Shiraz Bayjoo, Standbild von Ile de France, 2015.

Synästhetische Klangfülle

Ein Archiv in der hörbaren Welt schmieden

 

Ali Tnani, Sogar die Sonne hat Gerüchte, 2017. Multimedia-Installation, variable Abmessungen, 18 Minuten (Teil 1), 17 Minuten (Teil 2), Schleife. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Ali Tnani, Sogar die Sonne hat Gerüchte, 2017. Multimedia-Installation, variable Abmessungen, 18 Minuten (Teil 1), 17 Minuten (Teil 2), Schleife. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

 

KUNST AFRIKA sprach mit Bonaventure Ndikung über sein transdisziplinäres Projekt, das für die gemeinsame Show geplant ist, die er ab dem 3. Mai auf der Dakar Biennale kuratieren wirdrd bis Juni 2nd. Der kamerunische Biotechnologe und unabhängige Kuratorenshow wird das Leben des ägyptischen elektronischen Musikers und Ethnomusikologen Halim El-Dabh untersuchen und relevante Fragen im Zusammenhang mit der Störung und dem Aufbau von Archivwissen aufwerfen.

 

KUNST AFRIKA: Jeder Gastkurator bei Dak'Art kuratiert eine gemeinsame Ausstellung mit 3-5 ausgewählten Künstlern. Könnten Sie die Künstler besprechen, die Sie für die Biennale ausgewählt haben?

Bonaventure Ndikung: Die Show, die ich mache, ist mit 14 Künstlern und nicht mit 3. Es werden Halim El-Dabh, Younes Baba Ali, Leo Asemota, Satch Hoyt, Tegene Kunbi, Erinnerung Biwa, Robert Machiri, Ibrahim Mahama, Nyakallo Maleke, Elsa Mbala, Yara Mekawei, Emeka Ogboh, Sunette Viljoen, Ima-Abasi Okon und Junior Boakye-Yiadom. Das Projekt heißt "Canine Wisdom for the Barking Dog" und geht weiter, "The Dog Done Gone Dead". Es ist eine Hommage an den aus Ägypten stammenden Komponisten Halim El Dabh. Er wurde 1921 geboren und starb 2017. Er revolutionierte die elektronische Musik im 20. Jahrhundert - aber natürlich wurde er vollständig aus dem Kanon heraus geschrieben. Tatsache ist, dass seine Kompositionen für viele andere Künstler maßgeblich waren. Er arbeitete mit vielen amerikanischen und europäischen Künstlern zusammen und ging selbst in den 50er Jahren in die USA und blieb dort, bis er starb. In seiner Praxis gibt es zwei große Phasen - die frühe Phase ist die Komposition, die auf der Technik basiert, die später genannt wurde musique concrète. Seine Komposition The Expression of Zaar im Jahr 1944 ging dem voraus, was die französischen sogenannten Gründer von musique concrète tat im Jahr 1948; Vor musique concrète was founded, Halim El-Dabh was already using these techniques. He spent his life composing, for theatre, for dance, for famous dancers like Martha Graham and many others – that’s one part of his practice. Another part is his travels across the African continent working as an ethnomusicologist. What I’m interested in is revisiting his work, his practice, but specifically when he went to visit Dakar in 1957. He did a couple of recordings there in the market square and I’m interested in making the link between those recordings then and now. The artists I’ve invited, some of them knew Halim El-Dabh and some of them didn’t, so the question is: how do we write history? How do we take upon ourselves the responsibility of carrying a legacy? The challenge for the artists was to indulge, to dive into Halim El-Dabh’s life, compositions, and practices in art. The results have been very varied – some have worked more with sound, some have worked with visuals. Halim El-Dabh was also a painter, which not many people know about. His paintings were more like scores; he would paint on canvas to make a notation system to make music. It becomes very interesting because he was synaesthetic – thus he wrote his music with colours and shapes.

 

Das Thema für Dak'Art für 2018 lautet "Die rote Stunde". Wie verstehen Sie dieses Thema und wie möchten Sie dieses Thema in Ihrer kuratorischen Arbeit interpretieren?

Das versuche ich nicht. Es passiert.

 

Roiling Red, 2018. Holz, Glasfaser, Polyurethanschaum, Silikonkleber, falsche Acrylnägel, 2540 x 1530 x 280 mm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Frances Goodman, Roiling Red, 2018. Holz, Glasfaser, Polyurethanschaum, Silikonkleber, falsche Acrylnägel, 2540 x 1530 x 280 mm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

 

Sie haben Savvy Contemporary in Berlin mit der Absicht gegründet, einen Raum zu schaffen, in dem „westliche Kunst“ und „nicht-westliche Kunst“ auf Augenhöhe miteinander kommunizieren und sich austauschen können “, und teilweise kritisiert, wie der Westen nicht-westliche Kunst als solche betrachtet ein exotisches Klischee. Wie übersetzt sich dies bei Ihrer Herangehensweise an eine Biennale im Senegal im anderen Afrika?

Im Zentrum von Savvy steht die Frage nach dem Moment der Begegnung und was wir damit machen. Es geht darum, Wege zu finden, die Geschichte neu zu erzählen. Ich komme aus Kamerun und es gibt eine Art zu sprechen und Dinge zu tun, die wir Philosophie nennen würden. Mich interessiert, wie wir unsere eigenen Philosophien in den Raum des kulturellen Diskurses bringen. Es übersetzt nach Dakar im Konzept von Halim El-Dabh und seiner Musikphilosophie. Wie wenden wir das an, wenn Halim El-Dabh über die Entstehung und den Verfall von Musik in seinem Kompositionsprozess spricht? Es geht über alles hinaus, was wir im Westen gehört haben. Ich bin nicht der erste, der darüber spricht - 1977 schrieb Jacques Attali ein Buch mit dem Titel "Die politische Ökonomie der Musik". Er schrieb dieses westliche Wissen in den 20er Jahrenth Jahrhundert versuchte, die Welt zu betrachten, aber westliches Wissen scheiterte, weil es versuchte, die Welt zu betrachten. Jacques Attali würde sagen, dass die Welt nicht lesbar ist - sie ist hörbar. Ich bin daran interessiert, der Welt zuzuhören. Ich möchte die Bedeutung der Klangfülle, den Klangcharakter und die Art des in den Klang eingebetteten Wissens hervorheben. Natürlich benutze ich diese subjektiven Begriffe des Westens und des Nicht-Westens, um sie zu dekonstruieren, und ich bin daran interessiert, Wege zu finden, dies durch das gegenseitige Interesse an der Klangpraxis zu erreichen, die ich mit den Menschen teile, die ich eingeladen habe.

 

Sie haben Ihr Interesse an Heinrich Heines Idee der ästhetischen Revolution bekundet. Wie informiert dies Ihren kuratorischen Prozess?

Die ästhetische Revolution hat mit einer Neukonfiguration der Art und Weise zu tun, wie die Welt wahrgenommen wird, dh wie wir trainiert sind, die Welt zu sehen. Die ästhetische Revolution kommt in diesen Praktiken des Trainierens und Enttrainierens des Betrachters und der Art und Weise, wie wir zuhören, um die Art und Weise, wie wir durch Räume navigieren, zu entlasten. Es ist eine zutiefst phänomenologische Sache: die Art und Weise, wie wir Räume erleben. Wenn wir das tun, müssen wir neue Dinge vorschlagen, und ich interessiere mich für den Begriff des tieferen Archivs, des Immateriellen, dh woher beziehen wir Wissen? Woher stammt das Wissen? Ich möchte Wissen in der Hexerei finden, dem Ding, das Wahnsinn genannt wird, in der Performativität, im Tanz. Diese Dinge wurden uns gesagt, wir sollten sie nicht respektieren, weil wir durch ihre Achtung falsche Götter ehren, weil wir durch ihr Leben unzivilisiert und barbarisch sind. Es geht um das Wissen des Barbaren, darum, Wissen in den Ecken des Raumes zu finden, jene Räume, in denen die Leute nicht laut sprechen, sondern flüstern. Es geht darum, Wissen im Nicht-Offensichtlichen zu finden, Wissen unter der Oberfläche zu finden. Es geht auch darum, nicht erleuchtet zu werden, gegen den Strom der Erleuchtung zu schwimmen, im Dunkeln zu bleiben und die Dunkelheit als Raum des Wissens und der Macht zu verstehen. Es geht darum, nicht in einen Raum von Lichtkonzepten als Metapher, als Funktion gezwungen zu werden.

 

Amita Makan, My Feet, 2012. Handbestickt mit Seide, Viskosefaden, Vintage Sari auf Seidenorganza. (Die Arbeit ist in Plexiglas eingeschlossen, um sie von hinten und hinten zu betrachten.), 125 x 82 x 3.3 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.Amita Makan, Meine Füße (Detail), 2012. Handbestickt mit Seide, Viskosefaden, Vintage Sari auf Seidenorganza. (Die Arbeit ist in Plexiglas eingeschlossen, um sie von hinten und hinten zu betrachten.), 125 x 82 x 3.3 cm. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.

 

Zahra Abba Omar ist Praktikantin bei KUNST AFRIKARedaktion.

FEATURED IMAGE: Shiraz Bayjoo, Still from Ile de France, 2015. Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers.