September 2008

GABRIELLE GOLIATHS LETZTE ARBEIT IST SO VIEL ÜBER DIE POLITISCHEN UND HISTORISCHEN BEDEUTUNGEN DES KÖRPERS, WIE ES ÜBER SELBSTLIEBE UND SELBSTVERLETZUNG IST, SCHREIBT ANTHEA BUYS.

Gabrielle Goliaths erster bedeutender öffentlicher Auftritt als Künstlerin war im März 2008 bei der Eröffnung einer Gruppenausstellung Vier Geschichten, gehostet von der Galerie Momo in Parkhurst, Johannesburg. Sie war Gegenstand eines Foto- und Video-Triptychons mit dem Titel Strauß (2007), nackt und treibend in einem schwarzen Pool-ähnlichen Hintergrund. Ihr Mund öffnete sich und aus ihm schlängelte sich eine Vielzahl von Blütenbüscheln. Sie sah geschockt, brutal, aber unverkennbar aus. Die echte Gabrielle Goliath, die an der Eröffnungsveranstaltung teilnahm, blieb weitgehend unerkannt, ein Detail, das sich nur schwer mit der wiederkehrenden Präsenz des Selbstbildes der Künstlerin in ihren fotografischen Arbeiten vereinbaren lässt.

Strauß ist eine Arbeit über "Missbrauch und Unschuld und ihre Beziehung zueinander", erklärt Goliath. „Wenn eine Person missbraucht wird, wird sie heilig gesprochen. Sie werden fast heilig “, sagt sie. Ihre Verwendung ihres eigenen Körpers als Thema in dieser und zwei anderen Arbeiten in derselben Show, EKKE und Ek ist 'n Kimberly Coloured (beide 2007) geht es sowohl um die politischen und historischen Bedeutungen des Körpers - und insbesondere des weiblichen, farbigen Körpers - als auch um „Selbstliebe und Selbsthass“, sagt sie. „Wir alle starren uns ewig im Spiegel an. Wir tun. Wir sind sehr komplex in Bezug auf alle möglichen kleinen Dinge. “ Ihre introspektive Offenheit wird durch eine Faszination für das bizarre kollektive Bewusstsein Südafrikas ausgeglichen. Ihr Urteil über den Zustand der Nation: „Die nationale Psyche ist im Moment ein bisschen chaotisch. Eine kollektive Neurose hat unser tägliches Leben irgendwie infiltriert ... Teepausen werden damit verbracht, über die nationalen Energiekrisen und korrupten Politiker nachzudenken. Braais sind ein Forum für Polemik. “

Für ihre kritische Auseinandersetzung mit farbiger weiblicher Identität, insbesondere in Ek ist 'n Kimberly ColouredGoliath, eine Reihe beeindruckender leistungsbasierter fotografischer Porträts, wurde mit Tracy Rose verglichen. Aber wo Rose ihre Performance-Persönlichkeiten in das wirkliche Leben aufzunehmen scheint, ist Goliath weit davon entfernt, einige der aggressiven Themen zu verkörpern, die sie porträtiert. Bei unserem Rosebank-Café-Treffen bewegt sich ihre träge Konversation zwischen besonnener Diskussion über ihre Arbeit und vorsichtiger Selbstkontrolle - unterbrochen von einem effeten Zug aus einer akribisch gerollten, hauchdünnen Zigarette.

Bevor Goliath 2004 einen Bachelor-Abschluss an der Wits University machte, absolvierte er ein dreijähriges Diplom in Modedesign. Warum der Umzug? „Oh, ich kann diese Frage nicht beantworten… Es schien eine natürliche Entwicklung zu sein. Ich war immer an untragbarer Mode interessiert. “ Als Hauptinspiration nennt sie die „animatronischen“ skulpturalen Kleider des Modedesigners Hussein Chalayan. Seit sie Kunst praktiziert, hat sie sich jedoch von der Skulptur ferngehalten und arbeitet heute hauptsächlich in zweidimensionalen linsenbasierten Medien. „Ich habe im ersten Jahr sehr traditionell angefangen, während alle anderen sehr bereit waren, auf den Video- und Performance-Kunst-Zug zu springen“, sagt sie.

Eines der Ergebnisse ihrer frühen Investition in die Malerei ist eine Reihe von Grizzly-Fleischgemälden, die mit Formaldehyd hergestellt wurden, um das rohe Fleisch zu konservieren, das sie verschmiert oder auf ihre Leinwände gepackt hat. Ich frage sie, wie sie auf Fleisch als Medium gekommen ist. "Ich nehme an, ich habe den Punkt in meinem Leben erreicht, an dem ich dachte, was zum Teufel soll ich jetzt malen?" Sie antwortet. "So viele große Maler haben den Kadaver bemalt, und ich dachte, was ist mit dem Ding selbst?" Mord am siebten ist der Titel von Goliaths aktuellem Werk. Dies wird zu ihrem Master-Abschluss bei Wits beitragen, den sie 2009 abschließen möchte. Ausgehend von der Kriminalschrift des englischen Schriftstellers PD James verwendet das installationsbasierte Werk generische Motive für Detektivgeschichten, um Szenen zu konstruieren, die an die typischen Szenen erinnern das Brettspiel Cluedo (der Butler im Wintergarten mit dem Kerzenhalter). Goliath stellt diese Arbeit in den Kontext der südafrikanischen Gesellschaft und erklärt, dass ihr Zitat des Whodunit-Genres darauf abzielt, einen nationalen Wunsch nach dem aufzudecken, was James die „Wiederherstellung der Ordnung“ nennt.

Sie schlängelt sich zurück zu ihrer Beschäftigung mit der nationalen Psyche und bietet eine Lesung in diesem Licht an: „Was ist diese Besessenheit von gesellschaftlichen Krankheiten? Ist das einfach krankhafte Faszination? … Ich denke nicht, zumindest nicht ganz. Es ist vielmehr ein Bedürfnis und ein Wunsch nach Lösung, Schließung und Antworten. “

HASAN UND HUSAIN ESSOP'S KONSTRUKTIERTE FOTOGRAFIEN ADRESSIEREN MEHR ALS NUR DIE Widersprüche ZWISCHEN MODERNITÄT UND TRADITION, ISLAM UND WEST, SCHREIBT SHAMIL JEPPIE.

Hasan und Husain Essop sind brüderliche Zwillinge, eine Tatsache, die ihre Kunst unverwechselbar beeindruckt. Die Brüder, die an der Michaelis School of Fine Art in Kapstadt Fotografie und Druckgrafik studierten, arbeiten eng zusammen. Ihr Medium ist die Farbfotografie - radikal neu gefasst durch Computermanipulation. Die Zusammenarbeit des Paares beinhaltet das eigene Erscheinungsbild in allen Bildern, und sehr oft werden die Bilder nahtlos geteilt, um zwei Seiten oder zwei miteinander verbundene Selbste zu reflektieren. Ihre Bilder sind beschäftigt und voller Energie, und man muss genau hinsehen, um zu erkennen, dass ein Paar Zwillinge den Raum einnimmt. Das Zusammennähen mehrerer separater Aufnahmen erfolgt nahtlos, und ihre fertige Arbeit zeigt nicht so leicht, wie sie hergestellt wurde.

Die Arbeit von Hasan und Husain Essop scheint eine brüderliche Zusammenarbeit ohne Fehler oder Fehler zu sein. Teilen und leben sie so in der Realität? Ist das die brüderliche Liebe der Zwillinge, die spontane und temperamentvolle Partnerschaft der Zwillinge? Wo ist die Rivalität und Konkurrenz? Diese letzteren Fragen werden in der Arbeit fast angesprochen Pitbull-Kampf (2007), die die Möglichkeiten von Wettkämpfen und Wettkämpfen durch den in Schach gehaltenen aggressiven und bösartigen Hund aufzeigt. Die Arbeit ist autobiografisch, handelt aber auch von einem breiteren Phänomen in Teilen der Cape Flats. Im weiteren Sinne handelt es sich bei den Fotografien des Paares um sich selbst als Zwillinge, während gleichzeitig über Aspekte des Lebens auf den Cape Flats, über zeitgenössische muslimische Jugendliche, über die Widersprüche der Identität, über Religion und insbesondere über Reflexionen über ihre eigene Herkunft und Zugehörigkeit gesprochen wird. Durch ihre Fotografien scheinen die Brüder grundlegende Fragen zu stellen, die junge Männer (und Frauen) ihrer Generation, Klasse und kommunalen oder religiösen Bildung ständig vorantreiben und verfolgen. Zusammen könnten sie als Teile eines sich entfaltenden Aufsatzes gesehen werden, in dem die Essops ihre eigenen Beziehungen als Brüder untersuchen; als junge, markenbewusste, bürgerliche Männer in den Cape Flats; als junge muslimische Männer, die in einem Grenzraum innerhalb und außerhalb einer „Gemeinschaft“ und Weltreligion schweben, die Gegenstand intensiver Konzentration in den Medien und in der zeitgenössischen Politik ist. Die Brüder bringen eine Religion von hohem Alter und globaler Verbreitung mit der Popkultur in ihrer Kombination von Themen und Arbeitsmedium zusammen (dies mag einigen beleidigend erscheinen, insbesondere denen, die die Grenzen von Religion und Gemeinschaft verschärfen wollen). Es wäre nicht sinnvoll zu sagen, dass ihre Arbeit auf mehreren Ebenen gelesen werden kann, was natürlich bei jeder einigermaßen guten Kunst der Fall ist. Ihre Materialien und die Art und Weise, wie sie die Probleme angehen, sind frisch, einzigartig und ziehen den Betrachter an, immer wieder hinzuschauen. Zwei neuere Werke verdienen eine Pause: Fast Food (2008), Anfang dieses Jahres auf der Art Basel gezeigt, und Thornton Road (2008). In ersterem verbinden sich Popkultur und Konsum mit einem Akt religiöser Hingabe, während in letzterem Werk politischer Aktivismus religiösen Markern gegenübergestellt wird. Clever betitelt, Fast Food präsentiert die Brüder an einem Strand an der Atlantikküste; Sie werden in verschiedenen Gebetsstellungen gezeigt und brechen auch das Fasten während des Ramadan mit McDonald's Fast Food.

In Thornton RoadSie sind muslimische Jugendliche in den Cape Flats und tragen lange weiße Tuniken (verschieden genannt) Auftauen, jubbas or Gallabiyas) und in Positionen der Rebellion oder des Protests gerahmt. Das dominierende Bild ist jedoch ein Coca-Cola-Zeichen und der Konsum des Getränks in einem Teil des Bildes. Rebellion gegen die Macht bei gleichzeitigem Konsum oder Unterwerfung unter die bekanntesten globalen Marken ist ein zentraler Widerspruch zur muslimischen Jugendpolitik, scheint diese Arbeit zu sagen. Ein wiederkehrendes Motiv in ihrer Arbeit, auch in vorhanden Thornton Roadist die Figur des Sensenmanns. Dies wäre leicht zu übersehen; Diese Zahl könnte leicht als ein weiterer muslimischer Jugendlicher in einer langen Kapuzenjacke nordafrikanischer Herkunft missverstanden werden. Die Herkunft der Figur ist ungewiss und stammt möglicherweise aus der zeitgenössischen Populärkultur, insbesondere dem Kino. Es wäre einfach, die Arbeit der Essops so zu lesen, dass sie einfach Widersprüche zwischen Moderne und Tradition, dem Islam und dem Westen und anderen so einfachen und heutzutage träge wiederholten Binärdateien anspricht. Sie machen sehr wichtige Kommentare zu und stellen Jugend-Subkulturen in Frage; Sie schneiden in Obsessionen und Ängste über Aspekte der religiösen Praxis ab und weisen gleichzeitig auf einen zeitgenössischen Glauben an den Konsum hin. Sind die Möglichkeiten für Jugendliche entweder inbrünstiger Glaube oder obsessiver Konsum? Trotz der faszinierenden Farbe und der geschwätzigen Bewegung, die diese Werke einrahmen, und ihrer großzügigen Größe wirkt hier viel mehr Subtilität.

Es wird interessant sein zu sehen, wie diese visuellen Aufsätze andere Widersprüche und aktuelle Themen untersuchen. Können die Brüder den Einsatz der Verdopplungstechnik weiter vorantreiben, ohne sich langweilig zu wiederholen oder solipsistisch zu werden? Werden sie ihre aktuellen Themen verfolgen, bis sie selbst über sie hinaus gereift sind? Wäre es ihnen überhaupt möglich, eine Post-Twins-Perspektive auf ihre Welt zu bieten? Dies sind Fragen, die sie lösen müssen, aber in der Zwischenzeit wird ihre Arbeit für viele Bürger weltweit eine enorme Resonanz finden.

RESHMA CHHIBA ARBEITET MIT MALEN, NÄHEN UND VERSCHIEDENEN MEDIEN AUF LINSENBASIS.

Rot und Schwarz. Aus Reshma Chhibas jüngstem Solo-Debüt hervorgegangen, KaliDiese beiden Farben, die im Juni auf der Art Exra in Johannesburg stattfanden, pochten durch den Solarplexus und hinterließen ein Gefühl von Blutergüssen. Traditionelle Bilder der hinduistischen Göttin Kali - auch als schwarze Göttin bekannt - reflektieren ihre Haut als blau und bieten einen Schlüssel für die Möglichkeit, dass die Gewalt in Chhibas Ausstellung metaphorisch gewesen sein könnte. Das Zeigen von Intimitäten der Familienkultur in der Kunst enthält knorrige Fallstricke, die irgendwo zwischen Tatsachen und Überzeugungen liegen und anfällig dafür sind, in der Erzählung verunreinigt zu werden. Durchdrungen von Chhibas hinduistischen Wurzeln, Kali enthielt einen Universalismus, der emotionale Gänsehaut verursachte.

Chhiba sitzt an ihrem Schreibtisch in der Johannesburg Art Gallery, ihrem Tagesjob, und untersucht die Schrecken und die Sexualität von Kali alles andere als unerschrocken. Ihr Haar, eine sanfte Masse von Kusslocken, schwingt nicht mit der Zurückhaltung der Göttin mit. Ihre Offenheit, sich mit der Arbeit zu beschäftigen, tut es jedoch. „Ich warte immer noch darauf, dass der Priester mit seinem Dreizack kommt, um mich zu exkommunizieren“, grinst sie. "Meine Familie ist nicht streng orthodox - wenn sie es wäre, hätte ich wahrscheinlich nie Kunst studiert -, aber die Traditionen, aus denen sie stammen, sind."

Chhiba widmete ihre Debütausstellung ihrer Großmutter mütterlicherseits. „Sie war eine starke Frau, die im Alter von drei Jahren verheiratet war. Sie war Analphabetin. Sie kam in ihren Fünfzigern nach Südafrika. Sie starb, als ich 14 war; Ich konnte mich nie mit ihr unterhalten. Sie sprach Gurajati. Ich soll ein Gurajati-sprechendes Mädchen sein, aber ich bin es nicht. “

Chhiba spricht viele Sprachen, einschließlich der physischen. "Ich bin ein klassischer indischer Tanzlehrer und praktiziere seit meinem achten Lebensjahr Bharata Natyam." Ein Video ohne Titel aus dem Jahr 2003 verbindet die Grammatik des klassischen indischen Tanzes mit der traditionellen Gebärdensprache, um Gewalt gegen Frauen zu erklären. Es ist kein Ton zu hören - es geht um Unzugänglichkeit. Sie müssen die Grammatik ihrer Körper lesen.

Chhiba führt mich auf mehreren Wegen nach Kali: Mythen und Legenden offenbaren sie als aggressive, aber auch symbolische Kraft. „Die ausgestreckte Zunge ist ein Zeichen der Verlegenheit. Sie steht irrtümlich auf Shiva, ihrer Gemahlin “, erklärt Chhiba. „Kali ist die Göttin der Zeit. Die 55 Schädel um ihren Hals repräsentieren die heiligen Alphabete des Sanskrit; In ihren vielen Armen geht es um Distanzierung. Shiva und Kali repräsentieren zusammen das Leben. Shivas Bewusstsein; Kalis Energie. "

Zungen und Haare, Lotusblumen und Gesten, ihre Ausstellung scheint von Sexualität zu sprechen. "Das tut es", stimmt Chhiba zu, "aber das ist noch nicht alles." Die vier in der Show enthaltenen umgekehrten fotografischen Porträts sind ein typisches Beispiel. Die Bilder erinnern an die Arbeit der finnischen Fotografin Marjaana Kella und bieten vier Lebensphasen einer Hindu-Frau, wobei das Haar als Signifikant und die Interpretationscodes verwendet werden, vom jungfräulichen Kind über die verheiratete Frau bis zur Witwe und Kali selbst. Die Bilder sind reich an interpretativen Assoziationen. In Wahrheit sind die Hinterköpfe so aufschlussreich wie die Gesichter, aber ziemlich beängstigend, da sie ein Unbekanntes verkörpern.

Chhiba kreiert Porträts ihrer Mutter, indem sie Saris über bemalte Krankentragen dreht. Sie repräsentiert Teile von Kali in zweidimensionalen Werken, wobei sie Stiche mit Kum-Kum-Pulver und Kurkuma in ihrer spirituellen und physischen Zusammensetzung mischt. „Kumkum wird rituell verwendet. Es symbolisiert weibliche Energie, Menstruationsblut. Bei Kurkuma geht es um Erinnerung und Heilung. Meine Großmutter hat daraus Medizin gemacht. Ich verwende auch handgemahlene Kohle und Weihrauchasche. Die Pigmente basieren alle auf der Erde. Sie beziehen sich auf die Mutter, die lebenserhaltende Kraft. “ Ihre Arbeit ist unweigerlich körperlich. Chhiba näht in massive Leinwände und trägt nicht zur weiblichen Litanei bei: Sie führt einen Tanz auf.

„Irgendwann wird das, was ich tue, missverstanden. Meine Leute waren skeptisch, dass ich diesen Abschluss gemacht habe, aber jetzt verstecken sie ihre Gesichter, weil ich - Holz anfassen - etwas erreicht habe. “

Das hat sie sicherlich: Der Schub ihrer Show, der dich packt und hält, ist die Raffinesse ihrer inneren Vision. Chhiba arbeitet mit Malen, Nähen und verschiedenen Medien auf Linsenbasis und liefert eine ästhetische Grammatik, die eindeutig ihre eigene und bequem interdisziplinäre ist.

ROWAN SMITH'S INSTALLATIONEN, LIGHTBOXEN UND INTERVENTIONEN AUS GESCHNITZTEM HOLZ MIT FEHLERHAFTER TECHNOLOGIE ERSTELLEN EINEN DIALOG ZWISCHEN OBSOLESZENZ UND JEDEM NEUEN SCHALT, SCHREIBT NADINE BOTHA.

Rowan Smiths retro-futuristische Wiederbelebung der veralteten Technologie ist so angesagt, dass sie aussieht, als ob sie vom Milnerton Market, Kapstadts Bohemian Boot Sale, stammen. Aber in Smiths Arbeit geht es nicht um Nostalgie; Seine geschnitzten Holzinstallationen, Leuchtkästen und Interventionen mit nicht mehr existierender Technologie befassen sich mit den Nostalgien, die unserer geplanten Zukunft innewohnen.

"Die Gegenwart ist geprägt von dem schnellen Fortschritt der Technologie", erklärt Smith, ein etwas schüchterner, blauäugiger Junge, der sich in seine Keffiyea zu krümmen scheint. „Die digitale Revolution beeinflusst jeden Aspekt der Gesellschaft. Als Reaktion darauf, dass ich Ihre Fähigkeiten und Kenntnisse in Bezug auf technologische Fortschritte ständig aktualisieren musste, interessierte ich mich für Dinge, die bereits veraltet waren, und wurde dabei von dieser sehr frühen digitalen Ästhetik angezogen - gleichzeitig aus den 1960er und 70er Jahren Zeit als Weltraumrennen. “ LED-Displays, große Knöpfe, Holzfurnier, Nintendo-Handys und Nadeldrucker scheinen Lo-Fi zu sein, aber wie Smith erklärt, ist Lo-Fi relativ zu jetzt. Die Menschen träumten damals von einer Zukunft, in der es fliegende Autos und Feiertage auf dem Mond geben würde. Stattdessen haben wir Handys, Hummers und die anhaltende Übertreibung der Technologie, die diese Retro-Visionen der Zukunft nicht erfüllt hat. Smith zitiert die Vorstellung des Kunstkritikers Harold Rosenberg, dass Futures nicht so sehr unterbestimmt sind und dass es so viele definierte Futures gibt, die ständig recycelt und wiederverwendet werden können. Insofern kehrt unsere Vorstellung von der Zukunft zu dem zurück, was wir jetzt für möglich gehalten haben - es ist, als ob unsere Unzufriedenheit mit der Gegenwart und ihren nicht gelieferten Versprechen den unstillbaren Durst nach neuer Technologie antreibt. Smiths Stück Punktmatrixschleife (2007) stieß auf großes Interesse, als es im März auf der Johannesburg Art Fair gezeigt wurde. Bei einer Installation mit drei veralteten Druckern, bei der sich der Papiereinzug in einer Endlosschleife befindet, wurde der Originalchip in jedem Drucker neu programmiert, um einen von 50 menschlichen Charakteren auszuspucken, begleitet von dem klagenden Schweineton von Nadeldruckern. Die Ausgabe auf dem Papier ist zufällig und unendlich - das heißt, bis der Drucker blockiert oder abschaltet. Peripheriegeräte erfordern traditionell Computer, um sie zu unterweisen: Smiths selbstverwaltete Drucker sprechen eindeutig von autonomer Technologie. „Diese drei Drucker tauschen eine Papierschleife aus und schaffen so eine Mini-Welt, die generativ ist und sich selbst bevölkert“, erklärt Smith, was mit der Mensch-Maschine-Beziehung passiert, wenn die Technologie anfängt, für sich selbst zu denken.

"Die subtile Beziehung zwischen den Menschen in der Schleife ist immer zufällig und wird von den Druckern bestimmt. Die Technologie erschafft diese Welt, anstatt dass wir eine Welt aus der Technologie erschaffen." In einer hypothetischen Zukunft könnte der Mensch eines Tages nostalgisch werden über die Macht, die er derzeit über Maschinen ausübt. Smiths Arbeit mit ihren wechselnden Zeiten fragt jedoch, ob die Technologie noch nicht die Verantwortung übernommen hat. Wünschen sich die Menschen angesichts einer immer größer werdenden Deponie veralteter Technologie wirklich Lust auf Digitalkameras, die ein Lächeln erkennen, oder treibt die Technologie die ständige Verjüngung des Neuen voran? Dieser Dialog zwischen Veralterung und dem sich ständig verändernden Neuen erinnert an Theodore Adornos Zweifel an der modernen Kunst und daran, wie „das Neue“ als Mechanismus an der Erzeugung der Massenkultur beteiligt war. "Das Neue ist die Sehnsucht nach dem Neuen, nicht das Neue selbst: Daran leidet alles Neue", schrieb er, besorgt darüber, dass moderne Künstler das Kunstobjekt abwerten, indem sie die Gegenwart bei der Verfolgung des Romans ständig auslöschen. Smiths nostalgische technologische Zukunft wirft einen unerwarteten Vergleich mit der ständigen Weiterentwicklung des Begriffs des Künstlers und des künstlerischen Raums auf.

„Ich bin fasziniert von der Idee des Künstlers im traditionellen Sinne und davon, wie viel Gewicht dies in der Gesellschaft hat, wie die Vorstellung des Alltags von einem Künstler ist und wie sich das darauf bezieht, was ein Künstler heute wirklich sein könnte“, sagt er. „Es ist faszinierend, Künstler zu sein. Es ist so bizarr in Bezug auf die Entwicklung des künstlerischen Berufs. “ Ein Kommentar, der zu seiner Alma Mater, der Michaelis School of Fine Art, passt, bringt Smith das Körperliche durch die Einbeziehung traditioneller Skulpturen, Holzschnitzereien, Gussteile, Radierungen und Malereien wieder in die Debatte. Bei seiner Arbeit in der bildenden Kunst geht es jedoch nicht darum, eine spirituelle, kathartische oder emotionale Verbindung wiederzubeleben, sondern erneut um die damit verbundene Nostalgie.

„Ich genieße die Tatsache, dass diese Wahrnehmung für viele Menschen da ist - dass die Leute denken, dass sie jetzt von Bedeutung durchdrungen ist, weil meine Hände es geschafft haben. Persönlich investiere ich jedoch nicht in den Begriff. Ich kann zwar Fähigkeiten respektieren, aber es macht keinen Unterschied, ob sie einem Kunstwerk mehr oder weniger Bedeutung verleihen. “