STEVEN COHEN Interview

Das "Gemälde ist nicht tot!" Problem: Im Gespräch mit Steven Cohen

ARTsouthAFRICA sprach mit Steven Cohen, Pionier des südafrikanischen Performancekünstlers, bevor er nach Canda reiste, um an der Spotlight South Africa Festival. Cohen, dessen Arbeit sich mit Fragen der Identität provokativ auseinandersetzt, inszenierte eine seiner bekanntesten Aufführungen, Leuchter (2001), in dem er in schwindelerregenden Absätzen und einem beleuchteten Kronleuchter-Tutu mit Bewohnern eines Squatter-Lagers in Newtown, Johannesburg, interagierte.
 
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STEVEN COHEN InterviewSteven Cohen, Leuchter, 2001. Foto © Caroline Suzman
 
Leuchter trat zusammen mit einer Reihe anderer bekannter Werke von Künstlern aus Südafrika beim Spotlight South Africa Festival in Kanada vom 8. bis 28. April 2015 auf. Das Festival ist das Ergebnis einer Partnerschaft zwischen dem National Arts Council of South Africa (NAC) und Kanadische Bühne in Toronto.
 
ARTsouthAFRICA: Zunächst einmal herzlichen Glückwunsch zur Auswahl für das Spotlight South Africa Festival! Auf welchen Aspekt der Erfahrung freuen Sie sich am meisten?
 
Steven Cohen: Danke, aber Glückwünsche sollten an den National Arts Council und die Canadian Stage gehen - ich habe mich zur Abwechslung nicht eingeladen. Ich freue mich sehr darauf, die südafrikanische Kunstwelt zu repräsentieren, die immer eine schizoide Hassliebe zu meiner Arbeit hatte. Ich habe keine Lust, angeschaut zu werden, aber ich möchte, dass die Arbeit gesehen wird - ich habe es dafür gemacht. Und es interessiert mich, ein altes Werk zu überdenken, während ich mich von ihm verabschiede.
 
Laut dem National Arts Council hat das Festival auch einen wertvollen Aspekt des Kompetenztransfers - werden Sie an einer dieser Initiativen beteiligt sein?
 
Indem ich dorthin gehe, indem ich bin und tue, werde ich einen sehr wertvollen und insbesondere südafrikanischen Ansatz zur Freiheit der künstlerischen Meinungsäußerung und zur Erforschung der marginalisierten Identitätspolitik durch Aktionen von radikaler Schönheit weitergeben.
 
Ich werde ihnen zeigen, nicht wie es gemacht wird, sondern wie wir es machen. Als südafrikanischer Künstler über Wasser zu bleiben, ist eine besondere Fähigkeit. Es gab Gespräche über Make-up-Workshops, aber ich lehnte ab, weil ich nicht Ru Paul bin. Und abgesehen von gnadenlosen Selbstbefragungen bin ich mir nicht sicher, ob ich irgendwelche Fähigkeiten habe, die die Kanadier brauchen. Vielmehr möchte ich in Südafrika Workshops für Performance-Kunst zu einem von mir entwickelten Konzept der „Körperszenografie“ durchführen - über die Behandlung des Körpers als Bühne.
 
Auf die Frage nach dem Wiederholen LeuchterSie sagten: „Ich kann es nicht wieder tun. [Ich habe] die Aufführung viele Male gemacht, aber die Aufführung spiegelt immer nur diesen… Tag [in Newtown im Jahr 2001] wider. [Leuchter ist] eine Videodokumentation. Ich weiß nicht, ob es Video [Kunst] oder Tanz ist ... Ich weiß nicht einmal, ob es Kunst ist. Aber ich denke, es war ein unglaublich besonderer Moment und [es] ein Tag, der sich in meinem Leben wiederbelebt… und dafür bin ich den Menschen sehr dankbar, die unwissentlich Teil der Arbeit geworden sind. “
 
Warum weiterhin mehrere Aufführungen einer letztendlich einzigartigen Erfahrung spielen? Was macht jede Inszenierung von Leuchter gemein zu dir?
 
Jeder Live-Akt von Chandelier ist ein weiterer Hauch von Leben in dem exquisit langwierigen Prozess des Sterbens. Und jede neue Inszenierung des Performance-Aspekts und die Präsentation des Videokunstwerks LEUCHTER ist eine originelle Erfahrung, weil es ein frisches Publikum ist. Was sich für mich gesehen anfühlt, ist für sie neu.
 
Es ist wie zu sagen: 'Hallo! Ich bin so und so von einem Ort, an dem dies und das! ' Es liegt nicht daran, dass ich es so oft gemacht habe, dass ich es nie wieder tun muss. Es führt oft Teile von Art-Me und Aspekte des Landes, aus dem ich komme, zu Steven-Cohen-und-South-African-Art-Jungfrauen.
 
Wie hat sich die Arbeit in den zehn Jahren seit ihrer Konzeption entwickelt?
 
Das Werk selbst hat sich nicht verändert, aber das Lesen hat sich verändert, als sich die Welt im letzten Jahrzehnt entwickelt hat. Es ist jetzt in einer antiken Sprache und einer alten Ästhetik. Sogar das Videoformat 4: 3 ist das Grammophon-Äquivalent der gegenwärtigen visuellen Technologie. Aber die Themen, von denen die Arbeit spricht - Diskriminierung, Dislokation, Ungleichheit und rassistische Konfrontation - haben sich nur verschärft; Sie sind in SA oder international kaum verschwunden oder irrelevant geworden. Der Live-Performance-Aspekt der Arbeit ist viel heikler geworden, da mein Körper und das Kronleuchter-Tutu die Belastung des Alterns annehmen und sich aufzulösen beginnen, aber wenn überhaupt, haben sich die Bedeutung und die Poesie der Arbeit mit der damit verbundenen Zerbrechlichkeit verstärkt nach Zeit und Verschleiß.
 
„Ich habe mich (der Öffentlichkeit) gestellt, nicht als Rebell, als Gesetzloser, als Arschloch; Niemals ein Held, nur als Kunst. “ Sie haben Charl Blignaut diese Erklärung für einen Artikel in der Times im Jahr 2011 gegeben. Werden diese Wahrnehmungen durch Reaktionen des Publikums auf Ihre Arbeit oder durch Wahrnehmungen, die das Publikum möglicherweise von Ihnen hat, gewonnen?
 
Dieser Kommentar war sowohl eine Reflexion als auch eine Vorhersage und ist eine Mischung aus Perspektiven; viel wie ich mich selbst sehe, ein bisschen wie das Publikum mich sieht. Und natürlich nicht zu vergessen die Behörden - Regierungen und Strukturen, die gerne glauben, uns zu besitzen -, die mich überhaupt nicht so sehen. Sie sehen mich einfach als einen Perversen, der ihre wohlwollende Kontrolle korrumpiert. Es hat sich tatsächlich weiterentwickelt und gesetzlich bin ich jetzt eher als ausgewachsener Schwanzficker als nur als skanky Arschloch zu sehen; als Verbrecher registriert, nicht nur als Gesetzloser.
 
In Bezug auf Strafregister haben Sie internationale Aufmerksamkeit für Ihre Leistung erregt Coq / Hahn (2013) am Eiffelturm in Paris, für den Sie wegen „sexuellen Exhibitionismus“ verhaftet wurden. Dies war sicherlich nicht Ihre erste Gesetzesverletzung - Sie wurden aus einem Einkaufszentrum in Südafrika gerupft, von einem Bahnhof in Japan eskortiert und in Frankreich schon einmal zu Boden geworfen und mit Handschellen gefesselt. Haben Sie Pläne, sich in Kanada mit den Behörden auseinanderzusetzen?
 
Ich bin nicht in Kanada für Performance-Kunst oder öffentliche Interventionen oder irgendetwas gefährlich Reales. Meine Beteiligung am Spotlight South Africa-Projekt ist Teil meines Abschieds von der Bühne. Und ich habe nie vor, meine Arbeit gemeinsam mit den Behörden zu unterzeichnen. Normalerweise ist es umgekehrt. Sie suchen mich, um mit mir zu tanzen. Die Duette, die wir gemacht haben, sind eine Folge ihrer Wünsche.
 
Wie unterscheidet sich die translokale Dynamik zwischen den Auftritten? Leuchter in Afrika im Gegensatz zu Europa oder Nordamerika? Wie verändert der Kontext die Arbeit? Welche Unterschiede haben Sie in der Reaktion des Publikums beobachtet?
 
Der Kontext verändert die Reaktion auf die Arbeit, nicht auf die Arbeit selbst - die Arbeit ist die Arbeit. Natürlich hatte ich Absichten, als ich es gemacht habe, aber jetzt, wo es fertig ist, versuche ich nie, Reaktionen darauf zu kontrollieren, und natürlich akzeptiere ich, dass es für verschiedene Menschen zu verschiedenen Zeiten in verschiedenen Kulturen verschiedene Dinge bedeuten wird. Ich habe festgestellt, dass es eine gewisse Abneigung gibt, sich mit Fragen des Rassenprivilegs und der sozialen Macht auseinanderzusetzen, wenn das Publikum überwiegend die herrschende Klasse ist. dann gibt es typischerweise einen Impuls zum „Verschulden“, anstatt sich einzufühlen oder Verantwortung zu übernehmen.
 
Ja, Ihre Arbeit lenkt ausnahmslos die Aufmerksamkeit auf das, was in der Gesellschaft marginalisiert ist, beginnend mit Ihrer eigenen Identität als weißer, seltsamer, jüdischer, südafrikanischer Mann. Sie haben gesagt, dass Sie sich verkleiden, um sich ausdrücken zu können - in welchem ​​Verhältnis stehen Authentizität und Theatralik in Ihrer Arbeit?
 
Ich versuche, Authentizität auf die Bühne und in Galerien und Theatralik in die öffentlichen Interventionen in der Realität einzuführen. Ich gebe vor, wirklich ich zu sein, und in diesem Prozess gelingt es mir normalerweise, dies zu werden. Für mich sind die beiden nicht unbedingt exklusiv, sondern jeder hat normalerweise Aspekte des anderen, und der Trick - wie beim Backen oder in der Chemie - besteht darin, die richtige Mischung zu finden.
 
Und schließlich diese Ausgabe von ARTsouthAFRICA verwendet 'Malen' als thematischen Ausgangspunkt, daher erscheint es angebracht zu fragen: Inwieweit funktioniert der Akt, Ihr Gesicht aufwändig zu malen und sich dabei effektiv zu verkleiden, als Kunstform an und für sich?
 
Ich sehe das Malen meines Gesichts nicht so sehr als Verkleidung, sondern als mich selbst. Es ist einfach eine Technik, um die Kunst in mir herauszuholen und zu aktivieren - es ist Make-Down für Un-Dance und es ist real für die Zeit, in der es da ist. Ich bin das Ding, für das ich mich entscheide!
 
Ich habe mich vor zwanzig Jahren mit diesem Thema befasst, als ich meine Seite in South African Painting Volume One gekauft (im wahrsten Sinne des Wortes bezahlt) habe - und mich darauf eingelassen habe, indem ich das Bild von mir mit einem geschminkten Gesicht und einer blutbespritzten Puppe verwendet habe. und mit einem Dildo steckte mein "dort, wo die Sonne oft scheint" aus einer Arbeit namens "Ich wurde meine Kunst gefickt" hoch. Natürlich haben die Redakteure versucht, mich zu vertreiben, aber ich habe sie bekämpft wie die Street Art-Schlampe, die ich bin. Und Kendell Geers sprang zu meiner Verteidigung und wies darauf hin, dass mein Gesicht bemalt war und alle Voraussetzungen dieser Definition erfüllte. Kendell wies auch darauf hin, dass ein Gemälde nicht die gesamte Leinwand bedecken müsse. Meine Performance-Arbeit ist ebenso Malerei wie Tanz, Theater, Aktivismus, Actionismus, Poesie und Oper. Und es ist für mich unerheblich, ob es als multidisziplinär oder undiszipliniert gilt. Ich bestehe nur darauf, dass es Kunst ist!