plastic tree in a repetitive fashion. For Makhlouf, the tree image refers to concepts of memory, knowledge and heritage. In her dark ink works, suspended at different levels in the central space, blurred ink figures and tree forms emerged out of the paper, the forms reminiscent of Rorschach inkblot test, apparent but indistinct. Her technique and sensitivity of line unsettles the utopia in a sea of inky representations.

Catherine Green ist Schriftstellerin und Forscherin und lebt in Johannesburg.


Erstmals veröffentlicht in Art South Africa Volume 8: Issue 03