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Schnappte im Gespräch mit Délio Jasse

Délio Jasse wurde 1980 in Luanda geboren. Mit 18 Jahren zog er nach Lissabon, wo er in den Serigraphy Studios zu arbeiten begann. Hier hatte er seinen ersten Kontakt mit verschiedenen Drucktechniken, durch die er bald die Fotografie entdeckte. Er begann mit den technischen Möglichkeiten dieser Ausdrucksweise zu experimentieren und war besonders fasziniert von alternativen Verfahren wie dem Cyanotyp, dem Platin / Palladium-Druck und dem Van Dyck Brown. Jasses Arbeiten sind derzeit im Rahmen des offiziellen angolanischen Pavillons im 56 ausgestelltth Biennale von Venedig. Dieses Interview erschien in geschnappt 05: Das digitale Problem.

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OBEN: Bild aus dem Videointerview 'Délio Jasse Terreno Ocupado' von Making Art Happen. Mit freundlicher Genehmigung von Art Happening.

geschnappt: Hallo Délio. Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, mit uns über Ihren fotografischen Prozess zu sprechen. Wie würden Sie zunächst Ihre Arbeit beschreiben?

Délio Jasse: Ich würde meine Arbeit als ständiges „work in progress“ definieren, ein nie endendes Experiment, bei dem die Fotografie als Hauptwerkzeug verwendet wird.

Was hat dich zur Fotografie geführt?

Ich habe mich in die Fotografie verliebt, nachdem ich in einem Atelier für Siebdruck gearbeitet habe. Im Atelier gab es ein Fotostudio, in dem wir durch Trennen der Farben Fotolithen schufen. Ich bin seitdem ein Fan.

Würden Sie sagen, dass Ihre Arbeit fotografisch inspiriert ist?

Ich bin inspiriert von dem Gedanken, mit Fotografie zu experimentieren, aber wie Sie sehen können, ist meine Interaktion mit Fotografie nicht konventionell. Durch Überlagern und Überlagern meiner Bilder reduziere ich die Schärfentiefe, die üblicherweise mit Fotografie verbunden ist. Also ja, um Ihre Frage zu beantworten, würde ich sagen, dass ich fotografisch inspiriert bin, obwohl ich meine Arbeit nicht als rein fotografisch bezeichnen würde. Obwohl es für meine Arbeit - als Ausgangspunkt meiner Experimente - von wesentlicher Bedeutung ist, ist es nicht der Eckpfeiler meiner Rede.

Gibt es afrikanische Fotografen, die Sie inspirieren?

Ich habe nicht wirklich eine „afrikanische“ Inspiration, obwohl es viele afrikanische Künstler gibt, die ich bewundere und respektiere. Ich bewundere Künstler, die keine Angst haben, mit den verschiedenen Möglichkeiten des fotografischen Mediums zu experimentieren.

Wie denkst du über die Aussage "Jeder ist ein Fotograf?"

Ich glaube, solange wir sehen können, können wir es als Kunstform reproduzieren.

Bei Ihrer ersten Ausstellung in Südafrika, 'Ausência Permanente' im SMAC Kapstadt 2014, wurde Ihre Arbeit mit einem Palimpsest verglichen. Was bedeutet das? Stimmen Sie dieser Aussage zu?

In Nancy Dantas 'Worten bezieht sich der Begriff wörtlich auf das Lesen und Veröffentlichen von Manuskripten, bei denen Wissenschaftler Schichten umgeschriebenen Textes aufdecken, untersuchen und zusammenfügen. Meine Arbeit konzentriert sich hauptsächlich auf das Konzept des latenten Bildes und seine tiefere Bedeutung. Deshalb erstelle ich meine Arbeit so, dass Sie gezwungen sind, mit dem Stück zu interagieren, damit sich die verborgenen Botschaften offenbaren können. Ein Großteil des Prozesses ist der Verbindung der Elemente durch die verschiedenen Ebenen gewidmet, um die Erzählung für eine einzigartige Geschichte zu erstellen. Meine jüngste Serie 'Ausência Permanente' ist ein perfektes Beispiel dafür, wie ich das latente Bild in meine Arbeit einbeziehe.

Haben Sie sich deshalb entschieden, die Serie 'Ausência Permanente' als Installation zu produzieren?

Installationsstücke haben mich schon immer fasziniert. Ich glaube, dass die physische Dimension der Bilder unabhängig von ihrem gedruckten Medium genauso wichtig ist wie das tatsächliche Objekt, das fotografiert wurde. Für 'Ausência Permanente' hat die Entscheidung, es als Installation zu präsentieren, zwei miteinander verbundene Gründe.

Erstens wollte ich in erster Linie die Art und Weise ändern, wie wir Bilder betrachten. Wir sind es gewohnt, dass uns Bilder in Horizontansicht an einer Wand präsentiert werden. Wir schauen sie daher frontal an und sehen nur, was es direkt vor uns ist. Durch die Anzeige der Bilder auf dem Boden zwang ich den Betrachter, ihren typischen Blickwinkel und folglich seine Interaktion mit dem Stück zu ändern. Die Installationen weisen den Betrachter an, durch das Projekt zu wandern, und ermutigen ihn, einen tieferen Einblick in die Geschichte hinter den ausgewählten Themen zu erhalten.

Meine zweite Motivation für die einzigartige Präsentation ist, dass ich die Bilder mit zahlreichen Informationsebenen erstellt habe. Indem die Betrachter gezwungen werden, mit den Stücken zu interagieren, haben sie die Möglichkeit, das Bild sowohl horizontal als auch vertikal zu betrachten, sodass sie mehr Zeit haben, alle im Bild vorhandenen Elemente zu sehen und zu „lesen“. Hoffentlich können sie die Bilder dann umfassend erleben. Ich denke, wenn ich eine traditionellere Präsentation für die Arbeit gewählt hätte, hätte der Betrachter einige (oder alle) dieser grundlegenden Informationen übersehen.

Welche tiefere Bedeutung wollten Sie Ihrem Publikum vermitteln, als Sie "Ausência Permanente" kreierten?

Diese Serie konzentriert sich darauf, wie die Überreste unserer Vergangenheit unsere Zukunft beeinflussen können. Ich hoffte, die Zuschauer dazu zu bringen, über ihre eigenen Geschichten nachzudenken, indem ich das glaubwürdige Material, das ich zu meinen Themen gesammelt hatte, in ein interessantes Kunstwerk verwandelte, das eine narrative Rolle spielte.

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OBEN: Installationsansicht von 'Ausência Permanente' im SMAC Kapstadt. Bild mit freundlicher Genehmigung von SMAC.

Was war der Zweck, eine Umgebung für die Bilder zu schaffen, indem sie in Wasserbädern schwebten?

Meine Arbeit enthielt immer versteckte Botschaften, die nur enthüllt werden, wenn ich Zeit mit dem Stück verbracht habe. Ein Teil des Bilderstellungsprozesses besteht darin, dass Sie Ihren Druck in einem Entwicklungstank ablegen und warten müssen, während die Chemikalien ihre Magie entfalten und Ihnen das verborgene Bild zeigen. Durch die Erfassung dieses Prozesses habe ich den Begriff des „latenten Bildes“ gefördert.

Sie wurden in Angola geboren und sind nach Portugal gezogen. Gab es als Künstler in Angola irgendwelche Probleme, die Ihre Praxis beeinflussten?

Ich habe erst als Künstler angefangen zu experimentieren, als ich nach Portugal gezogen bin, daher kann ich Angola nicht für irgendwelche Probleme verantwortlich machen, die ich bisher als Kreativer angetroffen habe. Ich besuche jedoch immer noch Angola und obwohl die Situation etwas ungewiss ist, ist es definitiv eine aufregende Zeit für angolanische Künstler, entdeckt zu werden. Es gibt bereits einige Galerien und Institutionen, die Künstler bei der Weiterentwicklung ihrer Arbeit unterstützen. Aufgrund der finanziellen Situation des Landes im Verlauf des Bürgerkriegs wird es jedoch noch einige Zeit dauern, bis Angola über das zusätzliche Kapital verfügt, um diese angehenden Künstler zu unterstützen.

Sie konzentrieren sich hauptsächlich auf die Ruinen des portugiesischen Reiches; Sind sie Teil Ihres persönlichen Erbes?

Ich kann nicht leugnen, dass meine Anziehungskraft auf die Ruinen darauf zurückzuführen ist, dass ich durch meinen Urgroßvater, der direkt portugiesisch anständig war, irgendwie mit ihnen in Beziehung treten kann. Obwohl ich stolz auf mein Erbe bin, kann ich nicht sagen, dass es das beabsichtigte Thema für dieses Werk war. Dies ist ein gutes Beispiel dafür, wie ich die versteckte Nachricht in einem Bild verwende. Durch das Fotografieren der Ruinen wollte ich einen Kontrast zwischen dem, was das Bild ursprünglich darstellte, und dem, was es jetzt symbolisiert, schaffen.

Sie haben es geschafft, sehr komplizierte Installationen zu erstellen, indem Sie die Pässe, Visa, Briefe, Alben, Fotos und sogar Todesanzeigen von Personen in die verschiedenen Ebenen Ihrer Arbeit aufgenommen haben. Wie fördern diese Einschlüsse Ihr Konzept?

Ich fand die unendlichen Möglichkeiten der Fantasie immer faszinierend und habe große Inspiration daraus erhalten, wie eine ganze Geschichte mit Hilfe eines einzigen Hinweises erstellt werden kann. Indem ich diese konkreten Hinweise in meine Arbeit einbeziehe, möchte ich darauf hinweisen, dass eine bedeutende Geschichte darauf wartet, erzählt zu werden. Wenn sich die Kluft zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft festigt, kann die Vorstellung davon, was war und was ist, gewürdigt werden.

Was halten Sie davon, Kunst mit digitaler Technologie zu produzieren, eine Praxis, die für unsere moderne Zeit maßgeblich geworden ist?

Ich glaube, dass Künstler ermutigt werden sollten, alle ihnen zur Verfügung gestellten Materialien zu nutzen, sofern dies das Konzept fördert. Persönlich versuche ich, mich so wenig wie möglich auf Technologie zu verlassen, aus Angst, die Authentizität meiner Arbeit zu verlieren. Durch die Interaktion mit jedem Element, während ich sie Stück für Stück zu einem Werk zusammenstelle, schaffe ich einen völlig einzigartigen Stil, der von digitalen Maschinen nicht geschmiedet werden kann.

Was macht Fotografie heute aus? Wird es immer noch als statisches Bild betrachtet, als erfasste Erinnerung in der Zeit, oder ist es jetzt darüber hinaus in ein neues Reich übergegangen?

Ich denke, dass sich Fotografie immer auf ein „einfaches“ Standbild bezieht, aber es hat sich langsam in etwas anderes verzweigt, ein Werkzeug, das über das Bild hinausgeht, das es darstellt. Ich finde es wirklich interessant, wie beide Ansätze heute in vollem Umfang in Kraft sind.

Was können wir in naher Zukunft von Ihnen erwarten?

Nun, ich werde weiter experimentieren, das ist sicher!