September 2009

Vaughn Sadie; Genna Gardini; James Beckett; Kemand wa Lehulere


 

 

Den Weg beleuchten

VAUGHN SADIES KÜNSTLICHE LICHTINSTALLATIONEN ENTDECKEN WEGE, IN DENEN DIESE PERVASIVEN EIGENSCHAFTEN UNSERE SOZIALEN UND RÄUMLICHEN ERFAHRUNGEN FORMEN, SCHREIBT MARY CORRIGALL.

oben unten Vaughn Sadie, ohne Titel (Risiko des Wartens), 2007-8, Infrarotlampe, 150 W.
Bewegungssensor Halogenlicht mit 5 mm 0.5 mm² x 2 co weißem Twin Flex, Art-Deco-Lampe
Ständer mit Twin Flex, Schlauchrohrspeicher, Weichstahl und 500 m verzinktem 2 mm Draht
Seil, Wandleuchte mit Glühbirne, Twin Flex und Supa-Holz, Maße variabel; Vaughn Sadie,
ohne Titel (Torheit beim Scheitern), 2009, Metallstativ, Theodolitständer, 40 W klare Glühlampe,
7 W kompakte Golfballkugel mit Weiß und 10 m 0.5 m² x 2 co schwarz Twin Flex, Abmessungen
variabel.

Eingebettet in architektonische Strukturen oder dekorative Merkmale hat künstliches Licht eine unauffällige Präsenz, die es ihm ermöglicht, soziale Normen stillschweigend durchzusetzen und räumliche Dynamik zu konfigurieren. Dies sind einige der Anliegen, die Vaughn Sadies Kunst und seine neueste Einzelausstellung untermauern Situation, die kürzlich in der Bank Gallery in Durban stattfand, wo Sadie den allmächtigen Einfluss künstlichen Lichts auspackte, nicht nur im Kontext der Kunst, wo Licht eingesetzt wird, um den Wert zu unterstreichen, sondern auch in der Art und Weise, wie es die Realität diskret (neu) konstruiert. Es war, als würde man in ein verlassenes Fotostudio oder ein verlassenes Filmset gehen. Glühbirnen saßen auf Leitern oder waren an Stativen befestigt, um diese Bereiche der Bildproduktion zu beschwören, in denen Illusionen der Realität geschickt nachgestellt werden. Aber hier ist es eine Demontage dieses Prozesses, den Sadie heraufbeschwören möchte. In anderen Fällen wurde der metaphorische Charakter des künstlichen Lichts beleuchtet. Eine Spule aus Leuchtstoffröhren befand sich auf einem kargen Boden in einer Art stillgelegten Gefängniszelle. In Anspielung auf die Sterblichkeit flackerte es zeitweise, als seine vorgegebene Lebensdauer langsam zu Ende ging.

Dunkelheit und Licht beschwören die Kernbinärdateien, von denen angenommen wird, dass sie die Existenz definieren. Leben und Tod. Gut und Böse. Wissen und Unwissenheit. Mit seinem obligatorischen Schalter, der Auswahlmöglichkeiten bietet, erzeugen künstliche Lichter die Illusion, dass diese Aktualitäten unseren Launen unterliegen. Sadies Kunst untersucht die vielen Situationen, in denen sich dieses künstliche Autoritätsgefühl abspielt. Sadie zauberte sterile Unternehmensinterieurs, in denen Gleichmäßigkeit die Produktivität fördern soll, und zeigte ein Diaprojektorbild von zwei Steckern, die in einen banalen Streifen Büroumrandung eingebettet waren. Er betitelte dieses Stück ironisch Freude am Gefühl der Kontrolle (2008) verspottet das Sicherheitsgefühl, das der Lichtschalter vermittelt.

Meistens präsentiert Sadie Szenen von obskurer Weltlichkeit, aber in diesen banalen Situationen werden die Illusionen der Realität bloßgelegt. Es ist daher von größter Wichtigkeit, dass Sadie diese bekannten Szenarien getreu darstellt. Situation bestand meist aus gefundenen und gebrauchsfertigen Objekten. Wie Jeff Koons, der sich für die Wahrung der Integrität des Readymade einsetzt, verrät auch Sadies Arbeit eine Ehrfurcht vor dem Readymade.

„Sobald Sie anfangen, es zu verändern, untergraben Sie das Objekt“, beobachtet der in Durban lebende Künstler.

Die Vertrautheit der Alltagsgegenstände, die Sadie in seiner Kunst verwendet, bietet wenig Komfort, da leicht ersichtlich wird, dass ihr zugrunde liegender Zweck nie vollständig verstanden wurde. In erster Linie erreicht er dies, indem er die physischen Strukturen, die die Allmacht des künstlichen Lichts fördern, zurückzieht und seine Unnatürlichkeit hervorhebt. In Werken wie Ohne Titel (Abstand zum Boden) (2008) sehen wir nackte Lichter, die von dekorativen Gehäusen oder architektonischen Umgebungen isoliert sind. Ein unordentliches Durcheinander von Drähten bleibt in voller Sicht.

"So viel von dieser erzwungenen Struktur und Technologie gibt es schon so lange, dass sie nicht mehr wahrnehmbar ist", sagt er. „Das fasziniert mich. Ich versuche, die Dinge zu identifizieren, die so unsichtbar, aber wirklich so präsent sind. Lichter sind auf physische Strukturen angewiesen, und indem ich sie auf Leitern zeige, mache ich diese Strukturen greifbar. “

Ohne Titel (100 m Sprint) verfügt über zwei Pushbikes mit Leuchtstofflampen, die an 200 Meter Elektrokabel angeschlossen sind. Die Installation befindet sich in einer engen Nische in der Galerie, was die Ironie verstärkt, die mit der Unfähigkeit der Objekte verbunden ist, Mobilität zu erreichen, wodurch ihre Funktionalität beeinträchtigt wird. Sadie zeigte diese Arbeit 2006 in der kurzlebigen Parking Gallery von Simon Gush, aber die Entstehung der Ausstellung geht auf das Jahr 2005 zurück, als Sadie sie konzipierte Licht verschütten für das Young Artist Project in der KZNSA Gallery in Durban. Der Titel bezieht sich auf einen Zustand, in dem sich künstliches Licht über den Umfang eines Grundstücks erstreckt.

"Wir fühlen uns sofort unsicher an Orten, an denen das Licht aufhört, insbesondere in Südafrika, wo Dinge, die außerhalb des Lichts existieren, so bedrohlich werden."

Sadie ist fasziniert von künstlichem Licht, aber seine künstlerische Entwicklung wird nicht durch diese Faszination bestimmt. Er hat ein wachsendes Interesse daran, die Compliance-Neigung seines Publikums in Frage zu stellen: „Ich konstruiere aktiv Räume, in denen untersucht wird, welche Auswirkungen Passivität haben kann.“

Um mit den Zuschauern in Kontakt zu treten, hat er eine Kunstmarke identifiziert, die sofort Resonanz findet.

„Ich mag den Alltag in der Arbeit; Es ist so einfach für die Kunst, in der Zusammenfassung zu verschwinden “, sagt er. Aber es ist auch die Weltlichkeit und Sinnlosigkeit gewöhnlicher Handlungen und die Gleichgültigkeit, die sie hervorrufen, die Sadies Interesse weckt. „Die Welt soll uns betäuben. Es ist beruhigend, weltliche Handlungen auszuführen, weil wir keine großen Fragen stellen müssen. Wir können uns einfach einen Film ansehen oder ein Buch lesen, in dem uns jemand die Komplexität unseres Lebens zeigt, ohne dass wir es tatsächlich erleben, und dann können wir einfach das Abendessen kochen und ins Bett gehen.

Mary Corrigall ist Kunstkritikerin und leitende Autorin bei The Sunday Independent.

Über Vaughn Sadie: Seit seinem Abschluss im Jahr 2003 mit einem B-Tech-Abschluss in Bildender Kunst (cum laude) hat die in Heidelberg geborene Sadie (1978) an mehreren Gruppenausstellungen auf nationaler Ebene teilgenommen. Situation, in der Bank Gallery (23. April - 28. Mai 2009), war seine erste Einzelausstellung in einem kommerziellen Veranstaltungsort und folgte seiner Ausstellung 2005, Licht verschütten, präsentiert im Rahmen des Young Artists Project der KZNSA Gallery, kuratiert von Storm Janse Van Rensburg. 2007 moderierte Sadie Lichtworkshops mit Jay Pather in den Spier Contemporary Performance Workshops. Derzeit absolviert Sadie sein MFA an der Durban University of Technology und arbeitet an seiner ersten großen öffentlichen Kommission am Durban ICC. Vaughn Sadie ist Kunst Südafrikas elftes Bright Young Thing für 2009.


 
 

WARUM KÜNSTLER POETEN HÖREN SOLLTEN

"Woher ich komme, messen wir nicht die Beziehung in Korpussen", schreibt die Dichterin GENNA GARDINI. ARYAN KAGANOF STELLT EIN AUFREGENDES NEUES TALENT EIN.

Genna Gardini.

Es ist Montag, der 25. Mai, fast Winter. Ich bin im Observatorium, um zu sehen, wie die Dichterin Genna Gardini ihre Arbeit bei Off the Wall liest, der wöchentlichen Nacht zum Lesen von Gedichten, die Hugh Hodge in einem örtlichen Café in diesem Studentenviertel organisiert. "Handys bitte stumm oder aus", heißt es in einem Hinweis. Der Dichter rückt nach vorne. Wir sind still. Gardini schreibt viel älter als sie, aber sie liest viel jünger.

„Herr, Sie zerknittern meine Broschen / wie eine gelbe Saugverpackung / nennen mich kostbar / (oder, frühreif, ich kann nicht sagen, welche / mit dem Knistern dieses Zellophan-Hymens / wie ein Deckel auf Ihrem Mund schnappte). ”

Worte sind nicht immer elektrisierend, aber sie können es sein. Gardini sagt, "Körper sind wie Leiterplatten". Ihre Stimme erfüllt das Café des Observatoriums mit einer Vorahnung der kommenden großartigen Dinge. Es gibt ein fast sichtbares Zittern, das wir alle teilen, alle fühlen sich als Teil davon, als ob die Worte von jedem einzelnen von uns kommen, von einem Ort, von dem wir immer gewusst haben, dass wir ihn beherbergten, aber nie Zugang hatten - bis zu Gardinis Stimme wurde unsere Stimme. Der Applaus ist donnernd. Gardini scheint von der Reaktion verwirrt zu sein. Hodge tritt ans Mikrofon und rät uns allen, diesen Abend in unseren Tagebüchern zu vermerken: "Die Nacht, in der Sie Genna Gardini zum ersten Mal lesen hörten."

Eigentlich erinnert mich Gardini an Janis Joplin. Ich weiß nicht warum. Gardini hat etwas unbeschreiblich Tragisches, eine Tragödie, die typisch für weise Jugendliche ist. Später spüre ich den Dichter auf. Sie beantwortet meine Fragen großzügig.

„Das erste Mal, dass ich mich daran erinnere, dass ich mich hingesetzt habe, um ein Gedicht zu schreiben, war ich in der ersten Klasse“, beginnt sie. „Also ja, zwischen sieben und acht. Mein bester Freund aus Kindertagen hat mir kürzlich eine ganze Reihe von Gedichten gegeben, die ich damals geschrieben habe. Das sind die lustigsten Dinge - ich habe immer wieder versucht, das Wort "auf" zu verwenden, aber es als "apone" geschrieben und war überzeugt, dass es eine böse Krankenschwester gab, Schwester Betty, die mich umbringen wollte. "

Ich entlade eine unvermeidliche Frage: Einflüsse. „Anne Sexton ist eine der großen, wenn nicht die größte. Ich denke, wie jede andere Schriftstellerin in meinem Alter habe ich sie, Sylvia Plath und Virginia Woolf ungefähr zur gleichen Zeit entdeckt, als die Hormone schlugen, also werden sie immer mit dieser kostbaren, unangenehmen Zeit in Verbindung gebracht. “

Was hält der Dichter von Kunst? Hat Gardini irgendwelche formalen Beziehungen zur Kunstwelt? „Ich denke, es ist ziemlich einfach, das Kunstwerk (genau wie das Lied, das Buch, den Film usw.), von dem ich damals besessen war, in einem bestimmten Gedicht zu erkennen. Joseph Szabo ist überall in der Show Geheimnisund es gibt eine Menge von Loretta Lux und Miranda July in späteren Sachen, wie Für Laura. Ich glaube, ich identifiziere mich wahrscheinlich mehr mit jemandem wie James Jean als mit den meisten Schriftstellern. Er macht auf einer viel versierteren und geschickteren Ebene das, was ich gerne tun würde, um Menschen und Märchen zu modernen Ideen von Unschuld und Sexualität zu bringen. “

Vielleicht, so wage ich es, ist es die Aufgabe des Dichters, ihre elektrische, kultische Qualität, die im täglichen Gebrauch unweigerlich verloren geht, wieder in Worte zu fassen. „Ich weiß nicht wirklich wie nicht darüber zu schreiben, woher ich komme, um dir die Wahrheit zu sagen. Beide Seiten meiner Familie zogen Mitte der 1950er Jahre von Italien nach Simbabwe, um auf den Eisenbahnen und Tabakfarmen zu arbeiten. Meine Eltern trafen sich dort (sie waren Lieblinge aus Kindertagen), heirateten und zogen dann nach Südafrika, wo sie mich adoptierten. Das ganze Erbe bindet mich hier. Außerdem würde ich nicht darüber schreiben, in den Jet zu steigen, um etwas zu kaufen Bäche oder das Wort "Fanny" über so viel zu verbreiten, wenn ich nicht Südafrikaner wäre, und ich bin sicher, dass die Arbeit darunter leiden würde. " Aber alles in allem sind wir im iPod-Zeitalter. Liest jemand mehr Gedichte?

„Ich denke, das digitale Zeitalter macht Poesie zugänglicher, anstatt sie überflüssig zu machen. Die Arbeiten werden in Blogs, Foren und eZines veröffentlicht - Sie müssen kein Literaturmagazin oder keine Anthologie mehr kaufen, um Gedichte zu lesen. Ich denke, jemand wie Lebo Mashile, der buchstäblich mit ihrer Arbeit unterwegs ist und diese Reise dann im Fernsehen überträgt, ist ein erstaunliches Beispiel dafür, wie die Arbeit hier auf einer breiteren Ebene Resonanz finden kann. “

Meine letzte Frage ist einfach und führt zu einer ebenso markigen Antwort. Warum sollten Künstler Dichtern zuhören? "Es ist gut für sie."

Aryan Kaganof ist ein Künstler und Filmemacher aus Kapstadt. www.kaganof.com.

Über Genna Gardini: Gardini wurde in Benoni (1986) geboren und hat einen BA in Englisch und Theater an der Rhodes University (2007). Ihre Gedichte wurden in veröffentlicht Panzer, Neue Münze, Treue, Neuer Kontrast, The Sentinel Literary Quarterly und Pulsars andere Poesie. Sie wurde 2004 mit dem Douglas Livingstone-Preis für Lyrik und dem Poetry Africa Schools-Wettbewerb ausgezeichnet.


 
 

SCHWERE DINGE LEICHT HALTEN

JAMES BECKETTS SOUND- UND INSTALLATIONSSTÜCKE AGITIEREN ZWISCHEN FAKTUELLEM BODEN UND EINEM ROMANTISCHEN GEHEIMNIS, SCHREIBT CLARE BUTCHER. Das Ergebnis ist eine verwirrende, aber poetische Sammlung von nicht anwendbaren informativen Kreationen.

oben unten James Beckett, NL13 - Tribüne pro Teatro all'Aperto - Castello Sfprzesco,
2008, Tusche, Gouche und weißer Bleistift auf Papier, 63 x 83 cm. Mit freundlicher Genehmigung von Luettgenmeijer,
Berlin; James Beckett, Installationsansicht von Bagnoli und Italsider als Extrakt-Arrangement2009.
Foto: Danilo Donzelli. Mit freundlicher Genehmigung von T293, Neapel.

Es ist für James Beckett nicht ungewöhnlich, Artikel darüber, wie man eine Hecke beschneidet, in einen Katalog von Werken aufzunehmen, die für ein Krebsforschungsinstitut erstellt wurden. Dieser Künstlerakkumulator-Wissenschaftler-Ingenieur ist ein Enthusiast. Nach seinem Abschluss an der Natal Technikon im Jahr 1999 hat sich der in Simbabwe geborene, fast 32-jährige und seine Praxis zwischen verschiedenen Medien, Orten und Vokabeln hin- und herbewegt - angefangen beim Experimentieren mit Kunststudenten in Nanjing, China, bis hin zur Forschung von Wanderarbeitnehmern in Kucevo , Serbien. „Es wird viel Energie verbrannt, um sich zwischen verschiedenen Welten, Sprachen und Infrastrukturen zu bewegen“, bietet er an. Es ist jedoch die gleichzeitige Verfolgung dieser verschiedenen Untersuchungslinien, die Becketts „schizophrenes“ Forschungsmodell auszeichnet.

Wir sitzen in der Kantine eines Uberkitsch-Gebäudes aus den 1970er Jahren, das erst kürzlich vom Shell Forschungs- und Technologiezentrum in Amsterdam Noord geräumt wurde. Ein kompletter Zeitsprung, die Trümmer der veralteten Unternehmenskultur - Ein- und Ausstempelkarten, Plastikbuchstaben auf einer Verletzungsstatistikplatte, Holzpaneeldecke und lila-blaugrünes Farbschema - sind fast zu viel für Beckett, um sich einzudämmen. Zu seinen jüngsten Befragungen zur Industriegeschichte in den Niederlanden gehören Projekte wie Vakuum (2003), die er in seinem Buch beschreibt, Monographie 1998-2008 (2009), als eine rigorose Untersuchung von „Geschäft und Moral in der Geschichte der Vakuumröhre“ über eine Installation elektrischer Erfindungen gespielt wurde, die ebenfalls von der niederländischen Firma Philips patentiert wurde. Diese „ständige Überprüfung verschiedener Arten, Geschichten zu erzählen, bestimmte Komponenten zusammenzusetzen, verschiedene Instanzen, um eine Welt zu schaffen“ definiert Becketts skurrilen, installationsbasierten Einsatz traditioneller und anachronistischer Materialien. "Ich habe keine Angst, Kitsch zu sein", sagt er. "Meine Arbeit ist retrospektiv und handwerklich ausgerichtet."

Inspiriert von den Constrained Writing-Experimenten der Oulipo-Gruppe, die entschlossen waren, die Literatur angesichts maßgeblicher wissenschaftlicher Forschung zu legitimieren, und sich selbst ein Labor mit Bedingungen auferlegten, um Inhalte zu generieren. Für Beckett schafft diese Art von Ansatz eine Ebene von Regeln, sei es ein historischer Hintergrund oder eine reale Reihe von Kontextmechaniken, die ihm die Struktur bieten, die Details seiner Arbeit zu verknüpfen: „Wenn Sie diese Parameter nicht überschreiten Hier erscheint dein Universum. “ Das Ergebnis dieser Agitation zwischen sachlicher Begründung und einer Art romantischem Mysterium ist eine verwirrende, aber poetische Reihe nicht anwendbarer informativer Kreationen.

Eine seiner jüngsten „Industrie-Extrakt-Arrangements“ handelt von Dalmine, einer gleichnamigen italienischen Gerüstfabrik. Die Arbeit zeigt seine Fähigkeit, in die Makrostrukturen der Geschichtsschreibung einzugreifen und die Mechanik des Persönlichen, des Dokumentarfilms und des Materials aufzudecken. Becketts „stark ausgearbeitete“ Methodik präsentiert museale Vitrinen von Unternehmensutensilien zusammen mit abgedunkelten Landschaftsgemälden und maßstabsgetreuen Maquettes leicht, da er sich vollständig in diese Unschärfe von Form und Funktion eintauchen lässt.

Ich frage ihn, warum sein Thema ohne das Gerüst zu stehen scheint, das die Arbeit vieler südafrikanischer Künstler unterstützt - Identitätspolitik oder nationales Gedächtnis. Von Anfang an, sagte Beckett, wollte er sich, inspiriert von der Herangehensweise der Nachkriegsdeutschen, "mehr auf die Mechanik des Bauens als auf die Politik konzentrieren" und ironischerweise seine Arbeit mit seinen Besonderheiten verschlüsseln Vorgeschlagene Universen, seine Arrangements entziehen sich jeder Art von übergreifender Funktionalisierung. Beckett hinterfragt die Verantwortlichkeit der Architektur größerer zeitgenössischer Kunstausstellungen in Südafrika wie der Joburg Art Fair. "Wie antwortet es für sich selbst?" er fragt. "Wie würden Sie ein anderes Modell für verschiedene Umstände entwickeln?" Becketts Rat für junge Künstler folgt diesem Bedürfnis nach Kontextbewusstsein: „Es geht viel um Ihre eigene Initiative - niemand wird Sie aus dem Süßwarenladen herausheben, während Sie in die Regale schauen. Du musst etwas Scheiße in deine Tasche stecken und rennen. “

Clare Butcher ist Autorin und Absolventin des de Appel Curatorial Program 2008/09.

Über James Beckett: Becket wurde 1977 in Simbabwe geboren und studierte an der Natal Technikon in Durban (1995-99). Nachdem er den Emma-Smith-Preis gewonnen hatte, reiste er nach Berlin und nahm später einen Platz in der Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam an. Becketts Interesse an Sound besteht seit langem: Als Student war er Mitglied der Pietermaritzburg Punkband Fingerhead mit Felix Laband. Nach der anfänglichen Arbeit mit der Installation spielt der Klang eine immer wichtigere Rolle in Becketts Arbeiten. Der Künstler ist an forschungsbasierten Aktivitäten beteiligt, die von Radiodokumentationen über nachgebildete ethnische Bands bis hin zu Museumsausstellungen reichen, die die kulturellen und physiologischen Auswirkungen von dokumentieren Lärm. 2006 inszenierte er eine Ausstellung in der KZNSA Galerie. Beckett hat kürzlich eine Monographie seiner Arbeiten im Kehrere Verlag Heidelberg veröffentlicht. Er war zuvor Gewinner des Prix de Rome für Kunst und öffentlichen Raum.


 
 

WER BIN ICH?

KEMANG WA LEHULERE ARBEITET INDIVIDUELL UND KOLLEKTIV, sowohl in der Kapstadt als auch in JOHANNESBURG. VON KABELO MALATSIE.

Zwei Standbilder aus Kemang wa Lehuleres Beitrag zu Riten der Treue / Riten der Passage,
eine Nachtausstellung mit neuen Performance-Stücken, Bag Factory, Johannesburg, 29. Juli,
2008.

Der Künstler Kemang wa Lehulere hat eine Dringlichkeit. Er schläft spät und wacht früh auf. Seine gerunzelte Stirn spiegelt einen Geist wider, dessen Ehrgeiz die verfügbaren Stunden eines Tages übertrifft. Wa Lehulere arbeitet in verschiedenen Medien, insbesondere in den Bereichen Malerei und Performance. Er ist Mitbegründer von Gugulective, einem Künstlerkollektiv mit Sitz in Gugulethu, Kapstadt. Die Gruppe stellt die Vorstellung in Frage, dass die Einwohner der Gemeinde visuell Analphabeten sind. Zu diesem Zweck haben sie die Shebeen, kwa Mlamli, als Basis für zahlreiche Treffen und Ausstellungen genutzt. In seiner individuellen Eigenschaft hat Wa Lehulere an einer Reihe von Ausstellungen im In- und Ausland teilgenommen, darunter auch an einem Auftritt bei Arte unsichtbar, Teil der spanischen Kunstmesse ARCO. 2007 inszenierte er gemeinsam mit Chuma Sopotela und Mwenya Kabwe eine Aufführung. Unyamo alunampumlo (Der Fuß hat keine Nase) und gewann eine Auszeichnung für den ersten Spier Contemporary. Obwohl er im Paradigma der zeitgenössischen Kunst arbeitet, stützen sich seine Performances auf traditionelle Rituale. Bei einer Aufführung, die kürzlich in Johannesburgs Bag Factory stattfand, ging Wa Lehulere in einem Holzkohlenmantel barfuß über geriebene Holzkohle. Im Hintergrund spielte ein Soundtrack des Künstlers, der sich die Haare kämmte. Das Reiben von Holzkohle symbolisiert persönliche oder kollektive Geschichten, die noch dokumentiert werden müssen, während das Kämmen seiner Haare ein Hinweis auf seine Identität als junger schwarzer Mann ist. Das Tragen des Mantels symbolisiert ein Xhosa-Sprichwort „uguqul iBatyi“ (wörtlich: um den Mantel umzudrehen, aber im übertragenen Sinne bedeutet dies, dass sich die Identität ändert). Der Mantel bezieht sich auch auf seine Identität als schwarzer Mann, der aufgrund seiner gemischten Abstammung manchmal als „nicht schwarz genug“ angesehen wurde. Identitätsfragen sind in einer Reihe seiner Aufführungen weit verbreitet, darunter Nichts hat sich jemals verändert (2009), präsentiert auf dem Klein Karoo Arts Festival und Uguqul 'iBatyi (2008), die Wa Lehulere in Berlin aufführte.

Interessanterweise schlägt Wa Lehuleres Vorname Kemang eine Frage vor: "Wer bin ich?" Es schlägt nicht nur eine existenzielle Frage vor, die jeden impliziert, der den Namen verwendet, sondern schlägt auch eine Identität vor, die sich immer im Aufbau befindet. "Ich bin nur ein Student auf dieser Welt und ein freiwilliger Schüler, um die schwarze Erfahrung zu verbessern", hat er selbstreferenziell erklärt. Wa Lehuleres künstlerisches Schaffen ist eine logische Erweiterung dieser Absichtserklärung und spiegelt seine Interessen an Geschichte, Trauma / Heilung, Rassismus, sozialem Körper und sozialer Vorstellungskraft wider.

Anfang dieses Jahres, im März, war Wa Lehulere Gastgeber seiner ersten Einzelausstellung, Ubontsi: Scharf Scharf!, eine Ausstellung monochromatischer Arbeiten auf Papier, präsentiert bei der Association for Visual Arts in Kapstadt. Die Arbeit war eine fantasievolle Nacherzählung von Geschichten und Ereignissen, die in Wa Lehuleres Familie vor seiner Geburt stattfanden. Der Haushalt von Wa Lehulere wird größtenteils von Frauen geführt, die während der Apartheid illegal Alkohol verkauften. Diese biografische Tatsache hat die Geschichte seiner Familie beeinflusst und geprägt. Die Arbeit, die einen Aspekt seiner Familiengeschichte wieder aufgreift, über den nie gesprochen wurde, spielt nicht in die Falle des Opfers. Die Hinrichtungen von Wa Lehulere sind spielerisch, aber respektvoll. Seine Kunst schafft es, den Betrachter lange nach der physischen Begegnung zu verfolgen. Der Einfluss des Surrealismus ist deutlich zu erkennen. Seine Arbeiten erinnern an den zyprischen Shilakoe und den spanischen Künstler Juan Miró.

Laut dem Künstler ist „die Weigerung, Gesichter in meinen Gemälden darzustellen, Ausdruck einer Identität, die abgelehnt wurde“. Diese Strategie verleiht Wa Lehuleres Arbeit eine rätselhafte Qualität, die mehrere Lesungen ermöglicht. Gelegentlich führen seine Bilder zu wörtlichen Lesungen, wobei Wa Lehulere schriftliche Slogans in seine Arbeit einbezieht. Eine solche Arbeit enthält den Ausdruck „wit kaffer“ (weißer Kaffir) und verweist auf Wa Lehuleres Einsatz semiotischer Geräte zur Auseinandersetzung mit Identitätsproblemen.

Obwohl Wa Lehulere noch jung ist, musste er schnell erwachsen werden. Seine Reife zeigt sich nicht nur in seiner gerunzelten Stirn, sondern auch in seinem politischen Bewusstsein, der Sensibilität seiner Arbeit, der Schärfe seines Geistes und der Großzügigkeit seines Humors.

Kabelo Malatsie ist Student an der Universität von Johannesburg.

Über Kemang wa Lehulere: Wa Lehulere wurde 1984 in Kapstadt geboren und lebt derzeit in Johannesburg. Er ist praktizierender Videokünstler, Grafiker, Maler und Performancekünstler. 2007 war er in Ausstellungen in der Bag Factory aktiv und nahm daran teil Riten der Treue / Riten der Passage, eine Nachtausstellung mit neuen Performance-Kunstwerken, die auf einen Performance-Workshop unter der Leitung von Johan Thom folgte. Als ehemaliges Mitglied von Gugulective und derzeitiges Mitglied des Dead Revolutionaries Club heißt es in seiner Biografie auf dessen Website: „Er hat unverschämt BEE-Ambitionen und hofft, eines Tages ein Haus-Nigger zu sein.“ Kemang wa Lehulere ist Kunst Südafrikas zwölfte Bright Young Thing für 2009.


Erstmals veröffentlicht in Art South Africa Volume 8: Issue 01