Bewusstseinsströme

Die 12. Ausgabe der Rencontres de Bamako, auch bekannt als Afrikanische Biennale für Fotografie, erreichte in diesem Jahr zwei wichtige Meilensteine, indem sie ihr 25-jähriges Bestehen seit ihrer Gründung im Jahr 1994 feierte. Noch wichtiger ist, dass es die erste Ausgabe war, die ausschließlich vom Ministerium für Fotografie produziert wurde Kultur von Mali

N'diaye Rama Diallo, Kulturminister von Mali, erklärte: „Dieses viszerale Bedürfnis, die eigene Geschichte zurückzugewinnen und ein anderes Bild von sich selbst zu fördern, beruht darauf, dass in einigen westlichen Köpfen ein großes Klischee über Afrika fortbesteht, in dem sich Savannen vermischen reichlich vorhandene Fauna; Stammes-, ethnische oder Clankrieg; exotische Folklore; Epidemien und chronische Hungersnöte; Kurz gesagt, eine Vielzahl von Vorurteilen, die der Geschichte Afrikas, der Vielfalt seiner (kulturellen) Reichtümer oder dem Genie und der fruchtbaren Begeisterung der Afrikaner nicht gerecht werden.

Unter der Leitung von Lassana Igo Diarra war die Demokratisierung der Veranstaltung von größter Bedeutung und unter der künstlerischen Leitung von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung zusammen mit seinen Co-Kuratoren Aziza Harmel, Astrid Sokona Lepoultier und Kwasi Ohene-Ayeh Verschiedene Ansätze, bei denen rund 95% aller Ausstellungsarbeiten in Bamako selbst produziert wurden. Dies ist angesichts des Engagements der neuen Veranstaltungsleitung zur Lokalisierung der Produktion zum Nutzen der lokalen Gemeinschaft und der Wirtschaft von Bamako von Bedeutung.

Die diesjährige Ausgabe hatte auch einen ehrgeizigen Umfang, in dem das Nationalmuseum von Mali als zentraler Ausstellungsort mit den über die Stadt verteilten Ausstellungen und Vorträgen dezentralisiert und an zahlreichen berühmten Orten präsentiert wurde, darunter im Musée National, im Palais de la Culture und im Memorial Modibo Keita , Musée du District, Konservatorium für Kunst und Kunst, Multimédias, Institut Français, Galerie La Medina, Famille Fall, Theater Blonba mit einem DJ-Set in der berüchtigten Bla Bla-Bar.

DAS PLÖTZLICHE SCAMPERING IM UNTERWACHSTUM: Bei Anwesenheit des Unsichtbaren, der Ferne und anderer gespenstischer Dinge

ERIC GYAMFI

Fixing Shadows, Julius und ich, 2018-2019, Foto- und Toninstallation. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Fixing Shadows, Julius und ich beginnt mit einem Interesse daran, was mit dem Leben eines Fotos passiert, wenn es sich durch die Zeit bewegt. Die Arbeit befasst sich mit dem Raum zwischen zwei Fotografien - die erste zeigt den schwarzen amerikanischen Komponisten, Sänger, Pianisten und Tänzer Julius Eastman und die andere das Gyamfi-Selbstporträt des Künstlers. Als Koordinaten gelesen, versucht das Projekt, durch verschiedene Zeiten und Begegnungen die Möglichkeiten und Möglichkeiten herauszufinden, die ein Raum verkörpern könnte. Die Installation besteht aus etwa 2000 Siebdrucken und Cyanotypiedrucken (zwischen A2 und A5), die im Laufe eines Jahres hergestellt und direkt auf einer Struktur von 300 x 500 x 30 montiert wurden. Eine einstündige, zwölfminütige Audiospur, die aus WhatsApp-Sprachnotizen von Freunden der Künstler zusammengesetzt ist, schleift. Die Audioaufnahmen werden von Gyamfis Wunsch angeregt, das Porträt über die Flachheit eines Bildes hinaus zu erweitern. Es handelt sich um Zusammenstellungen von Sprachnotizen, die von Freunden an ihn gerichtet wurden, die die beiden Porträts beschreiben, die er ihnen gesendet hat, und wie sie sie einzeln lesen. Die rechteckige Struktur zeigt ein Palimpsest von Bildern, die in Rasterform erstellt und aus den beiden Originalporträts (neu) hergestellt wurden. Gyamfis Arbeit berücksichtigt gleichermaßen, was sich auf der Oberfläche einer fotografischen Unterstützung befindet, mit den narrativen und formalen Komponenten einer Idee. Wenn die Fotografie das Auge als Standardlogistik der Wahrnehmung privilegiert, erweitert Gyamfi die Körperlichkeit des Bildes und die daraus resultierende Frontalität auf akustische, textuelle und strukturelle Dimensionen. Seine Arbeit lädt uns ein, die Fotografie auch in ihren außerbildlichen Formen zu betrachten.

FANYANA HLABANGANE

Stille Gespräche (Graceful Chaos), 2017-2019, Foto.Stille Gespräche (Graceful Chaos), 2017-2019, Foto.

Die Schwarz-Weiß-Fotoserie von Fanyana Hlabangane fängt menschliche Figuren, architektonische Formen und andere Objekte in alltäglichen, privaten oder einsamen Momenten in der Stadt Johannesburg ein. Der als Drehbuchautor ausgebildete Künstler identifiziert sich eng mit der Einsamkeit und erweitert diese durch seine Kamera, indem er die Straßen durchsucht und einsame Figuren dokumentiert, die als Erinnerungen oder Spiegel an seinen eigenen Zustand dienen. Er ist fasziniert von der Möglichkeit, mit der Kamera sowohl unsere Innenräume als auch Menschen oder die inneren Gedanken zu registrieren, die möglicherweise in den Nischen unseres Geistes verborgen und vergraben bleiben. Durch seine Kamera stellt er eine Identifikation mit interessierenden Personen her, die sich seiner Anwesenheit im Allgemeinen nicht bewusst sind. Dies sind Personen, die entweder im Gespräch sind oder im Widerspruch zu ihrer Umgebung zu stehen scheinen. Für Hlabangane gibt es in Johannesburg eine Skala, die nicht nur das Zugehörigkeitsgefühl in den Schatten stellt, sondern auch die Hoffnungen und Träume eines Menschen untergraben kann. Doch jeder wache Moment in einer Stadt wie dieser kann nur in seiner körnigen Essenz verwirklicht und im Bereich des Inneren erlebt werden - diesem nervenden Ort der Einsamkeit.

BUHLEBEZWE SIWANI

AmaHubo, 2018, 3-Kanal-Video, 13ʹ01ʺ. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und WHATIFTHEWORLD /.AmaHubo, 2018, 3-Kanal-Video, 13ʹ01ʺ. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers und WHATIFTHEWORLD /.

Buhlebezwe Siwanis Arbeit hinterfragt im Allgemeinen die patriarchalische Gestaltung des schwarzen Frauenkörpers sowie die Erfahrung der schwarzen Frau im südafrikanischen Kontext. Ihre Arbeit untersucht auch die Auswirkungen westlicher Ideale von Schönheit, Macht, Geschlecht und Spiritualität in der heutigen südafrikanischen Gesellschaft. AmaHubo ist eine dreikanalige Videoinstallation, deren Thema aus der Verunglimpfung und dem Niedergang afrikanischer religiöser und spiritueller Überzeugungen stammt, die größtenteils der euro-christlichen Eroberung und Kolonialisierung Südafrikas zu verdanken sind. Von besonderem Interesse ist die Instrumentalisierung des schwarzen weiblichen Körpers und wie er die Geschichten bestätigt, die in den Körper und Geist schwarzer Frauen eingraviert sind - ob sie an das Christentum glauben oder traditionelle Heilerinnen. Das Video verbindet diese Kulturpolitik (Rassismus, geschlechtsspezifische und religiöse Unterwerfung) mit einem Bewusstsein für die Wirtschaftsstrukturen, die gleichzeitig Enteignung und Ausbeutung in Südafrika nach der Apartheid gewährleisten. AmaHubo befindet sich an der Kreuzung, an der sich diese Welten kreuzen.

IBRAHIM AHMED

 

Was kommt, nachdem Frieden in diese Unruhe gebracht wurde Nr. 10, 2018, Mischtechnik, Collage auf Papier.

Brennen, was verbrannt werden muss ist ein Werk, in dem sich Ibrahim Ahmed mit den Spannungen zwischen traditioneller Männlichkeit und der Erschaffung des individuellen Selbst auseinandersetzt. Die Schwarz-Weiß- und Farbsequenzen sind collagierte und montierte Kompositionen, durch die der Künstler eine Auseinandersetzung mit diesen Ideologien artikuliert Vis-a-Vis „Verstümmelte“ oder übertriebene Selbstporträts mit digitalen Manipulationstechniken zum Aushöhlen, Abflachen und Überlagern sowohl der narrativen als auch der fotografischen Form.

BADR EL HAMMAMI

Mirage, 2018, Video HD 16/9, 9ʹ. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Mirage, 2018, Video HD 16/9, 9ʹ. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Der künstlerische Prozess von Badr El Hammami begegnet dem Anderssein durch Verhandlung, Zusammenarbeit und Austausch mit Straßenhändlern, Grundschulkindern oder anderen Künstlern. In seinen Arbeiten durchlaufen Vorstellungen von Vertreibung, Migration, Grenzen und Politik persönliche Filter in Bezug auf Erinnerung und Familie. In seiner Postkartenserie Gruß aus KerkennahDer Künstler kombiniert die Verwendung von Touristenpostkarten von den Kerkennah-Inseln in Tunesien, Karten von Bewohnern der Insel und anderen aus dem Internet gewonnenen Bildern, die das Physische mit dem Virtuellen verbinden. Auf den ersten Blick können die frontal angezeigten Bilder eine beunruhigende oder utopische Landschaft darstellen. Bei näherer Betrachtung werden jedoch Nuancen von weichen, rauchigen Sears sichtbar, die die touristische Aura jeder der Postkarten uneinheitlich vermitteln. Diese Technik untergräbt möglicherweise die narrative Konsistenz in den Postkarten und transformiert auch das Bild als solches. Dieser Effekt wird vom Künstler erzeugt, der die Postkarten absichtlich malt und versengt.

Die Bewegtbildarbeit Mirages: Kerkennah zeigt eine Reihe von kurzen Videos, die vor Ort produziert wurden. Diese gefilmten Performances überlagern Polaroid-Schnappschüsse mit realen Landschaften. Aber die Polaroids (oder Standbilder) verbergen die reale Landschaft im bewegten Bild fast vollständig, während das Bild der realen Landschaft durch das lichtempfindliche Papier leicht angedeutet wird. Die Arbeit hinterfragt unsere Beziehung zum Bildschirm, der in unserem täglichen Leben sehr präsent ist, und auch zu den Informationen, die wir täglich ohne Streit konsumieren.

ABRIE FOURIE

Flussnotizen (Beli, Cres, Kroatien), 2014, Foto.Flussnotizen (Beli, Cres, Kroatien), 2014, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Die Serie fungiert als eine Art visuelle Poesie, die als kollektive Visionen und Erfahrungen des Alltags angesehen werden kann, die in einen anderen Raum, den Unbekannten im Alltäglichen, übergehen und eine Art Alchemie schaffen.

Metaphern sind für äußere und innere Welten konstruiert, die eine Veränderung der Wahrnehmung erfordern, die das kollektive Bewusstsein auslöst - das Erzählen bekannter und unbekannter persönlicher und öffentlicher Geschichten.

Flussnotizen findet seine erste Inspiration in Bill Callahans Lied Reite meinen Pfeil. Flussnotizen erforscht die verschiedenen Aspekte der Entropie im täglichen Leben. Callahan singt: "Ist das Leben eine Fahrt zum Reiten / oder eine Geschichte zum Gestalten und Vertrauen / oder das Chaos ordentlich geleugnet?" Wörtlich und metaphorisch befasst sich die Arbeit mit den Beziehungen zwischen Bewegung, Fokus, Meditation und Veränderung.

Dies wird durch eine Reihe von kontemplativen Stillleben bis hin zu offenen, spielerischen und freudigen Momenten erreicht, die es dem Betrachter und dem Leser zusammen ermöglichen, einen Einblick in die Entropie des Lebens zu gewinnen. Um auf geordnetes Chaos hinzuweisen oder es besser zu bestätigen - die Entropie zu bremsen!

RENÉE HOLLEMAN

Abgrenzungen (Veld, Farm, Futures), 2019, digitale Collage. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Abgrenzungen (Veld, Farm, Futures), 2019, digitale Collage. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Renée Holleman beruft sich in ihrer Arbeit auf die konzeptuelle, metaphorische und wörtliche Kraft von Linien. Für sie weist die politische Dimension des Einsatzes von Linien darauf hin, dass Sie beispielsweise, wenn Sie zwei Punkte verbinden, einen Anspruch darauf erheben, wie der Raum organisiert werden soll und wer ihn organisieren darf. Im Abgrenzungen Sie verwendet Redewendungen aus Fotografie und Kartografie, um Konstellationen von Bildern zu erstellen, die von Websites wie der South African Railways-Sammlung stammen. Diese erinnern an den nahtlosen Übergang von der Verkehrsinfrastruktur zu einer Sicht auf Land (offen, leer), die sich für den weißen Nationalismus eignet. Zum Beispiel ist es für Holleman kein Zufall, dass Jacobus Hendrik Pierneef der Künstler war, der 1929 beauftragt wurde, die 32 Tafeln für das Innere des Bahnhofs von Johannesburg zu bemalen. Hollemans eigene Fotos, die mit hoher Geschwindigkeit auf National- und Kapillarstraßen aufgenommen wurden, markieren dieselbe Verbindung, indem sie sie ausfransen. Neben ihren archivierten Vorfahren sind dies gewöhnliche, undurchdringliche Räume, deren Bildgebung keinen stabilen Boden bietet, von dem aus man die Aussicht bewundern kann. Hollemans spätere Aufteilung der Bilder, die ihre Integrität als Oberflächen aufbricht, verstärkt diese Instabilität, indem sie das Sehen vom Besitz entkoppelt. Wir können immer noch ein Foto „machen“, aber diese Fotos können weder ihren Inhalt enthalten, noch sind sie brauchbare Waren. An anderen Orten ist das Ergebnis ihres tiefen Eintauchens in das Sehen schwer zu sehen. Wenn es auftaucht, ist die Vergangenheit hässlich, und noch mehr, wenn ihre Gegenwart zeigt, wie gegenwärtig sie noch ist. Historische Fragmente zeigen uns so viele klaffende Löcher und rassistische Falschdarstellungen. Holleman markiert die Anwesenheit von diesen; wie sie stören und Störung fordern. Für sie ist es jedoch wichtig, dass solche Darstellungen keine Tatsachen sind. Sie sind die Produkte einer bestimmten Sichtweise, dann werden andere Sichtweisen möglich.

Wir kamen von links, wir kamen von rechts: Bei Verschiebung, Irrtum und Zerstreuung

MILENA SCHEREZADE CARRANZA VALCÁRCEL

L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

In Südperu, im Ica-Tal sowie in Cusco, der Hauptstadt der Inkas, die Atajos de Negritos (Tänzergruppen) und Pallitas (Tänzergruppen) mit ihrem Vorarbeiter, ihrem Unteroffizier, ihren Geigern und ihrem Hahn Tänzer kommen heraus, um die Geburt des Jesuskindes zu Weihnachten zu feiern. Dies ist eine der beeindruckendsten religiösen Feierlichkeiten unseres Landes, bei der die spanische, afrikanische und die Andenkultur synkretisiert wurden. Sie wurde 2010 zum immateriellen Kulturerbe der Nation (PCI) erklärt.

Amador Ballumbrosio Mosquera (1933-2009), ein Bauer und Künstler, ist einer der Hauptverantwortlichen für die Bewahrung dieser Tradition. Er wurde in El Carmen, einem afro-peruanischen Bezirk der Provinz Chincha im Departement Ica, geboren und widmete sein Leben der Kultur von Atajo, um die 26 ursprünglichen Tänze aus mehr als 500 Jahren zu bewahren, die zum Beispiel an Folgendes erinnern: das Werk der Erde, die Hingabe an die Jungfrau Maria oder der Protest gegen das Sklavenregime.

Auf diese Weise lädt das Kulturzentrum Amador Ballumbrosio Milena ein, die Kurse des Atajo im Jahr 2009 aufzuzeichnen, das nach dem Tod von Amador nun von seinen Kindern bewahrt wird, um dieses Erbe aufrechtzuerhalten. Sie begleitet sie seitdem mit Inbrunst und hilft sogar bei der Erklärung als PCI.

Diese Auswahl zeigt insbesondere den Verlauf des Jahres 2015 von der Taufe der neuen Tänzer bis zum Ende mit dem Verbrennen der Krippe, und wir vermitteln den tiefen Glauben und die Hingabe dieser Praxis. Dank Milenas engagierter Vision und des unbewussten Flusses der Vorfahren sind wir in dieser heiligen Erfahrung von jedem Bild umgeben.

DIE ZWEIGE SIND UNSERE AUGEN NICHT PIERCE: Über die Möglichkeit der Hoffnung und der Zukunft als Versprechen

FOTOTALA KING MASSASSY

Tenir (Diforme), 2019, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Tenir (Diforme), 2019, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

1995, Montgomery, Alabama: Fototala King Massassy traf Rosa Parks während einer Tour mit seiner Rap-Band SOFA durch amerikanische Städte, die von den Kämpfen um Bürgerrechte geprägt waren. Sie erzählte ihm, wie sie zusammen mit Persönlichkeiten wie Martin Luther King, den Black Panthers und vielen anderen in den 1950er und 1960er Jahren die Fäuste geballt und erhoben hatte, um Nein zur Ungerechtigkeit zu sagen. Nach dieser Begegnung wurde die erste Aufzeichnung des malischen Hip-Hop geboren, in der SOFA die arabisch-muslimische Sklaverei und den dreieckigen Handel anprangerte und versuchte, einem Schwarzen eine Menschlichkeit wiederherzustellen, die ihm vorenthalten worden war.

Fast fünfundzwanzig Jahre später greift Fototala King Massassy dieses Symbol des Kampfes um die Emanzipation in seiner Serie Tenir auf, eine Hymne an die Afrikanität als globales Konzept und nicht als Konzept, das auf die Grenzen des Kontinents reduziert ist, auf den es sich bezieht. Der Fotograf bietet uns Porträts einer neuen Art an: Mit der Symbolik der Stärke, Einheit und des Trotzes hinter diesen engen Fäusten, die so viele Kämpfe auch über die USA hinaus begleitet haben, porträtiert er eine afrikanische und afro-abstammende Identität, die bestimmt, vereint, und mutig in Bezug auf seine turbulente Geschichte. Und um den Wunsch nach Widerstand zu betonen, der ihn durch seine manchmal zufälligen Begegnungen an einer Straßenecke, manchmal orchestriert, mit Meistern der okkulten Wissenschaften auszeichnet, hat der Fotograf mit Glücksringen geschmückte Fäuste gefangen genommen, deren Zweck es ist, Schutz zu bieten oder Unverwundbarkeit für diejenigen, die sie tragen. Auf einigen dieser Ringe sind magische Formeln, heilige Symbole oder Schriften eingraviert. andere sind mit Gegenständen oder Steinen geschmückt, unter denen Talismane begraben sind, die von Meistern der okkulten Wissenschaften, Hüter esoterischer Geheimnisse, vorgeschrieben wurden. Was Fototala King Massassy in diesen Ornamenten sieht, die die heruntergekommenen Häute der Hände bedecken, sind die von Menschen, die sich widersetzen.

KHALIL NEMMAOUI

Air Twelve Land, Fotografien, 2019. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Luft Zwölf Land, Foto, 2019. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Nemmaouis Projekt begann als Faszination für die Verbreitung des Renault 12 (R12), eines mittelgroßen Familienautos, in der Stadt Sidi Mokhtar zwischen Essaouira und Marrakesch in Marokko. Der Künstler inszeniert die Limousine in Kompositionen, die die geometrische Form des Automobils im Kontext trockener Landschaften und in Bezug auf andere vegetative, regelmäßig und unregelmäßig geformte Formen positionieren. Nemmaouis Genreszenen dezentrieren das menschliche Subjekt bewusst in ihren kompositorischen Rahmenbedingungen. Seine Bilder entstehen aus zufälligen Begegnungen mit verfallenen oder voll funktionsfähigen R12 unter verschiedenen Umständen, aus denen seine poetischen Szenen aufgebaut sind. Der R12 ist das wiederkehrende Motiv auf diesen Fotos - manchmal zentriert, manchmal spielt er eine periphere Rolle in der Komposition. Die Illusion der Wiederholung wird nur in der visuellen Struktur erreicht, nicht aber im Inhalt; Die verschiedenen Fotos zeigen individuell unterschiedliche Fahrzeuge, die gleich aussehen können (wenn sie nicht unterschiedliche Farben haben). Es ist, als ob der Künstler visuelle Beziehungen konstruiert, die die Welten organischer, architektonischer und mechanischer Technologien erforschen und überschneiden, indem er ein Verhältnis von Interdependenz und Notwendigkeit schafft.

KOLLEKTIVE

COLLECTIF ORCHESTER VIDE

Yohann Queland de Saint-Pern und Myriam Omar Awadi, Orchester Vide (Karaoké de la Pensée), 2016-2019, performatives Dispositiv. Mit freundlicher Genehmigung der Künstler und La Colonie.Yohann Queland de Saint-Pern und Myriam Omar Awadi, Orchester Vide (Karaoké de la Pensée), 2016-2019, performative dispositif. Mit freundlicher Genehmigung der Künstler und La Colonie.

Orchester Vide oder „Empty Orchestra“ (wörtlich übersetzt aus dem japanischen Begriff „Karaoke“) ist ein kollektives Projekt, das sich aus einer Reflexion über die Frage des Wissens und die Beziehungen zwischen wissenschaftlichen und künstlerischen Praktiken ergibt. Das Projekt interpretiert wissenschaftliche Inhalte in künstlerischer Form neu. Die Installation besteht aus Videos mit Reden, Konferenzen und anderen „berühmten“ Mitteilungen von Theoretikern, Gelehrten, Schriftstellern, Dichtern, Politikern, bildenden Künstlern und fiktiven Figuren aus Filmen und Archivdokumenten (einschließlich Gilles Deleuze, Édouard Glissant und Paul Vergès). , in performativer und partizipativer Form verteilt, indem Zuschauer einbezogen werden, die eingeladen werden, diese Texte im populären und geselligen Karaoke-Format zu sagen oder aufzuführen. Die Arbeit könnte auch als eine Art Nachstellung einiger der großen Vorträge, Interviews oder Momente angesehen werden, die die Geschichte maßgeblich geprägt und unsere Wahrnehmung der Welt verändert haben. In dieser performativen Installation ist der Wunsch nach Oralität ein privilegiertes Überschreiben. Der Wunsch, dem Gedanken zuzuhören, wird auch beim Lesen betont.

UNSICHTBARE GRENZEN

Emeka Okereke, Wunschdenken 2, Benin, Nigeria, 2011, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Emeka Okereke, Wunschdenken 2, Benin, Nigeria, 2011, Foto. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

Die Politik der Grenzen nimmt immer neuere Formen an, da Regierungspolitik, Konflikte und Militanz Millionen von Menschen auf der ganzen Welt vertreiben. Dennoch wächst der Wunsch von einer Seite des Kontinents zur anderen, durchlässig zu werden. Diese starken Trennlinien wirken sich zunehmend auf die Interaktionen zwischen ihnen aus, da die Ideale und Vorteile des Panafrikanismus für Regierungen und Einzelpersonen gleichermaßen attraktiver und wirtschaftlich attraktiver werden. Seit 2009 durchquert die Trans African Photography Organization von Invisible Borders den Kontinent und vertieft das Verständnis seiner Grenzen durch gelebte Erfahrungen und bemerkenswerte Begegnungen mit Medien aus Fotografie, Literatur und Film. Die Arbeit der Organisation ist stark in dem Wunsch verwurzelt, einerseits; Geschichten, Kultur, intime Begegnungen, die Poesie der Präsenz und des grenzüberschreitenden Reisens über Straßen erleben und dokumentieren; und andererseits; vorherrschende Erzählungen über Afrika von traditionellen Medienreportagen abzuwenden, die so oft durch farbige oder schmale Linsen gefiltert werden, die für vorgefasste Prototypen und Tropen geeignet sind.

Im Jahr 2018 startete die Invisible Borders Trans African Photography Organization die 8. Ausgabe ihres transafrikanischen Road Trips von Lagos, Nigeria nach Maputo, Mosambik. Die erste Gruppe von Künstlern - Fotografen, Schriftsteller und Filmemacher - sollte in zwei Gruppen stattfinden und reiste von Lagos, Nigeria, über Kamerun, die Demokratische Republik Kongo, bis nach Kigali, Ruanda. Der Lagos-Maputo-Roadtrip 2018 basiert auf zwei Sätzen, die sich aus der konzeptionellen Prämisse des Roadtrips ergeben: „volatile Verhandlungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart“ und „Ich bin da, wo ich denke“.

Ersteres spricht für die Historizität der transafrikanischen Autobahn von Lagos nach Maputo und die Politik der Bewegung auf diesem Weg, während letzteres für den Faden spricht, der Jahr für Jahr durch die Straßenfahrten verläuft: den Körper, nicht nur als Gefäß der Präsenz und Bewegung, aber auch ein aktives Denkwerkzeug, wo immer es auf der Straße positioniert ist.

In den 45 Tagen, in denen die Künstler reisten, dienten diese Leitphrasen als Grundlage für persönliche Themen, wenn auch lose eingehalten, die die von ihnen auf der Straße geschaffenen Werke weitgehend aus vorsätzlichen und meist zufälligen Begegnungen und Interaktionen informierten. Der Fotograf und Filmemacher Kenechukwu Nwatu machte sich auf die Suche nach musikalischen Begegnungen, um herauszufinden, inwieweit es sich um ein Derivat der Spiritualität handelt. Der Schriftsteller Tope Salaudeen-Adegoke wanderte in viele Märkte und suchte nach Geschichten am Puls der täglichen Transaktionen, insbesondere von Frauen. Emeka Okereke hatte als Leitmotiv „Traumkammer“ - ein fotografisches Werk, das darauf abzielte, etwas von „dem Boden, der sich unter unseren Füßen verschiebt“ zu artikulieren, während Grenzverhandlungen und Neukonfigurationen in verschiedenen Formen und Maßstäben auf dem gesamten Kontinent stattfinden . Der Schriftsteller Kay Ugwuede ging auf die Straße, um die Unterschiede zu verstehen, die sich aus Abgrenzungen jeglicher Art ergeben.

Einige dieser Werke werden im Verlauf des Bamako-Festivals in einer Multimedia-Ausstellung gezeigt.

Neben der Multimedia-Ausstellung mit einem nichtlinearen Film über den Lagos-Maputo-Roadtrip, Bildern und Texten aus einem speziellen Blog, in dem Künstler ihre Arbeiten auf der Straße austauschten, veranstalten die Invisible Borders vor dem einen 10-tägigen Workshop Eröffnung des Festivals mit bis zu 10 Schriftstellern, Fotografen und Filmemachern in Bamako; und eine Ausstellung mit Fotografien und Texten aus dem Archiv Invisible Borders im öffentlichen Raum.

Der Road Trip Lagos-Maputo 2018 ist noch nicht abgeschlossen. Die Partie B und die letzte Etappe der Reise sollen zu einem späteren Zeitpunkt fortgesetzt werden. Daher wird diese Komponente unserer Ausstellung die Form einer laufenden Arbeit annehmen.

- Kay Ugwuede

KOLEKTIF 2 DIMANSYON (K2D)

OBEN: Kazal Moise, Öffnung im Fluss Bretelle. Der Fluss ist die erste Verbindung zwischen Kazal und Cabaret, die unter der Herrschaft von François Duvalier in Duvaliervill umbenannt wurde, Kabarett, 2015, Foto. Bildnachweis: Moise Pierre. UNTEN: Kazal Mackenson, Landwirte machen eine Pause in Desab, einem Teil des Kabaretts, 2016, Foto.Kredit: Mackenson Saint-Félix.

In diesem Jahr wird an den fünfzigsten Jahrestag des Massakers von Kazal erinnert, einem Dorf im Norden von Port-au-Prince, das im Frühjahr 1969 zum schrecklichen Schauplatz eines der tragischsten Ereignisse in der Zeitgeschichte von wurde das Land. Unter der Diktatur von François Duvalier, die von Terror und Korruption geprägt war, erhoben sich Bauern aus Protest gegen missbräuchliche Steuern und Verbote des Wasserverbrauchs aus dem Fluss, der durch ihr Dorf floss. Der Aufstand wurde bald vom Militär und der Miliz des Regimes niedergeschlagen, was zu einer katastrophalen Bilanz von mindestens 23 getöteten, 80 vermissten und 82 verbrannten Bauern führte. Wenn das Ereignis aus der offiziellen Geschichte ausgelöscht wurde, bleibt die Erinnerung an seine Gräueltaten durch die Zeugnisse der Überlebenden und die Spuren, die es in der Landschaft und im täglichen Leben der Bewohner von Kazal verstreut hat, bestehen. Sechs haitianische Fotografen der ersten Generation nach Duvalier nutzten das Potenzial der Fotografie als Werkzeug der Erinnerungserzählung und begannen eine Erinnerungsarbeit, um die Narben der Vergangenheit anzusprechen und das Gespenst der rücksichtslosen Diktatur loszuwerden, die immer noch über der Vergangenheit schwebt Kazaleses und die Haitianer im Allgemeinen und über Generationen hinweg. Seit drei Jahren gehen sie zur Begegnung der Menschen in Kazal, um ihre Erinnerungen an Orte und Ereignisse zu hinterfragen. Kazal ist das Ergebnis einer langen und emotionalen Reise, auf der Strategien zur Überwindung sozialer, kultureller und geografischer Barrieren eingesetzt werden mussten, um die Überreste der durch die Zeit zerfallenen Erinnerungen wiederherzustellen. Durch eine doppelperspektivische Erzählung konstruierte das Kollektiv ein fragmentiertes und subjektives Zeugnis, das die Realität dieser historischen Tatsache natürlich nie vollständig erfassen, sondern zumindest ein spätes Referenzarchiv erstellen und eine Reflexion um sein Gedächtnis reaktivieren wird.

SONDERPROJEKTE

DIE WERKE VON TOLA ODUKOYA

Paar im Bett, 1965.

Odukoyas grafisch gestaltete Bilder werfen die Frage nach dem Zweck der Erinnerung auf. Da wir den von Tola Odukoya erstellten Fotografien ausgesetzt sind, scheinen wir damit begonnen zu haben, die Spuren der kulturellen Autobahnen Afrikas zu verfolgen, zurückzuverfolgen und historisch zu untersuchen. Die Mission hier ist einfach, eine Auswahl von zwanzig Bildern aus seiner Sammlung von über zweitausend Fotografien zu präsentieren, die in einer Karriere von mehr als vierzig Jahren entstanden sind. Odukoyas vielschichtige Arbeit packt eine Reihe von Fragen aus und erklärt darüber hinaus einen Notfall über die Notwendigkeit, neue Gespräche über die Komplexität der Beziehung und der Auswirkungen der Kultur auf die Demografie, insbesondere auf dem afrikanischen Kontinent, zu eröffnen. Die Entdeckung von Tola Odukoyas Werk verstärkt die Dringlichkeit, unseren Blickwinkel zu erweitern und unsere Position zu Fotografie und Afrika zu überdenken.

Die obigen Auszüge aus dem Biennale-Katalog sind Ausstellungen, auf die man sich bei der 12. Ausgabe von Rencontres de Bamako freuen kann. Rencontres de Bamako läuft bis zum 31. Januar 2020.