Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Lambda-Druck, 100 x 79 cm. Ausgabe von 5. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Officine dell'Immagine, Mailand.

SOLO [P1]

SOLO auf der Investec Cape Town Art Fair 2018

Um die künstlerischen Praktiken aufstrebender und etablierter Künstler im In- und Ausland besser kennenzulernen, stellte die Investec Cape Town Art Fair 'SOLO' vor - eine Auswahl von Einzelpräsentationen, deren Ausgabe von Nontobeko Ntombela kuratiert wurde.

In seiner ersten Iteration widmet sich 'SOLO' ausschließlich Künstlerinnen - und bietet gleichzeitig unterschiedliche Perspektiven auf die weit verbreiteten gesellschaftspolitischen Probleme, mit denen Frauen konfrontiert sind, und hebt ihren bedeutenden Beitrag zur Kunstwelt hervor.

KUNST AFRIKA sprach mit diesen Künstlern, um mehr über ihre künstlerische Praxis und die konzeptuellen Erzählungen hinter ihrer Arbeit zu erfahren.

 

Pamela Phatsimo Suntrum

Pamela Phatsimo Sunstrum, Sightseer (Detail), 2017. Bleistift und Gouche auf Aquabord, 22,5 x 30,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Pamela Phatsimo Sunstrum, Sightseer, 2017. Bleistift und Gouche auf Aquabord, 22,5 x 30,5 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

 

Angetrieben von der Faszination für Mythologien und wissenschaftliche Theorien sinniert Pamela in ihren Papierarbeiten, großformatigen Installationen und Stop-Motion-Filmen über die Ursprünge der Zeit, transnationale Identitäten und Ideen über das Universum.

 

Sie haben an verschiedenen Orten auf der ganzen Welt gelebt und gearbeitet, und Ihre Arbeit hat sich mit der Entwicklung transnationaler Identitäten, menschlicher Verbindungen und grenzüberschreitender Rituale befasst. Inwiefern hat Ihre nomadische Erziehung Ihre Praxis beeinflusst, und warum werden diese Themen am besten durch einen interdisziplinären Ansatz zur Kunstherstellung kommuniziert?

Meine Arbeit basiert auf Zeichnen und umfasst Arbeiten auf Papier, Installation, Animation und Performance. Ich bin derzeit daran interessiert, meine Arbeit zu nutzen, um Parallelen zwischen der alten Kosmologie und fortgeschrittenen Theorien in der Wissenschaft zu untersuchen. Ich finde es faszinierend, dass sowohl unsere ältesten Vorfahren als auch die futuristischsten Wissenschaftler immer die gleichen Fragen gestellt haben: Wer sind wir? Warum sind wir hier? Wie wurde das Universum geschaffen? Aus was ist es gemacht? Von noch größerem Interesse für mich sind die oft politisierten Machtkonstrukte, die die Suche nach Antworten auf diese Fragen beflügelt haben.

In meiner frühen Arbeit baute ich eine mythologische Erzählung auf, die lose autobiografisch war. Ich hatte ein Alter Ego namens Asme erfunden, das zum Helden in der Erzählung wurde. Diese Mythologie wurde von der Sorge um meine eigene komplizierte Erfahrung meiner eigenen Identität angetrieben. Meine Mutter stammt aus Botswana, wo ich geboren wurde, und mein Vater ist Kanadier. Ich bin in vielen verschiedenen Ländern und Kulturen aufgewachsen. Als solches war mein Identitätsgefühl fließend, transkulturell und transgeografisch.

Die Verknüpfung meines Interesses an Mythologie und Wissenschaft ist eine subtile Politik in meinem Prozess der Bildherstellung - ich glaube, der Akt der Vorstellung ist eine politische Handlung. Als zeitgenössischer afrikanischer Künstler halte ich es für eine besonders radikale politische Aktion, sich eine noch nicht bekannte Zukunft vorzustellen und sie zu besetzen. Ich verweise hier auf Deleuzes Schriften über das "Werden", in denen er beschreibt, dass ein unterdrücktes Volk am mächtigsten und mächtigsten ist, wenn es sich in einem Zustand des "Werdens" befindet: das heißt, eine Flüssigkeit, die noch nicht bekannt ist bilden. Daher stelle ich mir meine Arbeit oft als Diagramme, Schemata, Karten, Beacons und Navigationsgeräte vor, die auf eine radikale, noch nicht bekannte Identität hinweisen.

 

Lhola Amira

 

Lhola Amira, Sinking, Xa Sinqamla Unxubo, 2018. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der SMAC-Galerie Kapstadt / Johannesburg.Lhola Amira, Xa Sinqamla Unxubo (Sinking), 2018. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und der SMAC-Galerie Kapstadt / Johannesburg.

 

Lhola ist an der Schnittmenge zwischen „real“ und „performativ“ interessiert und entwirft Kunstwerke, die sich mit Streitfragen befassen - sozioökonomische und politische Bedingungen für Rasse, Geschlecht, Sexualität und geografische Lage - und verhandelt nahtlos über die Rolle des Redners. Aktivist und Salbei.

Es ist fast ein Jahr seit Ihrer ersten Einzelausstellung "Looking for Ghana and the Red Suitcase" in der SMAC Gallery in Stellenbosch vergangen. Wie hat sich Ihre künstlerische Erzählung seitdem entwickelt und konzentriert sich Ihre Arbeit immer noch weitgehend auf die Vorstellung von Afrika?

Je mehr wir uns für uns selbst interessieren und suchen, desto mehr verschiebt sich die Erzählung. Je mehr ich nach Wegen zur kollektiven Heilung von Schwarzen suche, desto mehr zieht es mich zur Wunde - was die Wunde ist und woraus die Wunde besteht. Um zu heilen, müssen wir wissen, wo es weh tut und warum. Und ich spreche nicht von einer Verallgemeinerung des schwarzen Schmerzes, sondern davon, die Komplexität und Nuancen der schwarzen Vertreibung und Enteignung auszupacken. Wenn wir uns Afrika wirklich vorstellen müssen, müssen wir uns seine Wunden wirklich ansehen und welche Mechanismen diese Wunden in einem postkolonialen, dekolonisierten, unabhängigen Moment und ganz offen gesagt, wie diese Wunden als alltägliche Existenz normalisiert wurden, eitern lassen und wer davon profitieren darf.

Meine künstlerische Erzählung ist weitgehend geprägt vom Auspacken historischer Erzählungen und der Vorstellung von Afrika - so entsteht die Arbeit aus diesem Zwischenraum, dem Handlungsraum.

Mein Ausgangspunkt bei der Vorstellung von Afrika ist es, diesen gegenwärtigen Moment in Afrika zu betrachten und zu sagen: Nun, so sieht das dekolonisierte Afrika tatsächlich aus - denn wir haben bereits die Arbeit geleistet, uns durch Systeme, Infrastrukturen und Institutionen, die es wissen, neu zu definieren und neu zu positionieren wie man uns diskriminiert und tötet. Um sich Afrika vorstellen zu können, sind möglicherweise neue Sensibilitäten erforderlich, um unsere Sprache und unser Denken zu verändern und über den Kontext der Entkolonialisierung hinauszugehen, da wir bereits wissen, was uns das gegeben hat.

 

Lucinda Mudge

 

Lucinda Mudge, Immer wieder vom Leben gefickt (Detail). Keramikvase. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Everard Read CIRCA Gallery.Lucinda Mudge, Immer wieder vom Leben gefickt zu werden (Detail). Keramikvase. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Everard Read CIRCA Gallery.

 

Mudges Vasen arbeiten hauptsächlich in der Keramik und sind farbenreich und detailreich - sie vereinen sich zu einer Einheit, um die Fähigkeit der Menschheit zu widersprüchlichen Impulsen zu feiern.

 

Bei der Arbeit mit Keramik dreht sich Ihr Thema hauptsächlich um das Schöne und das Gewalttätige und strahlt dennoch Sinn für Humor aus. Warum ist es für Sie wichtig, diese Präsenz von Humor, Ironie und manchmal Spott in Ihrer Arbeit beizubehalten?

Durch die Herstellung von Keramikvasen füge ich mich in ein Genre ein, das fast so alt ist wie die Menschheit. Ich beziehe mich oft auf das dekorative Design von beispielsweise einer Vase aus dem 14. Jahrhundert oder einer Art-Deco-Vase - und füge dieser Grundlage dann meinen eigenen Text oder meine eigenen Bilder hinzu. Wir kennen das Bild einer dekorativen Vase und sehen es dann durch etwas Unerwartetes ausgeglichen.

Ich benutze Humor, Ironie und Spott, um authentische Fragen zu stellen. Die Arbeit kann auf zwei Ebenen ausgeführt werden, da dem Betrachter manchmal nicht klar ist, ob es ernst ist oder nicht. Der Humor, den Sie in meinen Vasen sehen, ist Teil dessen, wer ich bin, und dies kommt in meiner Arbeit zum Ausdruck. Ich behandle die Töpfe als Zeichen, die ausdrücken können, was normalerweise unaussprechlich ist.

Ich interessiere mich für den menschlichen Geist - die guten und die schlechten Zeiten. Ich denke, meine Vasen spiegeln das wider. Sie sind schillernd, gold und wunderschön, aber es gibt auch eine Schwere.

 

Maimouna Guerresi

 

Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Lambda-Druck, 100 x 79 cm, Auflage 5. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Officine dell'Immagine, Mailand.Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Lambda-Druck, 100 x 79 cm, Auflage 5. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Officine dell'Immagine, Mailand.

 

Der in Italien geborene Maimouna konvertierte nach seinem Aufenthalt im Senegal zum Islam und schuf weiterhin Kunst, um die gemeinsame Menschlichkeit über Grenzen hinweg zu würdigen - psychologisch, kulturell und politisch.

 

Ihre Fotografien enthüllen eine wahre Mystik, die oft ein Gefühl der Spiritualität impliziert - und speziell den islamischen Glauben erforscht. In vielerlei Hinsicht scheinen sich die fotografierten Körper einer begründeten Beziehung zur Realität zu widersetzen.  Es ist bekannt, dass Sie vom Katholizismus zum Islam konvertiert sind. Hat Ihre religiöse Einstellung und Ihr Übergang Einfluss darauf, wie Sie Kunst schaffen?

Mein Interesse gilt hauptsächlich der Untersuchung der islamischen weiblichen Spiritualität. Die muslimische Esoterik, insbesondere die von Sufi orientierte, repräsentiert für mich den authentischen und reinen Weg zum inneren Bewusstsein.

Durch meine Praxis beabsichtige ich, die verschiedenen Aspekte der muslimischen Spiritualität demokratischer und pluralistischer zu interpretieren. Mein visuelles Lexikon zielt darauf ab, die unterschiedlichen Qualitäten der muslimischen Frau in der westlichen und islamischen Gesellschaft zu unterstreichen und hervorzuheben. Dabei konzentriere ich mich hauptsächlich auf das Studium des mystisch verschleierten Körpers als Wert der Vielfalt und das damit verbundene Unbehagen und die damit verbundene Faszination - und versuche immer, eine stereotype Sicht der islamischen Religion zu vermeiden.

Einstellungen, Charaktere, Kleider und alle Hintergrundobjekte werden von mir immer mit großer Sorgfalt und Aufmerksamkeit ausgewählt, weil sie meine persönliche Erforschung eines inneren und ästhetischen Gleichgewichts symbolisieren. Sogar die Schriften, die ich in meine Werke einbeziehe, sind nicht nur Ornamente, sondern müssen vor allem für ihre esoterische und thaumaturgische Bedeutung gesehen werden.

In meinen neuesten Arbeiten habe ich versucht, noch weiter voranzukommen, indem ich die tiefe Verbindung zwischen Mensch und Natur untersucht habe und wie die Natur helfen kann, unsere viszerale Identität zu entdecken. Dies schafft eine metaphysische Dimension, die durch die Wahrnehmung von „Suspendierung“ gekennzeichnet ist - ein kosmischer Raum, der nicht von einer gewöhnlichen und konventionellen Zeit diktiert wird.

 

Stacey Gillian Abe

 

Stacy Gillian Abe, Ehrenplatz Nr. 5 (Performance Stills), 2017. Acht Stills bilden die Sammlung Seat of Honor. Terrakotta, Füllstoff, Gips, Harzkleber, Mullfaden, Baumwolle, Acryl. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Stacy Gillian Abe, Ehrenplatz # 5 (Performance Stills), 2017. Acht Stills bilden die Sammlung Seat of Honor. Terrakotta, Füllstoff, Gips, Harzkleber, Mullfaden, Baumwolle, Acryl. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

 

Staceys Arbeit basiert auf früheren Erfahrungen und berücksichtigt sowohl die Stärke als auch die Zerbrechlichkeit des weiblichen Geistes. Sie versucht, stereotype Darstellungen dessen zu kritisieren, was es bedeutet, eine schwarze Frau zu sein.

 

Konzeptionell erforscht Ihre Kunst Identität und Spiritualität - wobei Sie sich hauptsächlich auf Frauen konzentrieren.  Derzeit gibt es eine weltweite Schweigepause zur Unterstützung von Frauen und der erlittenen sexuellen Gewalt. Wie kommuniziert Ihre Arbeit einige der relevanten Themen, mit denen sich womxn heute befasst?

Ich betrachte mich gerne als Animist - nicht nur wegen der allgemeinen Faszination für das spirituelle Reich und einiger obskurer Begegnungen in der Kindheit mit dem Mystischen, sondern auch, weil traditionell die Lugbara im Nordwesten Ugandas oder im West-Nil (mein angestammtes Dorf und meine Geburt) leben Ort) sind Animisten und glauben, dass alle materiellen Phänomene Einfluss haben - dass es keine feste Unterscheidung zwischen der geistigen und der physischen (oder materiellen) Welt und einem Leben gibt, das sich an einem inneren Wesen orientiert. Ich glaube, es gibt eine sehr dünne Lücke zwischen real und surreal.

Die Arbeit spricht für ein inneres Selbst. Eine Stärke, die nicht gesehen, sondern gefühlt wird und die tiefe Verbindung mit Seele und Geist und dem, was überwunden werden kann. Es spricht von einer Kraft und Fähigkeit, die beschworen werden kann. Insgesamt unterstreicht es die Geschmeidigkeit des Geistes, die sich aus einer individuellen Erzählung und früheren Erfahrungen ergibt. Der Prozess, mit meinem Körper im Spiel herumzuarbeiten, ist eine Metapher für die Dissoziation und den Übergang oder die Transformation von stereotypen Darstellungen einer schwarzen Frau - jetzt jenseits des physischen Zustands und in den spirituellen Bereich, der aus einer psycho-emotionalen Perspektive untersucht wurde. Die Suche schneidet durch das physische Gefühl der Unvollständigkeit, durch die geistige Instabilität, meinen starken spirituellen Willen und wie andere sich darauf beziehen.

 

AUSGEWÄHLTES BILD: Maimouna Guerresi, Rābi'a (Detail), 2016. Lambda-Druck, 100 x 79 cm. Ausgabe von 5. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers & Officine dell'Immagine, Mailand.