Fotofestival Knokke-Heist 2014

Von März bis Juni 2014 konzentriert sich Knokke-Heist, Belgien, erneut auf zeitgenössische Fotografie. Das Internationale Fotofestival Knokke-Heist 2014 sorgt dafür, dass für jeden Besucher etwas dabei ist. Sechs Ausstellungen bieten verschiedene Perspektiven.
Der Höhepunkt des Festivals ist die Außenausstellung mit dem Titel „Haute Africa“, In dem international führende Künstler und Fotografen wie Martin Parr, Wangechi Mutu, Zanele Muholi, Viviane Sassen, Yinka Shonibare und viele andere eine alternative Perspektive auf den zeitgenössischen afrikanischen Kontinent bieten.

Outdoor exhibition – The Photo Festival’s main exhibition, “Haute Africa“, Hebt die Arbeit mehrerer führender internationaler Fotografen an verschiedenen Orten im öffentlichen Raum von Knokke-Heist hervor.
"Haute Africa”Konzentriert sich auf die Arbeit von Fotografen, die sich nicht für afrikanische Mode an sich interessieren, sondern stattdessen eine anthropologische Studie zur zeitgenössischen afrikanischen Bekleidungskultur durchführen. Mit ihrem feinen Gespür für die verschiedenen Entwicklungen in der Gesellschaft reflektieren sie die verschiedenen sozialen, politischen und wirtschaftlichen Probleme, die die Mode zum Ausdruck bringt.

Mehrere afrikanische Länder, darunter die Elfenbeinküste, Kenia, Nigeria, Tansania und Sambia, haben eine florierende Wirtschaft. Südafrikas Wirtschaft ist die größte in Afrika und damit ein wichtiger Global Player. Diese Länder verdanken ihren Fortschritt in erster Linie der Ausbeutung der Mineralien in Afrikas reichem Boden, aber auch kreative und nachhaltige Volkswirtschaften verzeichnen ein Wachstum.

Die Modebranche ist ein gutes Beispiel für eine solche Kreativbranche. Viele afrikanische Designer, Unternehmer und Fotografen inspirieren die Welt mit neuen Designs, die afrikanische Identität vermitteln und erneuern. Ihre Kreationen finden während der internationalen Modewochen und dank mehrerer Initiativen zur Förderung der Mode ihren Weg in den Westen, über das Internet. Auch Künstler und Fotografen bemerkten diese Entwicklung bald. Sie verwenden Kleidungskulturen, um die Überzeugungen, Gedanken und Gefühle der Träger oder die Geschichte eines bestimmten Ortes besser zu verstehen. Sie untersuchen Themen wie Verwestlichung, Postkolonialismus, Gleichstellung von Rasse und Geschlecht, religiöse Überzeugungen oder politische Macht.
Die teilnehmenden Künstler / Fotografen sind:
 
Baudouin Mouanda
 
Baudoin
Baudouin Mouanda, Untitled, from the series, Sapeur de Bacongo, 2008. Courtesy of the Artist.
°1981, Democratic Republic of Congo
Lives and works in the Democratic Republic of Congo
Baudouin Mouanda investigates how global forms of culture and cutting-edge lifestyles influences subcultures within contemporary Congo.  His main body of work, Sapeurs de Bacongo, reveals the culture of La SAPE in Congo Brazzaville.
Diese Serie zeigt die Mitglieder der SAPE-Community, die sich hauptsächlich aus jungen Männern zusammensetzt und ihre extravaganten und farbenfrohen Anzüge zeigt. Die Sapeurs sind in den letzten 25 Jahren in afrikanischen und Diasporagemeinschaften aufgetaucht. Wird oft als postkoloniale Version der europäischen Dandies des späten 18. und 19. Jahrhunderts gelesen. Alles in allem zeigt Mouanda, dass es viel mehr ist, ein Sapeur zu sein, als viel Geld für westliche Designerkleidung auszugeben. Ein Sapeur zu sein hat damit zu tun, wie du sprichst, wie du dich bewegst,… es ist auch eine politische Aussage. Es geht darum, die Ansichten darüber zu ändern, wie Menschen Afrika sehen.
In den schwindenden Tagen des Bürgerkriegs verkörpert „La SAPE die Art der Selbstdarstellung einer zerbrochenen Generation, die ihre Codes auferlegt und Mode in ein beliebtes Spektakel verwandelt, das versucht, die Welt zu verändern, auch wenn es nur für einen Augenblick ist.“
Daniele Tamagni
 
Daniele Tamagni, Afrometals # 1, aus der Serie Afrometals, 2012. Lambda C-Print, 80 x 57 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
 
° 1975, Italien Lebt und arbeitet in Italien
Daniele Tamagnis Serie spielt in Brazzaville im Kongo und untersucht den sozialen und urbanen Kontext der "Sapeurs" - den Fotografen als "revolutionäre Bewegung", weil das Anziehen ein Weg ist, der Armut zu entkommen und sie zu vergessen. Sapeurs sind in den meisten Fällen bescheidene Menschen, kommen aus der unteren Klasse und haben den Traum, aus Afrika zu fliehen und ein besseres Leben zu führen. “ Diese werden von den Sapeurs of Afrometal gegenübergestellt. In ihren schwarzen Lederhosen und Nietengürteln, Stiefeln und Cowboyhüten konnten sie nicht weiter von den bunten Anzügen ihrer Kollegen in Brazzaville entfernt werden, doch trotz all ihrer Schwermetallreferenzen teilen sich diese Motseads aus Botswana mit anderen Sapeurs in der ganzen Welt Kontinent eine Leidenschaft, sich auszudrücken. Während ihre Kleidung möglicherweise aus dem Westen stammt, wurde jeder ikonische Stil mit der afrikanischen Ikonographie neu adaptiert.
Tamagni versucht, den Streetstyle von Subkulturen in der heutigen Gesellschaft zu erforschen. Seine Fotografien sind eine Mischung aus "inszeniert" und "in situ", je nachdem, was zu einem bestimmten Zeitpunkt geschieht. Die Kostüme und die Kleidung sind jedoch alle echt, obwohl Tamagni lächelt und sagt: "Wenn sie konstruiert zu sein scheinen, ist das gut, denn ich möchte den Betrachter fragen lassen, was er sieht."
 
Hassan Hajjaj
 
Hassan Hajjaj, Zezo Tamsamani, 2010/1431. Metallischer Lambda-Druck auf Dibond mit Holz und Rahmen für gefundene Gegenstände, 76.2 x 111.8 cm / Gerahmt: 93 x 136 cm. Mit freundlicher Genehmigung der Third Line Gallery, Dubai.
° 1961, Marokko Lebt und arbeitet im Vereinigten Königreich
Der Künstler und Fotograf Hassan Hajjaj fängt Lebendigkeit, Humor und Spontanität in seinen Porträts ein. Die Bilder werden präsentiert, um maximale visuelle Wirkung zu erzielen und die Aufmerksamkeit jedes Passanten zu erregen, nicht nur durch den kühnen Einsatz von Farben, sondern auch durch die direkte Herausforderung an die wahrgenommenen Vorstellungen von weiblicher Identität in der zeitgenössischen arabischen Kultur.
The new Middle East that is emerging is one that is presented in Hassan’s images as bright, bold and assertive, but most importantly, vital. There is something about the style and pose of Hassan’s individuals which brings them very firmly into the discussion about his art. Women often pose in the traditional Hijab or Burqa, but are dressed head-to-toe in designer-label clothes – appearing both assertive and provocative, as if in the pages of Vogue. The images themselves are then hung in bright and clashing frames which are also often constructed by the artist himself.
 
Héctor Mediavilla
 
Héctor Mediavilla, B. Mouzieto in Bacongo, 2004. C-print mounted on aluminium, Plexiglas, 70×105 cm. Courtesy of the Artist.
° 1970, Spanien Lebt und arbeitet in Spanien
Die Ankunft der Franzosen im Kongo zu Beginn des 20. Jahrhunderts brachte den Mythos der Pariser Eleganz unter den kongolesischen Jugendlichen mit sich, die für die Kolonialisten arbeiteten. Viele betrachteten den weißen Mann aufgrund seiner Technologie, Raffinesse und Eleganz als überlegen. Der Legende nach war GA Matsoua 1922 der erste Kongolese, der als authentischer französischer Gentleman gekleidet aus Paris zurückkehrte, was bei seinen Landsleuten erheblichen Aufruhr und große Bewunderung hervorrief. Er war der erste "Grand Sapeur".
In ihren Gemeinden respektiert und bewundert, verstehen sich die heutigen "Sapeurs" als Künstler. Ihre raffinierten Manieren und ihr tadelloser Stil in ihrer Kleidung verleihen ihrer bescheidenen Umgebung ein wenig Glamour. Jeder hat sein eigenes Gestenrepertoire, das ihn von den anderen unterscheidet. Wie Sapeurs sagen: "Der Weiße hat den Anzug erfunden, wir haben ihn in Kunst verwandelt." Sie sind auch nach ihrem eigenen großen Traum: nach Paris zu reisen und als Herren der Eleganz nach Bacongo zurückzukehren.
The media, and the immigrants returning to their countries, keep the myth of the ‘Promised Land’ alive. In this process -consciously or not – our values tend to become myths, and therefore considered superior to the traditional values of other cultures. Although this process has been greatly accelerated in recent times, the problem goes way back, and in the African case, to the colonisation era. In this context, Mediavilla reckons the Congolese ‘SAPE’ to be evidence of the contradictions of our development model.
 
Jehad Nga
 
Jehad Nga, Ohne Titel # 7828, Turkana, Kenia, 2009. Chromogener Druck. Mit freundlicher Genehmigung der Bonni Benrubi Gallery.
° 1976, USA Lebt und arbeitet in den USA
Erhabene und tragische Porträts des Turkana-Stammes in Kenia werden hier in auffallendem Hell-Dunkel präsentiert. Kenias Turkana-Stamm, der von einer Regierung vergessen wurde, die es kaum für ihre eigene hielt, verdorrt in großer Zahl, da eine Dürre das Horn von Afrika verwüstet.
In einer Region, in der viele der betroffenen Gebiete kaum oder gar nicht unterstützt wurden, dokumentiert Nga die Menschen und Gesichter, die infolge der Katastrophe vom Verschwinden bedroht sind, so klar wie möglich. Nga entfernt seine Motive vollständig aus ihrer Umgebung, indem er sie in einer freistehenden Hütte fotografiert, die für diesen Zweck gebaut wurde. dabei weigert er sich, das raue gelände der region zum bestimmenden element seiner arbeit zu machen, sondern zwingt den betrachter, sich dem menschlichen subjekt vor der linse zu stellen.
Das Kleid bleibt eine territoriale Kennung. Es ist eine Sprache für sich für pastorale Stämme. Für solche Gruppen steht die Verteidigung ihres Landes und ihres Viehs weiterhin im Vordergrund ihres gemeinsamen Zwecks.
Jim Naughten
 

Jim Naughten, Lady in Pink with Zebra Scarf, 2012. Archival C-Print, 41 x 50 inches. Courtesy of Klompching Gallery
 
° 1969, Vereinigtes Königreich Lebt und arbeitet im Vereinigten Königreich
Each image, a portrait of Herero tribe members of Namibia, reveals a material culture that harks back to the region’s tumultuous past: residents wear Victorian era dresses and paramilitary uniforms as a direct consequence of its colonisation.
In the European ‘scramble’ for Africa, Kaiser Wilhelm’s Germany claimed the last corner, ‘Deutsche Sudewest-Afrika’, homeland of the Herero. Rhenish missionaries set about clothing them in the European manner and over time, this became a tradition and a source of pride to the wearer.
War broke out in 1904 devastating the Herero, who lost up to 80% of their people. Garments became an important expression of identity during those fragile times. After killing a German, a Herero would adopt the uniform to acquire the enemy’s spirit and show prowess in battle. Paradoxically, the wearing of those uniforms has become a tradition that continues to this day by men who ritually honour their ancestors during ceremonies, festivals and funerals.
By composing these portraits against the Namibian landscape — one of unforgiving intensity but also of silent witness — there is an enlivening that takes place in an otherwise frozen moment. The still space, the direct gaze and the re-appropriated clothing combine to create a stillness that allows the past to speak.

Jodi Bieber


Jodi Bieber, Tshepiso, 2008. Digital print in pigment inks, 162 x 220 cm. Courtesy Goodman Gallery Johannesburg/Cape Town

 
° 1966, Südafrika Lebt und arbeitet in Südafrika
This project was realised through a number of experiences – a Dove billboard advertising campaign in London showing ordinary women in their underwear advocating and speaking up for real beauty. A model sitting next to Bieber on the way from London to Paris emphasised the extent to which Photoshop is used to enhance beauty. She was not in the least bit concerned about the rings under her eyes since these imperfections would easily be erased after her photo shoot. A BBC radio documentary spoke about an increase in the cases of anorexic black women in South Africa, as the full figured body which was once more favoured, is no longer as desirable as Western body shapes.
Sie hatte das starke Bedürfnis, ein Werk zu schaffen, das gegen das verstößt, was die Medien als schön dargestellt haben. Selbst in einer komplexen Gesellschaft wie Südafrika haben Frauen in allen Gemeinschaften schon in jungen Jahren unnötige Vorstellungen von Selbstzweifeln über sich selbst und ihre Schönheit.
In verschiedenen Gemeinschaften gibt es unterschiedliche Glaubenssysteme. Manchmal wird davon ausgegangen, dass sehr dünne und große Frauen als krank wahrgenommen werden, möglicherweise mit HIV und Frauen mit volleren Figuren in einigen Gemeinden als gesund. In anderen Fällen sind dünne Frauen oft wünschenswerter.
Die Serie schuf für jede Frau einen Raum, um ihre eigene Identität in Bezug auf ein Verständnis von Schönheit zu erkunden und ein paar Stunden in einer Umgebung der Fantasie zu leben. Sie teilt eine gemeinsame Basis mit den Frauen, die sie fotografiert hat, was ein Wunsch ist, für „echte Schönheit“ einzutreten.
Namsa Leuba
 

Namsa Leuba, Vili-Statuette, Fanta, Guinea, 2011. C-Print, 28 x 35 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.
° 1982, Schweiz Lebt und arbeitet in Frankreich und der Schweiz
In this work, Namsa Leuba focuses on African identity through the Western lens.  Raised by a Swiss father and a Guinean mother, she was exposed to two different cultures from a young age. Fascinated by her mothers’ native country, Leuba studied cultural practices and rituals from the region of Conakry, Guinea in West Africa.
In Guinea, Islam is the majority religion followed by Christianity. But like many cultures where mass conversion has taken place, devotion to an earlier religion is still common, and seven percent of the population still practice the traditional Guinean animist faith. In Guinean cosmology ritual statuettes are used symbolically to represent “modesty, luck, fecundity or a channel for exorcism.” The statuettes are typically used in ceremonies to represent the yearnings of the worshipers – they are “not the gods of this community,” Leuba writes, “but their prayers.”
Leuba hat Porträts inszeniert, in denen menschliche Modelle die Rolle der traditionellen Statuetten spielen. Sie bat ihre Untertanen, sich in komplizierte Gewänder zu kleiden, die die rituellen Werkzeuge darstellen. Je nach Statuettentyp und deren Funktionen wurden unterschiedliche Materialien verwendet. Indem Leuba diese heiligen Objekte durch die Linse in einen anderen Kontext stellt, hat er sie in einen Rahmen gebracht, der für westliche ästhetische Entscheidungen und Geschmack bestimmt ist, und sie dazu gebracht, anders zu sprechen.
 
Nontsikelelo Veleko
 
Nontsikelelo Veleko, Schönheit liegt im Auge des Betrachters: Cindy und Nkuli, 2003. 29,6 x 19,7 cm, Pigmenttinten auf Baumwolltuchpapier. Mit freundlicher Genehmigung der Goodman Gallery
° 1977, Südafrika Arbeitet und lebt in Frankreich
Velekos charakteristisches Thema Schönheit ist im Auge des Betrachters, eine Reihe knackiger, kühner Straßenmode-Porträts der Jugendkultur und Mode in Südafrika, die wieder stark vertreten sind, aber hier beginnen, in ihren Rahmen fast unmerklich zu zittern. Diese Serien sind eine vertraute Fortsetzung der Serie, die sie 2003 begonnen hat und die ihre breite internationale Anerkennung erlangte.
Veleko ist ein engagierter Dokumentarfilmer für Mode und mutigen, individuellen Stil. Darüber hinaus hat sie Fragen dazu gestellt, wie wir Mode lesen und wie ihre Untertanen Kleidung verwenden, um ihre Identität zu konstruieren und oft zu dekonstruieren. Ihre Fotografien haben in den letzten fünf Jahren ein interessantes Fenster zu Aspekten des kulturellen Aufbaus Südafrikas geöffnet.
Velekos Themen sind selten Mainstream-Individuen. Viele von ihnen sind Charaktere, die Risiken eingehen, indem sie sich in der Welt deklarieren, und dabei oft in den Bereichen, in denen sie leben, oft am Rande der Gesellschaft verwundbar sind. Und einige spiegeln deutlich die kritischen Veränderungen wider, die an diesem Rand stattfinden - Tracy Murinik
 
Martin Parr
 

Martin Parr, Südafrika. Durban. Juli Rennen, 2005. Mit freundlicher Genehmigung von Martin Parr / Magnum Photos
 
°1952, United Kingdom
. Lives and works in the United Kingdom
Der Kauf von Luxusmedien
This series of photographs tries to depict the wealthy of the world relaxing and enjoying themselves at various art fairs, fashion shows, horse racing and polo events. I started this project in the middle of the last decade, well before the global crash of 2007/2008, when it seemed there was no end to the craziness  and growth of the world economies. After the crash, when I was starting to finish this particular project, I thought of it more of an epitaph to that particular period.  Now, a few years later, we know that there are more wealthy people in the world than ever, but there is a little more circumspection than before.
Die Auswahl umfasst einige Bilder vom Juli in Durban, dem größten Pferderennen in Südafrika. Ich beschloss, diese Veranstaltung zu besuchen, um zu sehen, wie sich das neue Südafrika bei einem großen gesellschaftlichen Anlass präsentieren würde. Sicher genug, die wohlhabenden Weißen mit ihrem alten Geld waren in Kraft, aber wir haben auch gesehen, wie sich die neuen wohlhabenden Schwarzen amüsierten und manchmal sogar von den Weißen bedient wurden!

Für dieses Projekt habe ich mich auch in die aufstrebenden BRIC-Staaten und in den Nahen Osten gewagt. Ich war zum Beispiel zweimal in Dubai, als es sich zu einem regionalen Zentrum für die Schaffung von Wohlstand und hohen Ausgaben entwickelte, und obwohl ihr Absturz etwas später als der Rest war, sind auch sie jetzt wieder auf der ursprünglichen Wachstumsrate.

In the humanitarian school of thinking within photojournalism, depicting poverty is an accepted topic. In one way, I photograph wealth with the same spirit: we are all in danger of creating an unsustainable global economy, and the wealthy of the world are part of this new equation. However I also try and create entertainment through my images, but if you look closely at them, you will see that they contain many ambiguities.

 
Phyllis Galembo
 

Phyllis Galembo, Ngar Ball Traditional Masquerade Dance, Cross River, Nigeria, 2004. Ilfochrome, 76 x 76 cm. Courtesy Phyllis Galembo and Steven Kasher Gallery, New York / Alex Daniëls – Reflex, Amsterdam.
 
° 1952, USA Lebt und arbeitet in den USA
Phyllis Galembo dokumentiert fotografisch die transformative Kraft der rituellen Kleidung in Afrika und Amerika.
Das Maskieren, das hauptsächlich von Männern, aber auch von Frauen und Kindern praktiziert wird, ist in vielerlei Hinsicht Teil des zeitgenössischen afrikanischen Lebens. Jede Gemeinde hat ihren eigenen Stil und ihre eigene Verwendung für Maskeraden, einschließlich Initiationsrituale, Hochzeiten, Beerdigungen, Krönungen und Geheimbünde.
Contemporary masquerade rituals are often entertaining, humorous, dark or frightening- an amazing mix of foreign and traditional. African artists who create both the mask and the costume have “relentlessly widened the horizon of stylistic possibilities, sometimes through stunning economy of means and materials, even as they maintain a dynamic relationship with forms prescribed by tradition” according to art historian Chika Okeke-Agulu. Phyllis Galembo continues to search for beauty and soul in the great artistic tradition of masquerade.
 
Sabelo Mlangeni
 

Leopard, 2011. Hand-printed silver gelatin print. Image size: 36 x 36cm, Paper size: 40 x 50cm. Edition of 7 + 2AP – Courtesy of the Artist and Stevenson Cape Town/Johannesburg
 
° 1980, Südafrika Arbeitet und lebt in Südafrika
Black Men in Dress umfasst eine Reihe von Porträts, die im Johannesburg and Soweto Pride fotografiert wurden, einer jährlichen Veranstaltung für die Lesben-, Schwulen-, Bisexuellen-, Transgender- und Intersex-Community (LGBTI). Diese Porträts erinnern Mlangeni an eine Kindheit, in der, wie er beschreibt:
„Die meisten Gemeinden hatten das, was wir 'uSis'bhuti' nennen. Dies ist ein Begriff, der verwendet wird, um einen Jungen zu beschreiben, der sich wie ein Mädchen verhält. Warum hassen wir diese Jungen dann, wenn sie zu Männern herangewachsen sind, die sich als Frauen verkleiden? Warum drehen wir uns um und nennen sie Namen, so als hätten wir sie noch nie gesehen? “
Wie in Mlangenis vorheriger Serie Country Girls erforschen schwule Männer einen dramatischen Sinn für Mode und eine performative und spielerische Art, um sich mit ihrem Zugehörigkeitsgefühl und ihrer Identität auseinanderzusetzen. Die performativen Elemente des Exhibitionismus und des Rituals verbinden diese beiden scheinbar unterschiedlichen Werke, in denen städtisches, homosexuelles Feiern ländlicher, heterosexueller Tradition gegenübergestellt wird.
 
Viviane Sassen
 

Viviane Sassen, Untitled, from the series, Die Son Sien Alles 2002/2004. Book by Libraryman. © VivianeSassen
 
° 1972, Niederlande Lebt und arbeitet in Holland
Viviane Sassen photographed the townships of Cape Town during several visits between 2002 and 2004, depicting the ramshackle inventiveness with which poor black South Africans construct their living environment.
In this project, Sassen continues her equally playful and incisive explorations of contemporary African culture. The series is a study of the living environment in the South African townships and reveals the sculptural qualities of the interiors in combination with Western objects which seemed to seep through daily life. Many of the interiors are made out of fashion advertisements, patterned fabrics and wallpaper from fashion magazines. The images are invariably intriguing and remarkable, even somewhat surreal. Are they portraits? Documentary work? Stage advertising? Conceptual? They engage all those vernaculars, pulling from each their best representational strategies, and in the end capture their subjects in a more humane and engaged way than much photography of Africa. These people seem real, the shebeen drinkers at ease. Life, even as strange and slightly off as it seems to be in these images, is happening.
Viviane Sassen hat im Laufe ihrer Karriere eine Flut wunderbarer Bilder hervorgebracht, von denen viele von Afrika stammen, dem Kontinent, auf dem sie einen Großteil ihrer Jugend verbracht hat.
 
Wangechi Mutu
 

Wangechi Mutu, Fallen Heads, 2010. Collage, ink, mixed media on Mylar. 154.94 x 271.78 x 6.35 cm. Courtesy of the Artist and Susanne Vielmetter Los Angeles Projects; Collection of Paul and Linda Gotskind, Chicago, IL.
 
° 1972, Kenia Arbeitet und lebt in den USA
From a distance, Wangechi Mutu’s Fallen Heads could be a blushing floral pattern. Up close, the decorative quality remains intact: blooms of watercolour bloodstain the background and collaged flowers and jewels ornament the falling, rolling heads. Sinuous black lines that resemble hair, connective tissue, and neurons emerge from the heads. The motif is evocative of colourful and complex patterns of flora and fauna, cellular growth, and severed flesh. The bejewelled and disembodied heads invoke the history of state-ordered and guerrilla executions, reminding the viewer that taking life in public is a ritual of retribution or an assertion of religious and political power. This jumble of heads synthesises Mutu’s criticisms of various leadership failures that have led to the contemporary authorisation of these brutal practices with her attention to more subtle representations of power and violence in popular entertainment.
Wangechi Mutu is best known for her large and expressive collages and sculptural installations. She combines images from popular magazines, ethnographic periodicals, and pornography with expressive applications of paint, ink, glitter, and even hair to address racial identity, neo-colonialism, African politics, and dominant representations of women. The resulting work is complicated and strange, beautiful and terrifying- Ariel Lauren Pittman.
 
 
Yinka Shonibare MBE
 

Yinka Shonibare, MBE. The Sleep of Reason (Africa), 2008. C-print mounted on aluminum, 207 x 147.3 x 6.4cm. Courtesy of the artist and Stephen Friedman Gallery, London.
 
° 1962, Vereinigtes Königreich / Nigeria Lebt und arbeitet im Vereinigten Königreich
Shonibares Arbeit beschäftigt sich mit Fragen der Rasse und der Klasse in den Medien Malerei, Skulptur, Fotografie und Film. Shonibare hat sich selbst als "postkolonialer" Hybrid beschrieben und hinterfragt die Bedeutung kultureller und nationaler Definitionen. Sein Markenzeichen ist der farbenfrohe „afrikanische“ Batikstoff, den er auf dem Brixton-Markt kauft. Der Stoff wurde vom indonesischen Design inspiriert, von den Holländern in Massenproduktion hergestellt und schließlich an die Kolonien in Westafrika verkauft. In den 1960er Jahren wurde das Material ein neues Zeichen afrikanischer Identität und Unabhängigkeit.
‘The Sleep of Reason (Africa)’ is an appropriation of Francisco Goya’s ‘El Sueño de la Razón Produce Monstruos’ (‘The Sleep of Reason Produces Monsters’, or ‘The Dream of Reason Produces Monsters’). Here, Shonibare photographs a real person wearing Victorian-style garments made from richly-hued African textiles. Shonibare emphasizes the complexity of cultural identity while arguing for a delicate balance between fantasy and the real, a sentiment shared by Goya, who warned, “Imagination deserted by reason, begets impossible monsters. United with reason, she is the mother of all arts, and the source of their wonders.”.
Shonibare’s photographs ask in French: “Les songes de la raison produisent-ils les monstres en Afrique/en Amérique/en Asia/en Europe/en Australie?” (“Do the dreams of reason produce monsters in Africa/in America/in Asia/in Europe/in Australia?”). This translation seems to suggest that the imposition of the Enlightenment ideals may in fact create a few demons–such as dictators “democratically” voted into power.
 
Zanele Muholi
 
Zanele Muholi, Lebo ‘Leptie’ PHUME, Daveyton, Johannesburg, 2013. Silver gelatin print, 76.5 x 50.5cm / 86.5 x 60.5cm. CourtesyZanele Muholi and Stevenson Cape Town/Johannesburg
 
° 1972 Südafrika Lebt und arbeitet in Südafrika
Diese Serie präsentiert schwarze Schwule (LGBT) aus verschiedenen Townships in Südafrika. Es sind hauptsächlich schwarze Lesben, die unter der neuen Herrschaft des demokratischen Südafrika aufgewachsen sind; die sogenannten "Born Frees". Ihre Realität mag nicht die gleiche sein wie die, die unter der Apartheid lebten, aber sie leben immer noch im Schatten von Gewalt, grassierenden Hassverbrechen und einer hohen Arbeitslosenquote.
This is the battle in which this ‘Born Free’ generation is engaged: the struggle to love, to express their sexuality freely without fear of recrimination, overt violence or ‘corrective rape’.  This self-expression is also apparent in the way each person chooses to dress.
Durch die geschlechtsspezifischen Kleidungsvorschriften beanspruchen und behaupten diese jungen Menschen ihren Existenzraum. Zum Beispiel nimmt eine 'Butch'-Lesbe männliche Stoffe an, die es dem Träger ermöglichen, als Mann zu gelten, während' Femme'-Lesben sich dafür entscheiden, ein Statement in weiblicher oder sexy Kleidung abzugeben. Einige verwenden afrikanische Couture oder traditionelle Perlenstickerei, um die Vorstellung zu bestreiten, dass Homosexualität / Homosexualität „unafrikanisch“ ist. Andere kleiden sich auf eine bestimmte Art und Weise, nur weil sie sich dadurch wohl fühlen. Diese Kühnheit und dieses Vertrauen definieren die Existenz jeder Person, machen sie sichtbar und ermöglichen es ihnen, erkannt und respektiert zu werden.
Diese Arbeit erkennt die Realität junger Schwuler an, deren Körper zurückgegangen sind, und zielt darauf ab, das politische Gewicht derer zu stärken, die trotz dieser Intoleranz und Gewalt anwesend und lebendig sind und ihren eigenen Raum innerhalb dieser jungen Demokratie behaupten.