März 2005

Art South Africa Volume 3: Ausgabe 03
Nandi Mntambo; Dineo Seshee Bopape; Stefanus Rademeyer; Langa Magwa; Jacki McInnes


HIRSUTE DIVAS

Nandi Mntambo, Leerlauf, 2004, Rindsleder, Glasfaser, Harz und Stahl, 900 x 470 x 590 mm.

Aufstrebende Bildhauer, die sich dem aktuellen Trend zu Installation und modernsten neuen Medien widersetzen, müssen im Avantgarde-Camp noch einen Fuß fest genug halten, um auf dem Radar der zeitgenössischen Kunstwelt zu bleiben. Nandi Mntambo, der im vergangenen Jahr die Michaelis School of Fine Art der UCT abgeschlossen hat, hat diesen Spagat mit Gelassenheit geschafft. Graduiertenshows werden traditionell von Talentsuchern gekämmt und Mntambo wurde letztes Jahr ausgewählt. Ihre Arbeit vermittelte starke visuelle Wirkung, technische Fähigkeiten und konzeptionelle Tiefe zusammen mit ihrem auffälligen Medium.
Mntambo formte Teilabgüsse weiblicher Figuren in Rindsleder, die von einem Traum inspiriert und für ihre vielfältigen kulturellen Assoziationen ausgewählt wurden. Der absurde, aber erfolgreiche Vorschlag schwüler weiblicher Figuren mit langen Haaren war sowohl attraktiv als auch abstoßend. In der Mitte hockte eine Frau auf allen vieren. Eine Reihe von fünf Figuren hing wie Kleidung in einem Schrank und ein Oberkörper an der Wand. Drei Paar gekreuzte Beine saßen auf Hochstühlen als Kommentar zur weiblichen Interaktion.
Mntambo sagt: „Es geht darum, wie Frauen sich zueinander verhalten sollen. Viele Menschen bevorzugen es, still zu bleiben oder aus der Ferne zuzusehen, weil es sicherer ist. Es stellt auch Stereotypen in Frage, wie Frauen aussehen sollten - die haarige Frau oder Freundin. Es ist sowohl verstörend als auch sexy. “
Ihre Arbeit spricht Bände ihres Charakters. Es ist engagiert, lustig, herausfordernd, subversiv und unkonventionell. „Ich bin nicht wertvoll für meine Arbeit. Es ist einfach anzuhalten und von vorne zu beginnen “, sagt sie.
Mntambo interessiert sich auch dafür, wie Perspektiven durch die wahrgenommene Geschichte beeinflusst werden. Sie wird dieses Jahr einen MA in Bildender Kunst machen und gleichzeitig die Rolle der schwarzen Frauen in der südafrikanischen Kunstgeschichte erforschen. Bei dieser Geschwindigkeit wird sie höchstwahrscheinlich Teil desselben Kanons.

Kim Gurney ist freiberufliche Journalistin und Herausgeberin von ArtThrob in Westkap.


Durch das Gummiband sichten

Dineo Bopape, Jeden Tag wachsen, 2004, Installation gemischter Medien, Abmessungen variabel.

Dineo Bopape hat kürzlich ihr B.Tech-Studium an der Kunstabteilung des Durban Institute of Technology (DIT) abgeschlossen und ist eine der vielversprechenderen Künstlerinnen, die in den letzten Jahren aus dieser Institution hervorgegangen sind. Bopape hat einen Schwerpunkt in Bildhauerei und ist ein vielseitiger und artikulierter junger Künstler, der gleichermaßen zu Hause in Installation und Video arbeitet. Sie wird 2005 auf zwei bemerkenswerten Ausstellungen zu sehen sein: dem NSA Young Artist's Project und einer von Kathryn Smith für das Klein Karoo Arts Festival 2005 kuratierten Ausstellung.
 Ein Großteil von Bopapes bisheriger Praxis befasst sich mit ihrem obsessiven Sammeln und Verpacken von meist unbedeutenden Sachen. Ihr neurotisches Sammeln, Verwahren und veraltetes Archivieren wird zu einer Untersuchung des Ungesagten und Unterdrückten, einer Metapher für gelebte Geschichte und Erfahrung. Das physische Ergebnis ihres Hortens und ihrer unstrukturierten inneren Unordnung sind lockere, nasse und schlaffe Strukturen, die kaum halten.
 
Für ihre Show im letzten Jahr präsentierte Bopape eine Installation in einem leeren Einzelhandelsbereich in einem Einkaufszentrum im Geschäftsviertel von Durban.

Dineo Bopape, absondern), 2004, Installation gemischter Medien, Abmessungen variabel.


Der Raum wurde von einer halb zusammengebrochenen zeltartigen Struktur dominiert, die mit Massen von versiegelten Plastiktüten, Papieren, Notizen, Luftballons und „Geheimnissen“ gefüllt war. Von der Öffentlichkeit gesammelt, wurden die Werke in Taschen genäht, festgesteckt, verstaut und verstreut.

Eine der ausgestellten zweidimensionalen Arbeiten stellte Hardcore-Pornografiebilder von schwarzen Frauen und Genitalien unverblümt glänzenden Fast-Food-Bildern gegenüber. Eine mutige und schockierende Arbeit, die sich angesichts des breiteren Kontextes, in dem die Darstellung der Körper einer schwarzen Frau ein so umstrittenes Terrain ist, als ungewöhnlich offen erwies.
"Meine Arbeit entwickelte sich aus einem paranoiden Ausdruck, Grenzen zwischen privaten und öffentlichen Dingen zu ziehen, und einer obsessiven Aufbewahrung solcher", sagt Bopape. „Dieser Prozess führt jedoch immer zum Ersticken. Geschichte ist Gepäck, das wir tragen, und oft ist es auch eine Last, der wir nicht entkommen können. Ich bin daran interessiert, das Groteske, Falsche und Ekelhafte im Alltäglichen zu enthüllen, um auch die Geheimnisse (das Unausgesprochene / Nicht erwähnte) in intimen und scheinbar öffentlichen / privaten Räumen zu enthüllen.

Sturm Janse van Rensburg.


ANTI-MASSENPRODUKTIONSOBJEKTE

Stefanus Rademeyer, Fissure, 2004, laminiertes Sperrholz, 100 x 185 x 37,5 cm.

Stefanus Rademeyers einzigartige Skulpturenmarke wurde unangekündigt gemeinfrei. Aufgeschobene Rekonstruktionen (1999) und Mimetische Rekonstruktionen (2000) existieren dennoch als wegweisende Beispiele für eine Kunst, die so subtil vielseitig ist. Rademeyers Kunst stützt sich auf so unterschiedliche Einflüsse wie elektronische Musik auf dem linken Feld, minimalistische Architektur, poststrukturalistische Philosophie und systemische Metaphern und ist ein ungewöhnliches Aggregat, das aus vielen Teilen besteht. Trotzdem ist es am besten, den Bezug zu seinen Einflüssen auf ein Minimum zu beschränken. Schließlich ist Rademeyers vor allem eine Konzeptkunst, bei der Objekte sorgfältig renoviert, umgebaut oder - wie die Titel seiner frühen Arbeiten andeuten - rekonstruiert werden. Rademeyers verführerische Oberflächen sollen selten nur eine Kopie oder eine Illusion darstellen. Wenn er ein Objekt neu erstellt, geschieht dies durch einen Arbeitsprozess, der mit einer Reihe von absichtlichen Hindernissen übersät ist. Und wenn er klar sagt: „Ich erstelle Strukturen, setze sie verschiedenen Belastungen aus und kartiere dann die auftretenden Mutationen sorgfältig ab.“ Dies erklärt, dass seine Nachstellungen durch eine berechnete Störung gekennzeichnet sind, die die zusammengesetzten Zellen im System verunsichert .
Die Ergebnisse sind überraschend. Materialien werden ihren stillschweigenden Eigenschaften fremd. Feste Massen werden in halbflüssige Zustände gebracht. Eine virtuelle Kathedrale wird zu einer drachenähnlichen Erscheinung in einer 3D-animierten Sequenz mit Blick auf eine geschweißte Stahlversion von sich selbst (in Aufgeschobene Rekonstruktionen). In einer parallelen Reihe brechen mit Spiegeln ausgestattete Leuchtkästen die Kohärenz grafischer Symbolsätze, indem sie diese unendlich multiplizieren. Bei einem dieser Stücke trifft der Betrachter auf ein endloses Gesichtsfeld, das sich gewunden in unvorhersehbare Muster verwandelt. Ein weiteres Animationsstück aus dem Jahr 2001, Tabula Rasasetzt diese agglutinierenden Muster in Bewegung.
In Rademeyers bislang ehrgeizigster Arbeit wurden die massiven Holzbodenstücke als Teil von Oberflächentiefe (Warren Siebrits Modern and Contemporary Art, 2004) pulsieren die kompliziert segmentierten Gesichter seiner Holzskulpturen mit einer optischen Komplexität, die mit ihren Materialeigenschaften konkurriert und ihnen trotzt.
STEFANUS RADEMEYER IM GESPRÄCH MIT FRIKKIE EKSTEEN
FE Es ist schwer zu entscheiden, ob es sich bei Ihren Leuchtkastenstücken um Skulpturen oder Lichtzeichnungen handelt. Sie verdrängen den Raum nicht wie herkömmliche Skulpturen und scheinen stattdessen eine neue Art von illusionistischem Raum zu schaffen, in dem es keinen gibt. Ebenso haben Sie sich zeitweise auf die monumentalen Bodenstücke bezogen Oberflächentiefe als Bildschirme. Sind zweidimensionale illusionistische Prinzipien oder Anliegen ein wichtiger Aspekt der Arbeit?
SR In meiner Arbeit gibt es bestimmte Bedenken hinsichtlich der Dimensionalität. Es unterscheidet sich jedoch stark vom „Illusionismus“, wie er in der traditionellen Malerei zu sehen ist, wo die Leinwand zum Fenster zur Welt wird. Ich interessiere mich mehr für mathematische Begriffe der Dimensionalität. Zum Beispiel, wie die Eigenschaften eines dreidimensionalen Objekts in Form einer zweidimensionalen Oberfläche beschrieben werden können oder wie ein hypothetisches vierdimensionales Objekt in drei Dimensionen abgebildet werden kann.
FE Sie haben sich in einem unserer Gespräche scherzhaft als „Strukturalist“ bezeichnet. Ich weiß, dass es in Ihrem Arbeitsprozess sehr darum geht, Strukturen zu untersuchen - sei es philosophisch, architektonisch oder ästhetisch -, aber Sie haben auch die Avantgarde Electronica als herausragenden Einfluss erwähnt. Beeinflusst das Denken über musikalische Strukturen die Arbeit auf irgendeine offensichtliche Weise?
SR Ich interessiere mich für den Begriff „Neuheit“ - Entdeckung und Schöpfung im Gegensatz zur Repräsentation. Ich denke auch, dass Avantgarde-Musik Ausdrucksmöglichkeiten erforscht, die wirklich wegweisend sind. Die Flexibilität des Klangmediums ermöglicht es, äußerst komplexe oder sogar fiktive Strukturen zu konstruieren und zu dekonstruieren. Mein Interesse an der Beziehung zwischen visueller Kunst und Ton besteht jedoch nicht nur darin, Ton in Bild zu übersetzen. Es geht mehr darum, die operativen Motive der Musiker sowie das physikalische Potenzial des Mediums zu betrachten und dies auf meine theoretische und ästhetische Arbeitsweise anzuwenden.
FE Zu sehen, dass die Bodenstücke für erstellt Oberflächentiefe Glauben Sie, dass der Betrachter die Zeit, die in die Erstellung eines Kunstwerks investiert wurde, irgendwie ableitet?
SR Die in die Arbeit investierte Zeit spricht für ein persönliches Interesse am Erhabenen. Für mich kann ein Ausdruck, der nicht quantifiziert oder angenähert werden kann - der sich irgendwie dem Verständnis entzieht - als erhaben bezeichnet werden. Es ist eine Anrufung der Grenzenlosigkeit. Einer der Mechanismen, mit denen ich in meiner Arbeit das Erhabene suggeriere, ist die immense Komplexität. Und die meiste Zeit kann visuelle Komplexität nur in sorgfältigen Konstruktionen erzeugt werden, die Tausende von Komponenten enthalten.
FE Die Oberflächen der von Ihnen erstellten Objekte erscheinen häufig unberührt. Neulinge in Ihrer Arbeit könnten sich sogar täuschen lassen, dass sie industriell hergestellt wurden. Verschleiert Ihre körperliche Beteiligung daran, die Arbeit zu einer bewussten Entscheidung zu machen?
SR Die Skulpturen haben einzigartige optische und strukturelle Eigenschaften, die grundsätzlich von einer sehr präzisen Ausführung und Konstruktion abhängen. Für mich zelebriert die Arbeit eine sehr engagierte Art der körperlichen Beteiligung, bei der jede Komponente einzeln geschnitten und sorgfältig in die größeren Strukturen integriert wird. Ironischerweise wäre es unmöglich, die Holzarbeiten zu simulieren Oberflächentiefe mit einem automatisierten mechanischen oder Roboterprozess. Es muss von Hand gemacht werden. Ich sehe sie als Objekte gegen Massenproduktion. Frikkie Eksteen ist Künstlerin, freie Schriftstellerin und Dozentin für Bildende Kunst und Multimedia bei UNISA

Frikkie Eksteen ist Künstlerin, freie Schriftstellerin und Dozentin für Bildende Kunst und Multimedia bei UNISA.


NARBENGEWEBE
Langa Magwa, Amabhabhathane, 2000, Details der Installation, Abmessungen variabel.
Seiten 50-55-3
Seiten 50-55-2
Langa Magwa ist Bildhauerin im traditionellen Sinne des Wortes: Er produziert dreidimensionale Objekte aus Metall, Holz und Haut. Sein Interesse an menschlicher und tierischer Haut entwickelte sich aus einer Sensibilität als Kind, das mit der Xhosa-Familie seiner Mutter am Ostkap aufwuchs. Das Tragen der Skarifizierung des Zulu / Swazi-Clans seines Vaters kennzeichnete ihn als „fremd“ unter seinen Kollegen, die es sich zur Aufgabe machten, die Spuren auf seinem Gesicht endlos zu ärgern und zu verspotten.
Das Aufwachsen mit wenig Wissen über diese Kennzeichnung führte zu einem anhaltenden Interesse, einer Faszination und der Erforschung traditioneller Rituale und Praktiken, insbesondere in Bezug auf die Verwendung von Tierhäuten und -stoffen für medizinische und rituelle Zwecke. Das Fehlen glaubwürdiger Forschungsinformationen in Bibliotheken während seiner Studienzeit am Durban Institute of Technology hat dazu geführt, dass durch dokumentierte Interviews Informationen direkt von Ältesten auf dem Land gesammelt wurden. Diese Informationen wurden später in seine verschiedenen Kunstprojekte eingespeist.
Eine aktuelle Arbeit, Imibuzo Yethubietet ein Beispiel. Diese Arbeit, die die hochmetaphorischen und idiomreichen Zulu dokumentiert, die sowohl in ländlichen Dörfern als auch in der Gemeinde gesprochen werden, dient als Nachdenken über den Verlust traditioneller Informationen und die Auswirkungen der einmal übersetzten Sprache.
"Imibuzo Yethu ist ein Aufruf an alle Afrikaner, insbesondere an die Jugend, unsere Erkenntnistheorie wiederzubeleben “, sagt Magwa über sein Projekt. „Obwohl ich von einer westlichen Ausbildung profitiert habe, habe ich auch das Gefühl, dass diese Art der Ausbildung sich nicht in Afrika niedergelassen hat. In Südafrika haben die Worte von Historikern und Anthropologen die Psyche indigener Kulturen sehr geschädigt. Wörter in Büchern haben sich gebildet, nicht nur die Grundlage dafür, wie Europäer Afrikaner betrachten, sondern auch, wie wir als Afrikaner uns selbst wahrnehmen. Unser Minderwertigkeitskomplex ist gut dokumentiert. “
Die Interpretation und Lektüre von Magwas Werken ist nicht an eine reduktionistische Identitätspolitik gebunden; Dies ist eine nachhaltige und raffinierte Antwort auf den Wert von Sprache und traditioneller Praxis in einer aufstrebenden globalen Monokultur.
Magwa ist bereits ein bekannter junger Künstler. Zu seinen jüngsten Errungenschaften gehören: Teilnahme an der Wanderausstellung Gruppenporträt: SA Familiengeschichten;; Nominierung für den DaimlerChrysler Sculpture Award 2002; Künstlerresidenz beim National Arts Festival 2003 in Grahamstown. Er hat zahlreiche öffentliche und private Aufträge abgeschlossen und führt derzeit eine große Arbeit für das Afrika-Zentrum in Mtubatuba im Norden von KwaZulu Natal durch.
Zitat referenziert von www.bkaa.co.za/artist_profile.

Storm Janse van Rensburg ist Kuratorin in Durban.


DAS VOKABULAR DER AMBIGUITÄT

Jacki McInnes, Swell II, 2004, Detail, gewebte Bleistreifen.

Vor über 10 Jahren arbeitete Jacki McInnes als Strahlentherapeut im Groote Schuur Krankenhaus, wo Blei ein nützlicher Schutz vor potenziell schädlicher Strahlung war. Heute biegt sie Streifen des weichen grauen Metalls über ein Stück Abflussrohr, um in ihrem Woodstock-Studio eine Skulptur zu weben.
McInnes nahm einen kurvenreicheren Weg zu ihrer Berufung. Während ihrer Arbeit im medizinischen Bereich studierte sie Kunst bei Unisa und begann in ihrem zweiten Jahr mit Salz und Blei zu experimentieren, die zu ihrem Markenzeichen geworden sind. McInnes genießt ihre kraftvollen visuellen und mehrdeutigen metaphorischen Assoziationen. „Salz hat Verunreinigungen, die Pigmente bilden… und es hat sowohl heilende als auch ätzende Eigenschaften“, sagt sie. Diese Synergie zwischen Medizin und Kunst entwickelte sich auch thematisch. In ihrer Arbeit kommt es immer wieder zu Krankheiten, und Themen wie Abtreibung haben viel kreative Leistung gebracht. Ihre visuell überzeugende Kunst ist nicht dazu gemacht, die Lounge zu verschönern.
McInnes hat große Freude daran, arbeitsintensive Stücke herzustellen und die Produktion selten auszulagern. Sie wird gleichzeitig an verschiedenen Projekten arbeiten, Ideen entwickeln und sich von ihr inspirieren lassen. Etwas überraschend war die Skulptur in den frühen Unisa-Jahren eher eine Hürde als eine offensichtliche erste Wahl. Aber im Laufe der Zeit entwickelte sich eindeutig eine Affinität. Sie sagt: „Ich erstelle ein Bild mit einem Objekt und nicht mit einer Linie.
McInnes erwarb 2003 einen MA von Michaelis, ein Jahr später folgte eine gefeierte Einzelausstellung (Bell-Roberts Gallery, 2004). Ihre Arbeit passt sicherlich gut zu einer internationalen Ästhetik, aber sie glaubt, dass die zeitgenössische Kunst Südafrikas überzeugende Perspektiven hat
McInnes, der kürzlich von einem Aufenthalt in der Schweiz zurückgekehrt ist, bewundert die kreative Auseinandersetzung, die sichtbare Spuren menschlicher Intervention hinterlässt. Sie sagt: „Viele amerikanische und westeuropäische Kunstwerke scheinen mit sehr modernen technischen Prozessen ziemlich klinisch zu sein. Meine Wahrnehmung der südafrikanischen Arbeit ist, dass sie aus vielen verschiedenen Quellen stammt und auf einzigartige südafrikanische Weise zusammengestellt wurde. “

Kim Gurney.